el hombre terminal

1974 Usa 107 minutos thirller futurista. director: mike hodges. guión: Mike Hodges (Novela: Michael Crichton) fotografía: richard Kline. productora: warner bros. Reparto: george segal,  joan haccket, richard dysart, donald mofat, michael gwyne, norman burton, michael hansen, jill clairbourgh, matt clark, james sicking.
Sinopsis: El informático Harry Benson (George Segal) ha sido sometido a una operación de cerebro para poner fin a sus peligrosas convulsiones. Sin embargo, le resulta imposible escapar de su propia mente, el experimento ha fracasado y las convulsiones han vuelto

Harry Benson es un treintañero que sufre de epilepsia psicomotora y psicosis acerca del posible dominio de las máquinas en el mundo. Sus ataques vienen continuados por desmayos, y tras despertarse horas después, no recuerda nada de lo que ha hecho. Durante uno de dichos ataques, ataca a dos personas, a las que produce lesiones graves. Su situación le convierte en un candidato idóneo para una operación sin precedentes consistente en implantar unos electrodos y un miniordenador en su cerebro para controlar los ataques. Dicha operación está a cargo de los  cirujanos Ellis y Morris.

El procedimiento y sus consecuencias son cuestionados por la psiquiatra Janet Ross y por el profesor Manon, argumentado el desorden mental del sujeto y los crímenes cometidos. Aunque Ellis admite que no se trata de una cura, sino de un modo de estimular el cerebro cuando se aproxima un ataque, deciden seguir adelante con la operación, durante la cual se implantan cuarenta electrodos en el cerebro de Benson, controlados por una batería de plutonio en su hombro.

Durante las pruebas posteriores, consistentes en activar los electrodos dentro de su cabeza uno a uno hasta averiguar cuál detendría un posible episodio epiléptico, Ross descubre que Benson está aprendiendo a provocarse ataques de forma involuntaria porque le producen una descarga de placer, lo cual están conduciendo a un incremento de la frecuencia de dichos ataques. Al ir a comprobar el estado de Benson, descubre que este ha desaparecido.
Mientras intenta localizar a Benson, Ross es contactada por la policía, que le informa del asesinato de una mujer que estaba relacionada con Benson. Tras sufrir un enfrentamiento en su casa con el propio Benson, se da cuenta de que la psicosis de Benson respecto al dominio mundial de las máquinas ha aumentado y está dispuesto a atentar contra el hospital debido a que se siente intimidado por los sistemas tecnológicos del mismo, para lo cual se desplazará al mismo con intención de destruir el mainframe

Irregular film basado en una novela del malogrado Michael Crichton, (Jurassic Park, 1990), que como sucede tantas y tantas veces en la historia del celuloide, no consigue llegar a la altura del libro. “El hombre terminal” era la tercera novela del autor, y la segunda llevada al cine después de la magistral “La amenaza de Andrómeda” (Robert Wise, 1971)…en lo que sería el inicio de una carrera imparable en lo que a sus obras adaptadas al cine se refiere, ya que al menos 11 de sus 19 novelas publicadas han sido llevadas a la gran pantalla hasta ahora, aunque con desiguales resultados en su conjunto, ya que salvando la antes mencionada “La amenaza de Andrómeda” , “Parque Jurásico” , (Spielberg, 1993), y si acaso “El guerrero nº13” (John Mctiernan, 1997), basada en su novela “Los devoradores de cadáveres” de 1976, la mayoría son bastante flojas… y para más inri, sobre está ultima, el autor renunciaba de ella porque no era de su gusto… y para mi es de las mejores.

