domingo, 22 de mayo de 2016


1777

el sueco carl wilchen scheele  publica su tratado sobre las sales de plata y la acción de la luz, en latín y alemán; en 1780  en inglés, y un año más tarde en francés. En el estilo de las pinturas de artistas exitosos de este siglo como canaletto  parece evidente el uso como herramienta de la cámara oscura. Una cámara de este tipo que tiene grabado el nombre de Canaletto, se conserva en venecia  aunque no está confirmado que efectivamente perteneciera al artista.

Artistas que comercializaban con éxito retratos, como el de  maximiliam robespierre, hacían uso de todo tipo de instrumentos para lograr trabajos casi perfectos. La silueta, un invento derivado del teatro de sombras chinas, se empezó a usar en Francia a mediados del siglo XVIII, como método rápido, económico y automático para hacer retratos de la creciente clientela burguesa que no podía pagar los retratos tradicionales pintados, ni las miniaturas que por esa época estaban de moda entre la nobleza. La silueta era un retrato de perfil, que se hacía copiando el perímetro de la sombra de una persona sobre un papel negro, que luego se recortaba con muchísimo cuidado, para montarse finalmente en otro papel blanco.
En esa misma línea evolutiva, sobre fines del siglo XVIII aparece el fisionotronazo para hacer perfiles, inventado por gilles louis. Estos inventos han sido denominados por Gisèle Freund como "precursores ideológicos" de la fotografía  en tanto representan los esfuerzos de muchos investigadores y artistas de Europa sobre fines del siglo XVIII y principios del XIX, de dar respuesta a una necesidad social en la burguesia  ascendente: tener una forma de representación objetiva, mecánica, económica y rápida. El retrato de personas fue, desde entonces, el principal motor de las innovaciones técnicas que la fotografía incorporó durante todo el siglo XIX.

Atlas " Nuevos tiempos, viejas costumbres"

Atlas " Nuevos tiempos viejas costumbres" 2016 Hard Rock España
Temas:
01 Esperaré
02 Cosas De Valientes
03 Culpable
04 Vete Al Infierno
05 Gritaremos No
06 Un Sueño Cumplido
07 Llueva O Salga El Sol
08 Mil Y Un Pedazos
09 Fuera De Mi
10 No Se Permite Prohibir
11 Somos Una Misma Voz

Formación:
Ignacio Prieto: Voz, Guitarra
VM Arias: Guitarra
Ángel Arias: Bajo
José Martos: Batería



En el 2014 los Atlas decidían volver y con la formación original. Lo que me gusta de esta banda es que publica material nuevo cuando tiene algo que decir. Nuevos tiempos viejas costumbres es la tercera entrega de los Atlas. Personalmente me gustó mucho su álbum del 2010 el Contra Viento y Marea y tienen difícil superar esa cima tan alta a la que llegaron en el 2010 pero este nuevo trabajo no tiene nada que envidiarle, viejos rockeros moviéndose como pez en el agua por los nuevos tiempos, eso sería el resumen de este trabajo.
Me gusta mucho el tema con el que arranca este álbum , Esperaré es un tema con feeling setentero y que me recuerda mucho a los Deep Purple del combo Bolin/ Hughes/ Coverdale, es un rollito similar a aquel temazo, Keep on Moving. Tema setentero con unos coros melódicos muy pausados realmente bueno y adictivo y un doble solo de guitarra con clasicismo absoluto.
Cosas de Valientes es el segundo corte y sigue la estela dejada por el anterior corte, comparte ese feeling setentero, esos aires suaves a la guitarra y a su vez recupera las melodías pegadizas emulando a Sangre Azul y los Niágara que tenia su anterior trabajo.
Con Culpable terminan por definir lo que buscan con este trabajo, un hard rock clásico a más no poder, tirando de influencias aor americanas, del hard rock nacional ochentero y de los Whitesnake. Es un buen tema, una balada bluesera a la que le echan una elegancia que solo ellos tienen, para mí Atlas son los dignos herederos del vacio enorme que nos dejaron Sangre Azul y Niágara.
Mi tema favorito de todo el álbum es Vete al Infierno. Hay que poner esto en solfa, el Hard Rock es un estilo involutivo, los Atlas tampoco pretenden innovar la escena. De echo este tema suena a Perfect Strangers de Deep Purple por los cuatro costados. Pero los Atlas van recojiendo lo mejor de cada huerta del Hard Rock con un gusto exquesito y este álbum es serio candidato a mejor álbum de Hard Rock nacional.
Gritaremos No tiene un inicio sureño que me recuerda a Blackfoot, Lynyrd Skynyrd...y si buscamos referencias más actuales diría que Tesla, la banda de Sacramento. Me gusta la arrancada en medio tiempo incorporan el Hard Rock y siguen manteniendo ese toque sureño, además el estribillo y su ejecución me recuerda mucho a los Barón Rojo en su mejor época.
Un sueño cumplido no es el tema más espectacular del álbum pero tiene características que lo hacen especial. . Es un rock festivo que tiene un estribillo alegre y con tintes Aor americano y con un muy buen trabajo de guitarras que suena fresco y similar a Van Halen.
Una nueva balada llega con Llueva o Salga el Sol. Tiene unos aires melancólicos muy interesantes y quiero destacar el trabajo del bueno de Martos, y es que en el Hard Rock nunca se habla del bajista y el batería y Martos y Arias ( impresionante C.V el de ambos) hacen un gran trabajo.
Un Sueño Cumplido es otro  corte muy Hard rock de los ochenta, que recuerda a Rainbow con Turner ( Stranded) a los Rata Blanca y un largo Etc. Ese riff tan clásico como adictivo hace que funcione el tema a la perfección. Fuera de mí arranca con un solo melódico para instalarse luego en un medio tiempo intenso, atención al trabajo de Arias al bajo, calidad por arrobas y con un estribillo que es imposible no pensar en Sangre Azul, seguramente será un fijo en sus conciertos.
Entramos en la recta final con No se permite Prohibir, no me termina de convencer el corte, pero a cambio me encuentro con uno de los mejores solos de todo el álbum. Somos una misma Voz cierra el álbum con solvencia.
Un disco sin fisuras no soy de halagos injustificados y lo cierto es que Atlas no necesita buenas reseñas es una banda que ocupa toda la atención de los maltrechos medios metaleros. Pero hay que ser justos y hay que decir que se han sacado un muy buen trabajo de la chistera.... no cabia esperar otra cosa de unos veteranos de la guerra del Vietnam que llevan editando buenos álbumes desde los ochenta.