En “El hombre terminal”, el director Mike Hodges, (Asesino implacable, 1971), no consigue captar la tensión de la novela, ni tan siquiera una explicación mejor para la gran pantalla, de los hechos que se relatan en el libro de Crichton, por lo cual el film por momentos se hace lento y aburrido, y la supuesta tensión no aparece por ningún lado.
https://www.youtube.com/watch?v=KelGYgrQZL0
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el desencanto

España 1976 documental, 97 minutos. director: jaime chavarri. guión: jaime chavarri. música: franz schubert. fotografía: teo escamilla. prodcutora: elias querejeta pc. reparto: felicidad blanc, juan luís panero, maría panero, michi panero.
Sinopsis: Leopoldo Panero, poeta, murió en Astorga, donde había nacido, en el año 1962. Catorce años más tarde, las personas que más íntimamente estuvieron ligadas a él, Felicidad Blanc, su viuda, y sus tres hijos, recuerdan aquel caluroso día de agosto. El recuerdo queda sometido a algo más que aquella fecha. Surgen otras vivencias. Y a través de la palabra y del recorrido por habitaciones, objetos, calles y lugares perdidos, se desvela la historia de unos años y de unas personas unidas por vínculos familiares que en ningún momento huyen de la expresión de sus diferencias y de sus identidades.

 Una fotografía familiar que pone de manifiesto: cómo la lucidez suele ser antagónica a la felicidad, cómo las mentes brillantes suelen bordear la locura sino franquearla, cómo el patriarcado casi tiránico en torno a la figura de Leopoldo Panero, condicionó y determinó a unos vástagos engolados, elevados, cultos y en cierto modo, enajenados, descendientes del poeta ajenos a la cordura; de lastimera existencia y admirable verbo.

Un intercambio de reproches, traumas y dardos fraternales, y también hacia una madre de sangre azul, que en su limbo recibe estoica, las andanadas fieras de su hijo Leopoldo. Que como en el mejor de los relatos donde un personaje desprende un magnetismo tan cautivador que hipnotiza y perdura en el imaginario del lector, así ocurre en “El Desencanto”, porque así es Leopoldo Mª Panero. Poeta maldito, obtuso, rebelde, alcoholizado, deslumbrante y decadente. En un principio se mostró reticente a participar en la película, de hecho no aparece hasta ya mediado el metraje.

 Sus hermanos Juan Luis y Michi, también elocuentes y disfrazados con una pose quizá un tanto frívola, algo más postiza que el aura que envuelve a Leopoldo Mª, que rezuma paseos por el infierno terrenal e intelectual en cada una de sus intervenciones, ya había pasado por la cárcel y algún manicomio (psiquiátrico, si lo prefieren).

Los tres tienen por denominador común un verbo ampuloso, con fraseos referenciales en otros idiomas. Y a pesar del ingenio y artificio de los Panero, a cada aparición en escena del hermano del medio, hay una sacudida en la conciencia de los espectadores

En conclusión, una magnífica composición coral para describir la desintegración de un familia modélica del régimen franquista, cuya descendencia tal vez ya no trascienda más allá de las palabras impresas, los poemarios, las entrevistas televisivas o este documento audiovisual (que tuvo su segunda parte… "Después de tantos años", a cargo de Ricardo Franco).

Una demostración de buen hacer por parte de Chávarri en la dirección, Escamilla en la fotografía y Salcedo en el montaje; dejando constancia del desencanto de la lucidez a través de la familia Panero. Una creación que cala hondo, que no deja tibio y que sacude la cotidianeidad de los espectadores desde 1976. Enajenación altiva en poesía cinematográfica.
https://www.youtube.com/watch?v=LZguUqsgbEo
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el puente de espías

2015 135 minutos. drama. Director: Steven Spielberg.  Guión: Matt Charman, Ethan Coen, Joel Coen música: Thomas Newman fotografía: Janusz Kaminski.  productora: DreamWorks SKG / Fox 2000 Picture reparto: tom hanks, amy rian, mark rylance, scott shepperd, sebastian koch, billy magnussen, alan alda, eve hewson, peter mcrobbie, austin stowell, domerick lombardozzi, michael gaston.
Sinopsis: James Donovan (Tom Hanks), un abogado de Brooklyn (Nueva York) se ve inesperadamente involucrado en la Guerra Fría entre su país y la URSS cuando la mismísima CIA le encarga una difícil misión: negociar la liberación de un piloto estadounidense (Austin Stowell) capturado por la Unión Soviética

 La nueva aventura conjunta de Steven Spielberg con Tom Hanks es una película de un impecable acabado y una narración más que fluida, con muy buenas actuaciones y un Tom Hanks al que el espectador desde la butaca le celebra cualquier mueca, en una historia ambientada en la Guerra Fría basada en hechos reales.

Tom Hanks interpreta a James Donovan, un abogado especialista en seguros que debe defender a un presunto espía soviético ante el rechazo generalizado, inclusive de su familia, que teme al escarnio al que serán sometidos por la sociedad. Al mismo tiempo, un piloto es detenido por sobrevolar la Unión Soviética, por lo que la estrategia a usar por Donovan, un tipo correcto, será el intercambiar a los prisioneros.

La operación se verá complicada porque en la Alemania Oriental se ha detenido a un joven estudiante norteamericano acusándolo de espionaje. Donovan viajará a esa parte del mundo donde hará de mediador e intentará rescatar a los dos ciudadanos estadounidenses, ante el acoso de las autoridades de su país que, para no entorpecer la situación ni someterse a cualquier riesgo, le indican que la prioridad es el piloto por sobre el chico estudiante.

Hanks en la piel de Donovan se pondrá en el medio de un conflicto inútil y por sobre todo mantendrá sus principios y actuará en consecuencia, aun por encima de los designios de las dos partes que conforman ambos bloques en que estaba divido el mundo. La complicidad conseguida entre Donovan y Abel, el espía soviético, muestra que en ese mundo polarizado, hay personas cabales que se manejan en base a sus sólidos principios.

Con guión de los hermanos Coen y Matt Charman, al nuevo opus de Spielberg escapa un discurso patriótico, donde se subraya el trato humanitario que reciben los reos, aun siendo espías del bloque rival a los que nunca se tortura ni se maltrata, caso contrario del prisionero yanqui en las lejanas tierras soviéticas, que sobrevive en una ínfima prisión (con un gran charco de agua) y que es sometido a una terrible tortura para sacarle información.

El retrato diferenciado se traslada después a la Alemania del Este, donde el muro en construcción es ahora el objeto de metáforas, además del trazado grueso de algunos personajes, los unos felices y bondadosos mientras los otros adustos.

Pero cierto discurso no termina por matar las innegables habilidades narrativas de uno de los directores más exitosos y apreciados de los últimos años, que gracias al gran trabajo de Hanks y sobre todo de Mark Rylance, consigue un film por demás convincente.

La película de Spielberg respira clasicismo puro, la puesta en escena de ‘Puente de espías’ es impecable y poderosa, el gran trabajo en la ambientación de la época y de fotografía adornan un relato con brío y que pone a Spielberg listo de frente a la inminente temporada de premios, de la cual seguro se llevará no pocos de ellos.

https://www.youtube.com/watch?v=V14a8lqrtJI
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todo sobre mi madre

1999 drama. director: pedro almodovar. guión: pedro almodovar. música: alberto iglesias. fotografía: affonso beato. productora: Coproducción España-Francia; El Deseo S.A. / Renn Productions / France 2 Cinema. reparto: cecilia roth, marisa paredes, penélope cruz, candela peña, antonia san juan, rosa maría sardá, fernando fernán gómez, fernando guillen, toni canto, eloy azorín, carlos lozano, cayetana guillen cuervo
sinopsis: Madrid. Manuela, una madre soltera, ve morir a su hijo el día en que cumple 17 años, por echarse a correr para conseguir el autógrafo de Huma Rojo, su actriz favorita. Destrozada, Manuela viaja entonces a Barcelona en busca del padre del chico.