Radi Nedelchev

Nedelchev nació en el pueblo de Ezerche, una comunidad mixta de cristianos y musulmanes a 50 km del puerto fluvial de Ruse  del  Danubio. Su familia era una familia de granjeros y artesanos populares, siendo su madre tejedora y su padre tallista de madera. Desde muy temprana edad Nedelchev demostró gran pasión por el dibujo.
A los quince años, después de una pelea con su padre, Nedelchev se marcha de casa y huye a la costa del Mar Negro, donde tendrá variados empleos para sobrevivir. A los dieciocho años tendrá que cumplir con el servicio militar obligatorio de tres años de duración. Una vez terminado se inscribirá en una nueva escuela estatal de arte en Ruse donde conocerá al pintor Marko Monev con el que compartirá un estudio.
En 1963 Nedelchev y Monev viajaron ampliamente por toda la Bulgaria rural, dibujando y pintando e intentando a la vez contactar con otros artistas mientras viajaban. Durante este periodo en Bulgaria las condiciones históricas de los campesinos estaban cambiando debido a un proceso de colectivización. Nedelchev y Monev se dieron cuenta de que estaban viendo desaparecer muchas costumbres y tradiciones. En 1964 ambos terminaron sus viajes en el Danubio, donde Nedelchev empezó a vivir y a pintar en el estudio del artista Nikolov


En 1966 Nedelchev empezó a exponer regularmente y en una de esas exposiciones conoce a su futura esposa, Mariya. En 1968 se casan y se mudan a Razgrad  donde Nedelchev formara un sindicato local de artistas. En 1971 el arte de Nedelchev será descubierto fuera de Bulgaria donde, en Suiza, el crítico de arte y escritor Jakovsky  le otorgara el premio especial en una competición mundial de arte naïve. Seguirán una serie de exposiciones y Nedelchev visitará Paris por primera vez, aunque las autoridades comunistas dejaron bien claro que aquella visita era un privilegio.
De la misma forma, la falta de acceso a galerías occidentales profesionales y al mercado del arte impedirán a Nedelchev seguir el camino profesional de cualquier otro artista occidental. Aun así, el trabajo de Nedelchev se introducirá en muchas colecciones privadas y corporativas, así como en las manos de muchos embajadores y políticos extranjeros, por ejemplo la Krupp Corporation (alemana), el Baba Research Centre (de la India) y el ex primer ministro chino Li Peng.

postales desde el filo

1990 Usa 106 minutos. director: Mike Nichols. guión: Carrie Fisher. música: Carly Simmons. fotografía: Michael Balthaus. Productora: Columbia Pictures. Reparto: Meryl Streep, Shirley MaLaine, Simon Callow, Gene Hackman, Dennis Quaid, Richard Dreyfuss, Oliver Platt, Rob Reiner, Cch Pounder, Annete Bening, Gary Monrton, Mary Wickes.
Sinopsis: Hollywood. Tras salir de una clínica de desintoxicación en la que ingresó a causa de una sobredosis de pastillas, la actriz Suzanne Vale (Meryl Streep) se encuentra con que los estudios le ponen como condición para seguir trabajando que viva con su madre (Shirley MacLaine), una vieja actriz totalmente alcoholizada, a la que creen capaz de crear la atmósfera adecuada para proteger a su hija.

 "Postales desde el filo” puede verse de dos maneras: como una película sobre una actriz, hija de estrella, con sus penurias y dificultades, o como la biografía de Carrie Fisher. En spoiler cuento algunos pasajes sobre la agitada vida de Carrie, sin contar nada de la película, para los que estén interesados o se hayan quedado con ganas de saber algo más.

La película es interesante ya que muestra sin tapujos, sobre todo el estado anímico en que se encontraba Carrie Fisher, la actriz protagonista de "La guerra de las Galaxias" e hija de Debbie Reynolds, estrella de "Cantando bajo la lluvia".
Hay que decir que Meryl Streep consigue una interpretación como es habitual en ella, notable, aunque tengo reservas en cuanto a su elección para el papel, no por su calidad como actriz, indiscutible, sino por su edad. Según las fechas de su libro, Carrie tendría unos 28 años. Esto se nota en la relación entre madre e hija y Streep no puede ocultar sus 41 años; algo mayor, lo cual le resta credibilidad a la hora de su dependencia o sumisión.

Aparte de esta salvedad sobre la edad, la actuación de ambas roza lo sobresaliente. Desde que vi “La calumnia”, a Shirley McLaine, sólo puedo tenerle admiración. Aquí, desde luego, no es una excepción y borda su papel como Debbie Reynolds. Tiene un magnífico número musical en el que, como siempre, hace sombra a su hija, en su fiesta.
Otra parte destacada son los diálogos, con frases muy elaboradas y envenenadas ("Quieres que lo haga bien, pero nunca como tú").

Mike Nichols consigue un buen retrato del backstage hollywoodiense, con ingeniosas muestras de cine-dentro-de-cine, y aunque es incisivo con el star-system, no llega a hacer sangre. Es lo suficientemente crítico, pero abordado con elegancia. Posiblemente, se ciñe bastante al guión y a las consignas de Carrie Fisher.

El reparto es notable y la película es buena en su conjunto, especialmente el duelo interpretativo Streep-Mclaine, dos grandes, aunque con un tono más incisivo, la película podría haber ganado bastante.
Gene Hackman interpreta a un director inspirado en Richard Donner (“Arma letal”). Simplemente borda su papel. Serio cuando tiene que serlo en el set de rodaje y cercano y comprensivo cuando se trata de la persona necesitada más que de la estrella.
La pequeña intervención de Annette Benning tuvo un rendimiento inmejorable.