Largometraje nº 13 del realizador Pedro Almodóvar (Calzada de Calatrava, Ciudad Real, 1949), escrito y dirigido por él. Se rueda en escenarios naturales de las ciudades de Barcelona, Madrid, A Coruña y El Ferrol y en estudio. Gana un Oscar (película de habla no inglesa), un premio de Cannes (mejor director) y 7 Goya (película, director, actriz...). Producido por Agustín Almodóvar y Michel Ruben para El Deseo, Renn Productions y France 2, se proyecta por primera vez en público el 8-IV-1999 (España, preestreno).

La acción dramática principal tiene lugar en Barcelona en 1998, a lo largo de unos 7 meses, con un epílogo situado 2 años más adelante. Manuela Goifman Echevarría (Roth), de 38 años, madre soltera de Esteban (Azorín), de 17 años, pierde al hijo en un accidente de tráfico. En busca de consuelo y de su antigua pareja, viaja a Barcelona, donde reencuentra a un antiguo amigo convertido en mujer, La Agrado (San Juan), que le presenta a Rosa Sans (Cruz). Poco después conoce personalmente a la actriz Huma Rojo (Paredes) y a su amante Nina (Peña). Más adelante se reencuentra con su antiguo compañero de pareja, convertido en el travestí Lola (Cantó), enfermo terminal. Manuela, enfermera titulada, aficionada al teatro, es una mujer fuerte, con deseos de superación e imbatible por los embates de la vida. Rosa es una monja bondadosa y generosa, que vive dedicada al cuidado de enfermos, toxicómanos y excluidos. Huma aparenta fortaleza, pero es frágil, y arrastra un espíritu triste. Nina lleva una vida sin rumbo y busca refugio en la heroína. La Agrado es sencilla, servicial y de pocas luces. Le gusta hacer agradable la vida de los demás.

El film suma drama y comedia. Desarrolla una historia desgarrada, exagerada y melodramática, que reúne a una galería de mujeres luchadoras, liberadas de viejos prejuicios, comprometidas con la vida, que se relacionan, hablan, luchan, no se rinden, dicen tacos, sobrellevan historias personales dolorosas y se apoyan mutuamente. La vida de las protagonistas está llena de emociones y sentimientos, cuya distribución cubre todo el arco de la sensibilidad humana: alegrías, disgustos, tristeza, melancolía, decepciones, desgarros, dichas, desdichas, afectos, desencuentros, etc., que se combinan con un festivo punteado de humor a cargo, sobre todo, de La Agrado.

El relato se apoya en el sentido trágico de la vida que caracteriza a los trabajos de Almodóvar. En este marco, la vida de las protagonistas palpita, avanza, se renueva, cambia y se afirma a diario con viejas y nuevas razones. El escenario en el que se mueven está comprometido con la realidad. En él conviven drogadicciones, prostitución, sida, transexualismo, amores y celos. La consistencia del relato se basa en las excelentes interpretaciones del elenco de actrices, con actuaciones tan destacadas como las de Cecilia Roth y Marisa Paredes. La obra constituye un hermoso retrato del mundo femenino.
https://www.youtube.com/watch?v=aO0lK0eoRAo
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caminando entre las tumbas

2014 usa thriller 114 minutos. director: scott frank. guión: Scott Frank (Novela: Lawrence Block) música: carlos rafael rivera. fotografia: mihai malamaire. productora: 1984 Private Defense Contractors / Cross Creek Pictures / Da Vinci Media Ventures reparto: liam neeson, dan stevens, marina squerciaty, sebastian roché, boyd hoodbrok, stephanie andujar, david harbour, briana marin, onizawa, purva vedi, maurice compte, patrick mckade, luciano acuna, hans marrero
Sinopsis: Matt Scudder, un expolicía de Nueva York, trabaja como detective privado a pesar de que no tiene licencia. Cuando accede a regañadientes a ayudar a un traficante de heroína a cazar a los hombres que secuestraron y asesinaron brutalmente a su esposa, descubre que no es la primera vez que esos hombres han cometido este tipo de crímenes. Entonces decide recorrer las calles de Nueva York para detener a los asesinos antes de que vuelvan a matar. (

 Oscura, un poco más lenta de lo esperado, y de ritmo irregular "Caminando entre tumbas" (2014) marca el regreso de Liam Neeson a las carteleras pero en una faceta más cavilativa y menos impetuosa.

No hay que engañarse pensando que se trata del regreso del actor en plan de acción, de hecho, es más bien de orígenes literarios que dan pie a una historia entre policial y suspenso, con planos subjetivos y con un protagónico más moderado y analítico.

Reposado y todo, siempre se agradece ver al gran Liam en escena y sus fans lo saben. Pero como no todo es miel sobre hojuelas, la experiencia tiene sus ripios, por ejemplo, no presenta un argumento tan complicado o de peso que ciertamente le haga justicia a la cantidad de detalles del libro original.

Aunque nos guste ver a Neeson más en onda "implacable", su riqueza actoral se mueve con igual destreza en otros campos más dramáticos.

Por debajo de las dos horas, puede que aún así se nos haga un poquito larga sin embargo, tras algunos saltos del argumento -de su ejecución- que despiertan en mayor y menor medida la atención del espectador, consigue tomar un ritmo más intenso sobre el final.

Quizás para algunos será el fantasma de la película que esperaban ver, pero "A walk among the tombstones" tiene buenos elementos narrativos, de género y técnicos que hacen que valga la pena. Puede decepcionar a un sector, pero como producto de cine aprueba, entrega un buen personaje al público masivo y diera la impresión que queda corta pensando en entregar algo más a futuro.
https://www.youtube.com/watch?v=0JjRoh13vzY
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fata morgana

1971 Alemania ciencia ficción. director: werner herzog. guión: werner herzog. música: Blind Faith, The Third Ear Band fotografía: Jörg Schmidt-Reitwein prdocutora: Werner Herzog Filmproduktion reparto: eugene des montagnes, james william, von ungern.
Sinopsis: Estructurada en tres partes (Creación, Paraíso y La era dorada) y rodada en el desierto del Sahara, esta es sin duda la película menos convencional del director alemán. Sin argumento ni guión determinado, Herzog nos regala una serie de imágenes, palabras y música que funcionan conjuntamente dando un resultado singular. La sensación resultante viene reforzada por una banda sonora con temas de Leonard Cohen, Mozart o la Third Ear Band.

Ocho aviones. Ocho planos fijos en total con sus aviones aterrizando en las áridas tierras cercanas a las eternas llanuras y dunas del desierto del Sáhara. Cuna vírgen y fértil para concebir lo que el experimental cineasta alemán quiere sugerirnos sobre el Paraíso en la Tierra. Pero sin concesiones bíblicas al margen sinó a través de la idea de lo que fue la Creación según la Civilización Maya que, de hecho, siempre ha tenido atrapado a su autor en s pasión por las culturas pre-colombinas.

La voz en off de sus narradores nos sugieren la conversación de los dioses Tepeu y Gucumatz, antes de diseminar la vida hasta crear al Hombre. Y el director de "Aguirre la Cólera de Dios" nos traslada al Norte de África, en tierra de nadie pero del que va a surgir vida según la poesía y música que acompañan este experimento fílmico, híbrido esquema de documental y testimonio antropológico; de los vastos desiertos a las montañas, etc... Aún sin olvidar advertirnos de las regiones donde filma. Porque no son imágenes de postal, y lo contradictorio de algunas escenas (los coches destartalados, los poblados, los depósitos industriales, los restos de aviones, los animales muertos pasto de las moscas, etc...) representan precisamente lo opuesto a lo que la música de Mozart, The Third Ear Band y Leonard Cohen amenizan fotograma a fotograma. Es evidente que su mensaje humano y ecológico es subliminal pero a la vez irónicamente contundente.