De todas maneras, Carrie Fisher fue muy valiente al atreverse a escribir sobre su agitada vida, adaptando su novela autobiográfica, y más aún, estando todavía en activo; el año anterior había rodado “No matarás al vecino”.
En definitiva, interesante pasaje de una famosa actriz con problemas de todo tipo, con muy buenas interpretaciones.
https://www.youtube.com/watch?v=32XaJ_VNMb8
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los próximos tres días

2010 Usa Thriller 122 minutos. Director: Paul Haggis. Guión: Paul Haggis (Remake: Fred Cavayé, Guillaume Lemans) música: Danny Elfman. fotografia: Stéphane Fontaine. Productora: Coproducción USA-Francia; Lionsgate / Highway 61 Films / Fidélité Films. Reparto: Rusell Crowe, Elizabeth Banks, Liam Neelson, Olivia Wilde, Jonathan Tucker, Brian Dennezhy, Rza, Sean Huze, Lennie James, Jason Beghe, Moran Atías, Ty Simpkins.
Sinopsis: John Brennan (Russell Crowe) es feliz con su mujer Lara (Elizabeth Banks) y con su hijo Luke (Simpkins), pero su vida experimenta un vuelco dramático cuando ella es acusada de asesinato y condenada a veinte años de prisión. Brennan, convencido de su inocencia, hará todo lo posible para sacarla de la cárcel. Remake del largometraje "Pour elle", dirigido en 2008 por Fred Cavayé, que en España se estrenó con el título de "Cruzando el límite"


 Pasable como oferta de acción, regular como producto de intriga, floja como cinta dramática

Paul Haggis nos ofrece un thriller de acción entretenido, con mucho dinamismo en su historia, pero lamentablemente no logra ser nada más que sólo un simple espectáculo de evasión bastante exagerado e inverosímil en sus planteos.

El principal problema de esta cinta es que su intriga no funciona tan bien como su frenetismo, por tanto no es una cinta que logre sorprendernos por su ingenio y lucidez narrativos, sino que más bien nos termina divirtiendo gracias a sus excesos que buscan en todo momento conseguir un filme trepidante y enérgico.

Por ende es más una cinta de acción con momentos licenciosos que un thriller sobre pergeñadas elucubraciones de fuga carcelaria.


Las actuaciones. Hay que diferenciar dos tipos de interpretaciones en este filme: aquellas que sólo resultan efectistas y que cumplen con las mínimas exigencias del guión y aquellas otras que son para el olvido. Entre las primeras hay que destacar la de Russell Crowe, quien logra la caracterización más convincente de todo el reparto. Mientras que las peores interpretaciones son las de Elizabeth Banks dando vida a la esposa encarcelada y la del pequeño Ty Simpkins (el personaje del hijo de la pareja protagónica) quien directamente parece salir a desgano en esta cinta. Bochornosa la actuación de este crío.
Liam Neeson? Sólo un cameo, no se hagan ilusiones.

Es una cinta que poco a poco va acelerando su ritmo narrativo hasta llegar a ser una película de acción más del montón, de esas que se consumen y se las olvidan rápidamente por no tener grandes elaboraciones ni situaciones destacadas en el argumento presentado.


Lo que está bien:
Que entretiene, siempre y cuando la tomemos como una cinta de acción exagerada.
Russell Crowe, quien da un marco de solidez y convicción muy saludable al filme.
El ágil montaje y dirección del filme, lo cual hace que no nos aburramos a pesar de que la película tiene un metraje bastante extenso.

Lo que está mal:
Que resultan bastante inverosímiles los comportamientos del personaje principal (el del profesor que se obsesiona con sacar a su esposa de la cárcel). Ello le hace perder credibilidad al filme, y hace que lo consideremos un pasatiempo liviano y no un drama intenso y sentido sobre la desintegración familiar.
Falla a nivel dramático, nunca logra la historia tocarnos la sensibilidad.
También es fallida la forma en que intervienen en la trama los personajes de los detectives, siempre atrás de los hechos y nunca anticipándose a nada. Es verdaderamente un desastre los trabajos de inteligencia en la investigación del crimen, muy secundaria y descuidada esa subtrama.
Que de tan exagerada que resulta esta cinta nunca llega a promover algún análisis reflexivo y crítico sobre los fallos de la justicia.
https://www.youtube.com/watch?v=lti0vfCPZns
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mi calle

1960 España Director: Edgar Neville. Guión: Edgar Neville. Fotografía: Jose Aguayo. Productora: Chamartín. Género: Drama. Música: Manuel Parada. Reparto: Tota alba, rafael alonso, angel alvarez, mariano azaña, rafael bardem, susana campos, lina canalejas, antonio casal, ana maria custodio, julia delgado, angel del pozo, maria del puy, agustín gonzalez, maría isbert, adolfo marsillach, nati mistral, conchita montes, gracia morales, pedro porcel.
Sinopsis: Retrato costumbrista del Madrid de comienzos del siglo XX, centrado en una de sus calles, en la que viven y conviven varias familias de variada posición económica y social. Fue la última película del director Edgar Neville.


Bonito y humano retrato de la sociedad española de principios del siglo XX y de su evolución hasta los años cincuenta.
La película narra con cariño y ternura esa vida tan entrañable de los barrios españoles y sus gentes aunque de Madrid se trate pues ciertamente la Madrid de 1906 era muy diferente de la que conocemos ahora, era una Madrid puramente española.
Mi calle utiliza la vida de un barrio como ejemplo de esa vida diaria de los españoles, desde la gran ciudad pasando por las ciudades provinciales hasta los pequeños pueblos y aldeas, Mi calle es un sincero retrato de sus gentes y sus vidas.

Mi calle retrata a esas personas que se dan en cada calle, barrio o ciudad, desde el marqués y rico del barrio hasta los niños vagabundos, desde la cotilla hasta la guapa del barrio, un retrato muy acertado de la vida de esos barrios.
Mi calle muestra los pros y los contras de esas gentes, ese anonimato imposible hasta esa olvidada humanidad de sus gentes, esa humanidad que ya se ha perdido, esas gente de barrio que eran todos una gran familia.
La película retrata a esas gentes con simpleza y grandeza, con amor y rencor para poder mostrar esa vida ya pasada.

La película muestra la evolución de estas gentes en un contexto histórico que tanto cambiará a las siguientes generaciones, una república, monarquía y dictadura y con ello la evolución en la moda, el transporte y el pensar de la gente, mostrando desde la tradición más cerrada unida a la superstición hasta la mujer emancipada y liberal y mostrando a su vez como la evolución hace perder a veces las buenas tradiciones como es esa humanidad sincera de la gente del barrio.
Mezclada con el género documental, Mi calle muestra escenas de la historia de España, desde el atentado al rey hasta la liberación de Madrid siendo un reflejo de la vida en el barrio pues esto se hará notar en sus gentes y en su mentalidad.
Para los medios cinematográficos de la España de esos años, Mi calle muestra el lado más sincero del cine español y sus buenas intenciones, con pocos medios un gran cine, un cine eterno que refleja la mentalidad de una época ya pasada.
Película entrañable de ver pues muestra las tradiciones de una Madrid casi olvidada, con sus ropas, sus cantos y sus gentes tan chulas, una Madrid ya pasada e irrecuperable…
https://www.youtube.com/watch?v=OoJ6caMf-p8
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laberintos de pasiones

España 1984 92 minutos. drama. Director: Pedro Almodovar. Guión: Pedro Almodóvar, Terry Lennox (Historia: Pedro Almodóvar). música: Bernardo Bonezzi, Fabio McNamara. productora: Alphaville S.A.Reparto: cecilia roth, imanol arias, helga liné, marta fernandez muro, angel alcazar, antonio banderas, fabio mcnamara, agustin almovodar, santiago auserón, fernando vivanco, ofelia angelica, concha gregori, cristina sánchez pascual, luis ciges, eva siga, pedro almodóvar.
Sinopsis: La segunda película de Pedro Almodóvar es un contínuo despropósito de escenas sin sentido e imágenes que en su momento fueron provocativas y que ahora dan un poco de vergüenza ajena. Cierto es que analizándola desde el contexto en el que fue realizada (Una Democracia casi virgen, una sociedad que empezaba a saborear la libertad) si se puede considerar rompedora pero, viéndola con perspectiva, nos encontramos ante una película bastante vergonzosa.


Para empezar, el argumento más rebuscado que el de una Telenovela, con Príncipes Árabes, Emperatrices, Ninfómanas, Homosexuales que luego se dan cuenta de que no lo son tanto, Terroristas, Grupos de música "Pseudo-Punk" y relaciones incestuosas. Un contínuo ir y venir de personajes que acaban causando desconcierto en el espectador, pues terminas por no saber quien es quien y qué están pintando ahí. Además, hay algunas subtramas (Como la protagonizada por Luis Ciges) que no aportan nada a la ya de por sí dispersa historia y que solo hacen que alargar la agonía hasta el final.


En segundo término, las interpretaciones merecen ser estudiadas en las escuelas de Arte Dramático como referente de "Aquello que nunca debes hacer en escena". Actores totalmente sobreactuados, Cecilia Roth que, si bien sale guapísima, su actuación está desenfrenada, hablando con un tonillo que debería ser ilegal. Imanol Arias está todo el rato fuera de su personaje, se dedica, simplemente, a recitar líneas de texto, y la química con Roth es totalmente inexistente, al igual que la que posee con Antonio Banderas, uno que, más que sobreactuar, infraactúa como "humano-sabueso". Helga Liné, por lo menos, no llega a desentonar y su papel como ex-emperatriz le viene bastante bien debido a su porte y belleza. Y bueno, qué decir de los secundarios, de los amiguísimos de Pedro, que están todos para ponerlos en fila e ir dándoles collejas hasta que te explote la mano.


Me ha sorprendido mucho ver que se califica a ésta película como "Surrealista". Que yo sepa, meter escenas e historias que retrasan la narración de una película y no aportan nada no es surrealismo, es que necesitabas llenar el tiempo con algo y metiste lo primero que se te ocurrió. Surrealismo es lo que hacía Buñuel, no esta avergonzante estafa.
https://www.youtube.com/watch?v=rTQ60KqJoAI
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la conspiración del silencio

2014 Alemania 122 minutos. Drama. Director: Giullo Ricarielli. Guión: Elisabeth Bartel, Giulio Ricciarelli. música: Sebastián Pille. fotografia: Roman Asin. Productora: Beta Film. Reparto:alexander fehling, andre szymanski, friederike betch, johannes krish, hansi jochmann, johann von buelow, robert hunger buehler, lukas miko, gert voss.
Sinopsis: Un joven y ambicioso fiscal descubre cómo importantes instituciones alemanas y algunos miembros del gobierno están involucrados en una conspiración cuyo fin es encubrir los crímenes de los nazis durante la Segunda Guerra Mundial


 A veces se nos olvida que las cosas no han sido siempre como las conocemos hoy. Que ha habido gustos, conveniencias, concesiones, limitaciones o miedos que han condicionado el decurso de los acontecimientos y han marcado el cómo vemos, asimilamos, recordamos y recontamos el pasado. Ahora nos parece un tópico, un lugar común o incluso un terreno demasiado trillado y fatigoso el de la persecución, acoso, internamiento y masacre de los judíos durante la II Guerra Mundial por el maniaco delirante de Adolf Hitler, que creía que el culmen de todos los males, el origen de toda las desgracias, el catalizador de todos los infortunios radicaba en lo que él veía como ‘pueblo judío’ y que acabó convirtiendo en el ‘problema judío’.