Fragmentada en tres partes; Creación, Paraíso y Edad de Oro, Werner Herzog nos lleva a este primerizo mundo, calurosa tierra virgen donde bien tendrían cabida los futuros anti-héroes de su impacable filmografía. Tales como Lope de Aguirre, Bruno Stroszek, Brian Fitzgerald, el Francisco Manoel Da Silva alias "Cobra Verde" o los ansiosos escaladores de "Grito de Piedra". Aún así estamos en uno de sus films más experimentales en la línea de "Lessons of Darkness" (1992) solo que allí daba una visión apocalíptica de la Guerra del Golfo en un Kuwait arrasado por la avarícia del petróleo.

Film recomedado solamente para muy cinéfilos, especialmente incondicionales de Werner Herzog en su lado más radical y reflexivo.
https://www.youtube.com/watch?v=ZIIa9Hy8waA
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mi querida señorita

1971 España comedia 80 minutos. director: Jaime de armiñán. guión: Jaime de Armiñán & José Luis Borau música: Rafael Ferro. Fotografía: Luís Cuadrado. Productora: El Imán / Incine reparto: José luís lópez vázquez, julieta serrano, antonio ferrandis, enrique dávila, lola gaos, chus lampreave.
Sinopsis:
Adela Castro, una madura solterona que vive en una ciudad provinciana, sabe que no es una mujer normal: se afeita todos los días y se siente atraída por su criada Isabelita. Se ha pasado la vida creyendo que se ha quedado soltera por ser poco agraciada físicamente. Ciertos trastornos psicológicos la llevan a la consulta de un médico

 ¡Qué tiempos aquellos, cuando todo estaba todavía por hacer! Esta historia es de aquellas que está allí a la espera para que alguien la coja, y es tan bueno el argumento, que se escribe solo. Debieron ser grandes años aquellos 70 para los cineastas, cuando poco a poco veían que se ampliaban los márgenes y se abría ante ellos un campo enorme de posibilidades, cuando veían que todas las historias estaban allí, esperando para ser contadas.

Creo que hay que situarse en el contexto para valorar la película en todas sus dimensiones. Hoy se habla de transexualidad cuando se comenta "Mi querida señorita", pero creo que no pensaban en eso Armiñán y Borau cuando la escribieron, todavía quedaba un poco lejos. Lo que tenían entre manos era una idea muy buena, y un argumento lleno de morbo. Algunas fases de esta película recuerdan el sugerente final de "Viridiana", cuando Buñuel, con sutileza, dejaba entrever ideas tan escandalosas que la censura no acertaba a verlas. La historia que aquí nos ocupa se encuentra entre lo más morbosillo que éste que suscribe ha visto en su vida. Y lo más genial de todo es que parte de una premisa que es de lo más recatada. Seguramente eso debió decidir a la censura a darle el visto bueno, en realidad ninguno de los personajes hace nada punible para el franquismo, son rectos seguidores de la decencia, pero son personajes que, como piezas de ajedrez, se ven empujadas a situaciones que aun hoy, resultan chocantes. Y precisamente ese recato, amplifica el morbo y da mayor potencia a la historia "emocional" que aquí se cuenta.

La gran virtud de esta película, lo que hace que no envejezca, es que Armiñán se centra en sus personajes. Por eso resulta tan morbosa hoy como hace 40 años. Por eso la película funciona tan bien. La secreta atracción entre la señorita y su doncella es sutil en extremo, para el espectador es más producto de su morbosa imaginación que de lo que realmente aparece en pantalla. Debíó ser una película incómoda de ver para muchos, que debieron sentir ganas de correr al confesionario en pleno visionado por pensamientos impuros. Un acierto, un recato del guión, que al final juega a su favor. La relación entre las dos "mujeres" es irreprochable, y con el avance de la historia, pasa a ser una relacion verdaderamente emocionante por lo que tiene de auténtica: esta contención permite desatar los acontecimientos en la segunda parte de la película, y hacerlo con una coherencia que escucha mucho más a las emociones (también el espectador), que a los hechos. Cuando eso ocurre, no hay ninguna duda, estás ante una gran película, estás ante un ejercicio de hipnosis. Eso es el cine en definitiva.
https://www.youtube.com/watch?v=x9kZu4HusVE
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