Pero la memoria es lo más endeble, manipulable y antojadizo que hay, siempre sujeta a modas, a utilidad política o social o a simple vagancia edulcorada. Se tardó muchos años en comprender, asimilar y asumir lo que significó el aciago holocausto judío, tanto por la población mundial como por el propio pueblo alemán, que tan concienzuda como sañudamente había colaborado (o al menos no había impedido) que sus semejantes fueran asesinados por el simple hecho de anularles como seres humanos, por centrarse sólo en una particularidad genealógica (entre tantas posible) para negarles primero su nacionalidad, luego su dignidad y su patrimonio, hasta acabar con sus vidas. Lo fatal es que costó mucho que los alemanes asumieran su responsabilidad en semejante atrocidad, en semejante despropósito (los austriacos aún no han realizado un acto de contrición semejante). Y por ello hace mucho bien que nos recuerden que la memoria hay que labrarla y forjarla, aún a riesgo de convertirse en un mero tópico devaluado.

Vaya por delante el loable intento de esta película de mostrar (ahora que se cumple el 75 aniversario de Auschwitz) el tenaz y titánico esfuerzo que supuso que Alemania misma abriera aquellas heridas cerradas en falso para permitir que cicatrizaran de forma sana, provechosa y fructífera. Sólo desde la conciencia de que la inhumanidad no hay forma de justificarla ni excusarla, se consigue avanzar y permite responsabilizarse del pasado, labrar un presente digno que nos permita ganar un futuro saludable.


La pena es que esta película sea demasiado simple, demasiado plana, llena de buenos propósitos pero escasos logros. Se deja ver con indulgencia y entretiene, pero se queda muy corta y casi trivializa lo que fue una de las grandes vergüenzas del siglo XX. Bienvenida sea, pero supone casi una oportunidad perdida.
https://www.youtube.com/watch?v=I4sYpRbeTAM
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taps, más allá del honor

1981 Usa 126 minutos. Director: Harold Becker. Guión: Darryl Ponicsan, Robert Mark Kamen, James Lineberger (Novela: Devery Freeman) música: Maurice Jarre. fotografía: Owen Roizman.  productora: 20 th fox. Reparto: Georges Scott, timonthy hutton, sean penn, ronny cox, tom cruise, brendan ward, evan handler, john narvin, billy van zandt, giancarlo esposito, donald kimmel, tim wahrer, wayne tippit.
Sinopsis: Un cadete (Timothy Hutton) incita a sus compañeros a la rebelión con el fin de impedir que las autoridades conviertan la Academia donde estudian en un complejo de apartamentos. Su padre adoptivo, que es también el Comandante de la Academia (George C. Scott), apoya su lucha. Pero cuando un accidente inesperado provoca el cierre de la Academia, la disciplina militar se desbarata, con inesperadas consecuencias

 Un comandante de cadetes (Timothy Hutton) lidera a sus compañeros (Sean Penn, Tom Cruise), de estudios militares en una sublevación armada con la intención de impedir que las autoridades conviertan su academia en un complejo de apartamentos. Este impactante drama pondrá en duda el código de valores de esta sociedad actual y nos hará pensar a todos.

A pesar de los 27 años que tiene, es una película que nunca olvidaras, por el mensaje que comunica y el debut de sus jóvenes actores. La historia es magistralmente llevada y lo más importante, es el rescate de valores que puede ejercer un buen ejemplo (en el caso del rector del colegio) sobre los demás (todo lo que sus alumnos aprendieron de él).


Las actuaciones de todo el elenco son magistrales. Sean Penn (19 años) y Tom Cruise (21 años) debutaron en esta misma película, aunque Tom Cruise tuvo una breve actuación en “Endless Love” (esta paso sin pena, ni gloria), fue realmente”Taps” quien lo dio a conocer.

Cuando Timothy Hutton (21 años) filmo”Taps” ya se había ganado el Oscar y el “Golden Globe” como mejor actor de reparto en “Ordinary People” (1980).

La película tuvo un presupuesto $14 millones y genero por venta de taquillas la cantidad de $35, 856,053 millones, además recibió una nominación al “Golden Globes, USA” por mejor actor de drama: Timothy Hutton.


Timothy Hutton, es un actor estadounidense, en 1979 su carrera artística despegó gracias a la llamada de Robert Redford que lo contrató para la película “Ordinary People” (1980).

En el 1981 la Asociación de Críticos Cinematográficos de Los Ángeles lo reconoció como el mejor actor de reparto del año. Poco después Timothy Hutton se alzó con el Oscar al mejor actor de reparto así como el Globo de Oro al mejor actor revelación y al mejor actor revelación. Se convirtió así en el actor más joven en ganar un Oscar.

Ese mismo año protagonizó “Taps”, donde George C. Scott y Sean Penn lo secundaron. La asociación de críticos extranjeros de Hollywood lo recompensó con otra nominación a los Globos de Oro.

Tras una serie de películas poco recordadas, entre ellas “Turk 182!” (1985), por los siguientes cinco años espació sus intervenciones. En 1990 volvió con el filme, “Q & A” (1990). Cinco años después Timothy Hutton aceptó un papel de reparto en “French Kiss” (1995). A este título se le sumó “Beautiful Girls” (1996), su mayor éxito comercial.
https://www.youtube.com/watch?v=Ob2DIURBXts
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guerreras verdes

España 1976 Drama. 110 minutos. director: Ramón Torrado. Guión: Rafael J. Salvia, Bartolomé Torralba Pelaéz música: Fermin Gurbindo. fotografía: Juan Delpí. productora: Arturo González Producciones Cinematográficas. Reparto: sancho gracia, carmen sevilla, cristino almodovar, angel alvarez, rafaela aparicio, simón cabido, roberto camardiel, florinda chico, ricardo espinosa, manuel gil, agustín gonzález, rafáel hernández, luis induni, francisco marsó, daniel martin, francisco nieto, miguel pedregosa, antonio rebollo, lorenzo robledo.
Sinopsis: Dolores, una rica hacendada de la serranía cordobesa, está enamorada de un Sargento de la Guardia Civil. Aprovechando su ausencia, el administrador del cortijo y el hijo del alcalde se dedican a falsificar billetes al tiempo que mantienen encerrada en el sótano a la hermana gemela de Dolores.

 Ramón Torrado nunca llegó a hacer películas notables porque solía conformarse con una serie de asuntos fílmicos de fácil resolución estética pero tiene algunas películas que a nivel técnico están resueltas con una cierta habilidad. Para dirigir actores no era sin embargo tan eficaz pero concretamente en "Guerreras verdes" logró dirigir con acierto al equipo de intérpretes del que disponia que es algo que no había logrado en su anterior película "Los caballeros del botón de ancla" en la que la torpeza en la dirección de actores generó escenas ridículas.

 En "Guerreras verdes" los intérpretes están bien controlados y no renuncian a ser fieles a sus respectivas personalidades de siempre por el hecho de estar dirigidos con pulso firme esta vez. La obra representa una muestra auténtica de cine popular muy pegado a sus raíces y muestra una estética netamente española que le da un sabor peculiar pero al no tener muchos más valores que la interpretación y la ambientación no llega a unas cotas de interés demasiado altas. Aunque no alcanza un nivel artístico especial puede decirse que es una de las películas que mejor le salieron a Torrado. Sancho Gracia, Carmen Sevilla, Roberto Camardiel, Daniel Martín, Manuel Gil, Rafaela Aparicio, Simón Cabido y una Florinda Chico con la voz inexplicablemente doblada forman un elenco interesante alrededor del cual hay más intérpretes que también están correctos. Obra válida con un resultado aceptable.
 https://www.youtube.com/watch?v=gn6o8z5_cGg
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con el viento solano

1965 España 92 minutos. director: Mario Camus. Guión: Mario Camus (Novela: Ignacio Aldecoa) Música: Antonio Pérez Olea. fotografia: Juan Julio Baena. productora: Pro Artis Ibérica. Género: drama. Reparto:antonio gades, maria josé alfonso, vicente escudero, imperio argentina, maría luísa ponte, erasmo pascual, antonio ferrandis, josé manuel martín, josé caride, luís marín, josé seguera.
Sinopsis: La vida de Sebastián, un gitano de veintiocho años, cambia radicalmente cuando mata a un hombre. A partir de ese momento, debe huir, conocer el infierno de la soledad y el rechazo de los suyos.


 A Antonio Gades no lo llamó el señor por los caminos de la interpretación. Lo suyo era el baile. No obstante, saltando de Rovira Veleta a Mario Camus, de éste a Carlos Saura......pues ha llegado a interpretar hasta tres películas nominadas al Oscar a la mejor película extranjera. No es cierto que su militancia comunista le haya ayudado en ésto de los óscares, no.

En esta película intepreta a un gitano de armas tomar. Un gitano que se emborracha, y que tiene una pistola, y además la usa......pues ya sabemos por donde andará la cosa.

Buena realización de Mario Camus, con los primeros planos imprescindibles y el ritmo adecuado a lo que se quiere contar. Al final es una película resultona. Antonio Gades no baila nada más que lo imprescindible. No hay mensajes, y se agradece.


Lo más interesante, a mi parecer, es que nos enseña como eran los pequeños pueblos españoles en los años 60, Montearagón, Cogolludo....ese paisaje castellano puro y duro......las fiestas de esas localidades, las ferias de ganado, la manera de beber de la gente.....Si se ve esta película como un documental de la vida en aquellos años nos gustará más.
https://www.youtube.com/watch?v=IHyKwVFrULQ
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Elisa, vida mía

1977 España 117 minutos. Director: Carlos Suara. Guión: Carlos Saura. fotografia: Teo Escamilla. música: Erik Satie, J.P. Rameau, G. Mainiero. productora: Elías Querejeta PC. Reparto. geraldine chaplin, fernando rey, isabel mestres, norman briski, joaquín hinojosa, ana torrent.
Sinopsis: A punto de separarse de su marido, Elisa visita a su padre para celebrar el cumpleaños de éste, al que no ha visto desde hace veinte años, ya que abandonó el hogar cuando ella era aún una niña. Él vive retirado en el campo, dedicado a escribir sus memorias. Elisa, que no quiere volver a su casa, decide quedarse una temporada. Es entonces cuando la relación entre padre e hija empieza a hacerse


 Elisa, vida mía de Carlos Saura, es un drama basado en una mujer que visita junto con su hermana y el marido de esta a su padre después de 20 años, una vez allí decide quedarse durante una temporada para conocerse mejor a sí misma y también a su casi desconocido padre. Dirigida con un ritmo mayestático y con un estilo intimista y personal que gusta ver, es una obra particular en su modo de presentar a sus personajes y unirlos poco a poco a través de conversaciones pendientes después de tantos años por una separación por parte del padre, logrando cautivar a los amantes de los buenos y personales dramas que calan con mucha naturalidad hasta en el espectador exigente para dejar una estela de un film a tener en cuenta dentro de las mejores películas del director.

La fotografía es lumínica y naturista en su presentación del medio, presentando también a la familia mediante fotografías reales como ya realizó el director en otros de sus films, haciendo gran uso de los claroscuros y de los exteriores para transportar al espectador. La música es clásica y melódica con el uso del piano y melancólicos sonidos llenos de tristeza que son usados en escasas escenas, logrando un bello y tranquilizador acompañamiento musical que agrada escuchar. Los planos y movimientos de cámara consuman una labor técnica particular y característica del director mediante el uso de los subjetivos, avanti, retroceso, seguimiento, reconocimiento, cámara en mano, plano-contraplanos, generales, detalles y panorámicos que sacan lo mejor de las interpretaciones y su entorno.
Las actuaciones son magníficas y muy creíbles. Como protagonistas Fernando Rey está soberbio en un gran papel como es habitual en él y Geraldine Chaplin está intachable y convincente, cumpliendo ambos notablemente con su labor de padre e hija, siendo acertados también los acompañamientos de Isabel Mestres, Norman Briski, Joaquin Hinojosa y Ana Torrent. Emplea para estos la dirección artística unos vestuarios y caracterizaciones variados según el momento, pasando de humildes e informales por un lado a más elegantes por otro dentro de la imaginación de la hija en un correcto trabajo que junto con los exteriores te transportan in situ.

El guion, escrito por el director, muestra una historia sencilla que se basa en las confidencias personales de un hombre y su hija que recuerdan los 20 años de separación que tuvieron a través de vivencias pasadas por ambos, surgiendo una amistad profunda y sincera entre ellos que es confortante y atractiva de descubrir por el público, finalizando uno de los mejores films del director. Esto se lleva a cabo con una narrativa con voz en off afable y explicativa que muestra con tono impoluto el pesimismo de la protagonista, siendo el resto natural y nostálgico para acompañar el film con profundidad y acierto. Cabe destacar también, el montaje lineal y seguido que se toma su tiempo para exponer a sus personajes e historia y con algunos flash-back recordatorios o imaginativos para transportar al espectador a la mente de la protagonista.
Para finalizar, la considero una obra esencial e inolvidable del género y del director que mantiene con mucho estilo al espectador pegado al asiento aun siendo una trama sencilla, ya que es muy personal para calar hasta en los cinéfilos más exigentes. Recomendable por su dirección, guion, actuaciones, fotografía, música, montaje, planos, movimientos de cámara y narrativa que hacen de Elisa, vida mía, un film intimista y bien construido para satisfacer a los buscadores de dramas personales y con sello propio del director.
https://www.youtube.com/watch?v=ak9EsKYBfls
trailer

el niño de la luna

2010 89 minutos. intriga. alemania. director: throsten nater. guión: Thorsten Näter (Idea: Johannes W. Betz, Martin Pristl). música: axe doner. fotografia: Joachim Hasse. productora: Studio Hamburg Filmproduktion / Zweites Deutsches Fernsehen (ZDF). Reparto: Heino Ferch, Nadja uhl, anna schudt, joachim bissmeier, michael lott, dirk borchardt, markus tomczyck, chritopp ortman, katrin pollit.


sinopsis: Una mujer desaparece misteriosamente en medio de un bosque. La policía emprende su búsqueda, a la que se suma su ex marido, un experto forense. Cuando los agentes le piden que les proporcione una fotografía de la desaparecida, descubre que alguien ha entrado en su casa y le ha robado todas las imágenes de la mujer.


 Esperaba algo más. Película de sobremesa bastante previsible. Ideal para verla con pipas, pistachos, palomitas o incluso con la abuela y los niños pasando por delante e interrumpiendo... ya que puedes perderte perfectamente 10 minutos sin darle al pause sin que influya en la pérdida de un detalle importante. Típica película de sobremesa, la idea es buena pero el desarrollo es lento, la marca siempre es blanca sin mojarse en ningún aspecto, la clásica película para verla con la modorra después de comer.
https://www.youtube.com/watch?v=DrsG_NJKOs8
película completa

el secreto de la selva negra

2010 89 minutos. intriga. alemania. director: throsten nater. guión: Thorsten Näter (Idea: Johannes W. Betz, Martin Pristl). música: axe doner. fotografia: Joachim Hasse. productora: Studio Hamburg Filmproduktion / Zweites Deutsches Fernsehen (ZDF). Reparto: Heino Ferch, Nadja uhl, anna schudt, joachim bissmeier, michael lott, dirk borchardt, markus tomczyck, chritopp ortman, katrin pollit.


sinopsis: Una mujer desaparece misteriosamente en medio de un bosque. La policía emprende su búsqueda, a la que se suma su ex marido, un experto forense. Cuando los agentes le piden que les proporcione una fotografía de la desaparecida, descubre que alguien ha entrado en su casa y le ha robado todas las imágenes de la mujer.


 Esperaba algo más. Película de sobremesa bastante previsible. Ideal para verla con pipas, pistachos, palomitas o incluso con la abuela y los niños pasando por delante e interrumpiendo... ya que puedes perderte perfectamente 10 minutos sin darle al pause sin que influya en la pérdida de un detalle importante. Típica película de sobremesa, la idea es buena pero el desarrollo es lento, la marca siempre es blanca sin mojarse en ningún aspecto, la clásica película para verla con la modorra después de comer.
https://www.youtube.com/watch?v=DrsG_NJKOs8
película completa

domingo, 15 de mayo de 2016


Carlos Chavarría

Carlos Chavarría se formó como fotógrafo cursando el módulo de Grado Superior de Imagen, además del Master PHotoEspaña, Teorías y Proyectos artísticos en la Universidad Europea de Madrid.
Ha publicado en TIME Magazine, Bloomberg Businessweek, WSJ Magazine, San Francisco Magazine, Smith Journa,. Financial Times Magazine, Wallpaper, Guardian Weekend Magazine, Telegraph Magazine, El País Semanal, Le Monde,
Además de sus trabajos profesionales y encargos para Amica, Atlas Quarterly, Openhouse, Varon Magazine, Heineken, Fruitvale Station, Google, AirBnB, Timbuk2, Revolver San Francisco y otros, realiza proyectos personales como:
  • Halfway es una exploración del concepto de lugar intermedio, áreas que se encuentran a la orilla de la carretera entre núcleos urbanos y que fue realizado recorriendo multitud de carreteras principales y secundarias de la red española durante el año 2010.
  • Dreamtown trata de mostrar el mundo aislado y duro de las personas que conviven en los núcleos centrales de las grandes ciudades americanas, realizado entre los años 2007 y 9.
  • In Transit está basado en la experiencia personal de su traslado a San Francisco en 2011 y sus cambios culturales y como persona, su adaptación y cambio, 
     
que han sido expuestos en exposiciones colectivas o en solitario, desde Liberté, Egalité, Fraternité en la Alliance Française de Madrid en 2010, a OPEN en The Center for Fine Art Photography en Fort Collins, Colorado, en 2014. 

domingo, 8 de mayo de 2016

Zorki

La Zorki, especificamente el modelo 4K es mi modelo favorito de cámara Rusa. Su diseño clásico y aparentemente gran fiabilidad la hace una ganadora para mí. Las cámaras Zorki fueron también producidas por KMZ y fueron inicialmente copias directas de la Leica II, debido a las situaciones de la Segunda Guerra Mundial que comentara antes. Pero Zorki siguió desarrollando sus propias variaciones únicas.
Como las Leica, son cámaras de telémetro. Las SLR Zenit originales eran solo cámaras Zorki modificadas. Las Zorki ya no se producen, pero se pueden comprar algunos modelos en línea por tan poco como U$S30. Hacen un sonido muy único cuando las disparas por el obturador de goma, la mayoría de las cámaras de esa época tenían obturadores de tela.

domingo, 1 de mayo de 2016


Santa Mariña de Augas Santas

O entorno da igrexa de Santa Mariña de Augas Santas e a entrada a localidade acolle dende o domingo, día 22 de febreiro, unha escolma fotográfica sobre o patrimonio etnográfico e cultural da localidade.

As imaxes, de 1920 a 1950, extraen o espírito vital de Santa Mariña de Augas Santas. A procesión dos pendóns, a igrexa, a basílica da Ascensión, Armea, a fonte da santa... Ossímbolos da parroquia invaden as fotografías e convértenas nun documento de continuidade, unha garantía para a historia, nun certificado de vida. Aí, están, onte coma hoxe, os traxes de domingo, as festas e o esplendor da relixiosidade, os homes, as mulleres e os nenos. As fotografías tamén trasmiter o valor do traballo compartido, na matanza ou a seitura.


A memoria fala dunha Santa Mariña que permanece, coas súas esencias, o seu misterio e beleza, nesta vila que constuída, hoxe, coa cultura herdada, patrimonio, natureza e tamén nos seres huanos que escriben, hora a hora, a súas historia.

concurso a la manera de saul leiter

1. Términos y condiciones
Las presentes bases del concurso amplían los términos y condiciones de uso del servicio Fomunity. En caso de entrar en contradicción prevalecerán las condiciones establecidas en las presentes bases. La participación en este concurso implica la aceptación de los términos y condiciones de uso de Fomunity, de todas sus bases y normativa del concurso, así como los cambios que Fomunity pueda llevar a cabo por causas justificadas.
2. Participantes
Podrán participar todos los fotógrafos profesionales o aficionados que estén interesados.
3. Tema
Saul Leiter fue un fotógrafo que nació en Estados Unidos y desarrolló la mayor parte de su trabajo en la ciudad de Nueva York. Fallecido en el año 2013, su obra constituye un legado inmenso todavía por descubrir para muchos. Sus extraordinarias fotografías en las que combina reflejos, desenfoque, luces difusas, gotas de lluvia sobre cristales y un excepcional uso del color, contienen encuadres y composiciones muy características que imprimieron un sello propio a su trabajo.
Construir imágenes a la manera de Saul Leiter es una propuesta con la que se pretenden conseguir dos objetivos fundamentalmente: por un lado permitir a los autores conocer el trabajo de este fotógrafo desconocido para una inmensa mayoría; finalmente y no por ello menos importante, animar a explorar vías arriesgadas, trazar composiciones sugerentes, beneficiarse del uso desbordante del color y su eficaz combinación. En denifitiva huir de la zona de confort y penetrar en la transformación de la realidad, la búsqueda de la abstracción y la originalidad.
4. Obras
Cada participante podrá presentar un máximo de 3 fotografías, siendo cada una de ellas no premiada en ningún otro certamen (dentro de Fomunity o no) y propiedad del autor. Las fotografías deben contar con unas medidas mínimas de 1.000 píxeles en su lado más corto y máximas de 10.000 píxeles en su lado más largo, con un tamaño máximo de 10 MB, en formato JPG (JPEG).
Se admitirán los ajustes propios del revelado digital (balance de blancos, exposición, niveles, contraste, saturación, enfoque, eliminación del viñeteado…), así como la limpieza de partículas, y recortes moderados. No se admitirán alteraciones de la imagen, o de parte/s de ella, que impliquen que la fotografía pase a reflejar una realidad distinta a la fotografiada. A los autores de las fotografías que alcancen la fase final de las deliberaciones se les podrán solicitar, si fuese necesario, por cualquier medio, las aclaraciones sobre la imagen que el jurado considere pertinentes, incluidos los archivos RAW.
Solamente se aceptarán las fotografías presentadas a través de la página del concurso: https://fomunity.com/concurso/39
Para fomentar la originalidad de las obras, no se publicarán las fotografías presentadas hasta la finalización del período de presentación. Para ayudar en la imparcialidad del jurado en la selección de las obras, no se mostrarán los autores de cada una de las fotografías hasta la publicación del fallo del jurado.
5. Fechas
El período de presentación de las fotografías se inicia el día 28 de Marzo de 2016 a las 00:00 horas y finaliza el día 9 de Mayo de 2016 a las 23:59 horas. El fallo del jurado se emitirá el día 16 de Mayo de 2016 y será visible en la página del concurso. La hora oficial de Fomunity será CET, teniendo en cuenta el horario de verano CEST.

6. Jurado
El jurado del concurso serà el fotógrafo José Carlos M. Robles (http://www.josecarlosrobles.com/), y su fallo será inapelable.
7. Premios
Se concederán 3 premios, consistentes en libros de Saul Leiter, gracias a Steidl:
Primer premio: Early Black and White + Early Color
Segundo premio: Early Black and White
Tercer premio: Early Color
Un concursante podrá acceder a un único premio, independientemente del número de fotografías que haya presentado en este concurso.
8. Observaciones
No se admitirán obras que atenten contra la dignidad de las personas y/o contra los derechos humanos. No optarán a premio fotografías en las que figure cualquier texto sobreimpreso o marca de agua, ni las que tengan cualquier tipo de marco o que identifiquen al autor de cualquier manera (en la fotografía, en el título o en el argumento). Cualquier fotografía que no cumpla dichas características será descartada por el jurado.
Los participantes serán responsables de las reclamaciones que se produjeran por derechos de imagen y terceros.
Fomunity se reserva el derecho de eliminar del concurso cualquier fotografía que, a criterio del jurado o del equipo de Fomunity, se considere que, de manera evidente, no se ajusta al tema propuesto.
Cualquier caso imprevisto no contemplado por estas bases será resuelto por el jurado conjuntamente con el equipo de Fomunity.
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