Marie Stillman

El movimiento artístico conocido como prerrafaelita, que quiso recuperar la esencia del arte gótico, estuvo protagonizado e impulsado en su gran mayoría por pintores. Las mujeres fueron sus musas e inspiradoras de los grandes lienzos que legaron a la historia del arte. Pero algunas de aquellas hermosas modelos fueron también grandes pintoras. Una de ellas fue Marie Stillman, una mujer de belleza perfecta que se convirtió en una gran artista prerrafaelita.
 Marie Euphrosyne Spartali nació el 10 de marzo de 1844 en Londres. Marie era la hija 

pequeña de Michael Spartali y Eufrosina, una familia de origen griego muy acomodada. En su hogar, su padre organizaba veladas culturales con nombres destacados de las letras y el arte. Marie pronto destacó como una hermosa muchacha con una belleza que no dejaba impasible a nadie. Junto a sus primas, María Zambaco y Aglaia Coronio, eran conocidas como las tres gracias griegas por su hermosura. Muchos quedaron prendados de Marie hasta el punto de afirmar, como lo hizo el poeta Algernon Charles Swinburne, que era “tan hermosa que querría sentarme a llorar”.

Leonor Fini

Nació en la Buenos Aires, hija de Malvina Braun Dubich y Herminio Fini. a Su padre la familia materna impidio en todo momento que se relacionara con leonor.
En 1909 se mudaron a Trieste a vivir con su tío Ernesto Braun. El padre amenazó raptarla y la madre la vestía de varón para disimularla.
En 1924 se trasladó a Milán  y luego a París  para realizar su vocación de artista.
En la capital francesa, París , entró en contacto con otros artistas como Paul elard, henri cartier Bresson, Max Ernst , Henri (que la fotografió desnuda en 1933), Ernst(que fue su amante), Bataille, Picasso, Mandiargues, Salvador Dalí,  Fue amiga de Cocteau o María Felix.

También se dedicó al diseño de vestuario y decorados para obras de teatro. Diseñó el envase del perfume "Shocking" para la diseñadora italiana Elsa Schiaperlli
En la década de los años 70 escribió tres novelas (Rogomelec, Moumour, Contes pour enfants velu y Oneiropompe).
Fini fue también una destacada ilustradora en obras de Edgar Allan Poe, Marcel Aymé,  o el marques de Sade  (« Histoire de Juliette», 1945).
Tuvo muestras retrospectivas en Bélgica (1965), Tokio (1972) y París (1986).
Muchas de sus últimas pinturas juegan con las fantasías eróticas y la muerte.

Levitán

Cuando joven, Levitán recibió una notable influencia de Corot, la cual supo trasladar con profundo sentimiento telúrico al paisaje y la idiosincrasia rusos. Al regreso a su país comenzó a trabajar febrilmente y muchos se atrevieron a asegurar que nadie pudo sentir el alma del paisaje de Rusia como lo hizo Levitán, quien sólo cultivó ese género pictórico.

 Actualmente se lo considera en la cima de la pintura de paisaje rusa del siglo XIX porque, además, en su pintura al aire libre captó con pincelada ligera y admirable realismo las sutiles gradaciones de la espesa luz solar y las finas capas de color de las sombras.antecesor del
impresionismo y maestro de otro artista de familia israelita: Pisarro, famoso impresionista francés. Volvió a Rusia y desarrolló su carrera como pintor. A los 37 años el artista fue nombrado miembro de la Academia de Artes Rusa y director del departamento de pintura de paisajes. La amistad, el aprecio y la admiración fue mutua con el escritor Anton Chejov.

Rosa Lie Johansson

Rosa Lie Johansson nació en Gotemburgo , Suecia. Estudió pintura en su ciudad natal en los años 40 con ayuda del gobierno de su país natal. En 1952, continuó sus estudios artísticos en la Academia Belle Arti de Roma, cuyo profesor fue Ferruccio Ferrazzi, un pintor y escultor italiano.
Johansson pasó mucho de su vida viajando. En 1951, se mudó a Italia  y viajó por la región hasta finales de 1952, cuando se trasladó a Nueva York. Ahí, se unió al Art Student League, en colaboración con Will Barnet, conocido por su trabajo gráfico y participación en murales con José Clemente Orozco

Permaneció en Nueva York  hasta 1951, cuando se trasladó a México, primero vivó en San Miguel de Allende y viajó por los estados de la República como Michoacán  para estudiar la arquitectura y cultura de México Central. Durante este tiempo, la política económica en Mexico permitió a la gente de negocios de suecia invertir en México. Una pequeña comunidad sueca fue formada en la Colonia Anzures en la Ciudad de México. Johansson se mudó a la Ciudad de México para encontrar soporte económico y moral, aunque vivía sola en su propio departamento, con compañia de su gato, Cassandra. Ella continó viajando por Mexico parte de su vida, regularme con la compañia de su amiga cercana Alma Reed También, Rosa recorrió Indonesia  en 1969, atraída por su color y misticismo.
Johansson eventualmente se identificó como mexicana, vistiendo de acuerdo a la tradición mexicana, así como con una afinidad particular por la cultura maya  del pasado y presente

Alice Bailly

Alice Bailly  nacida en ginebra en 1872 y fallecida en 1938  fue una pintora suiza. Estuvo próxima a los movimientos de vanguardia de principios del siglo xx ( cubismo, dadaísmo  que ella contribuyó a divulgar en la Suiza francófona.

Estudió en la escuela de Bellas Artes de Ginebra y luego en  Múnich  Estuvo en París  en 1906  y, en 1914 ideó las wool paintings («pinturas de lana»), término que acuñó para evitar que sus cuadros «pintados con lana», fueran calificados como bordados. Quedó en Suiza con el estallido de la  primera guerra mundial Fijó su residencia de Lausana en el año 1923, pero conservó un apartamento en París hasta 1936.
En 1946 se creó la Fundación Alice Bailly para sostener a jóvenes artistas suizos y franceses.

Diulgheroff

Diulgheroff nació en kyustendil  una ciudad del oeste del Bulgaria en el año 1901. Hijo de un impresor, entre 1920 y 1921 estudió en universidad de Kunst de Viena, Austria . Al año siguiente, en 1922, estudió en Dresde , y en 1923 se matriculó en la escuela de Bauhaus  de weimar  donde entabló amistad con el expresionista johannes Itten  Durante este etapa de estudios, Diulgheroff tuvo oportunidad de exponer sus obras tanto en Berlín  como en Dresde. Además, en 1924, el Museo Nacional de Sofia  organizó una exposición dedicada a él y a sus obras.
En 1926, Diulgheroff se instaló en Turín  para estudiar arquitectura en la academia albertina de bellas artes  de la que se graduó en 1932. Aunque traía consigo las tendencias del constructuvismo  de Europa Central pronto empezó a relacionarse con figuras prominentes del Futurismo italiano, como por ejemplo filia , y así fue como adoptó este estilo.

Diulgheroff creó sus obras más notables en la década de 1920 y 1930, y algunas de ellas se exponen en la actualidad en la galeria de roma. Sin embargo, antes de que quedaran definitivamente expuestas en dicho museo, se habían podido contemplar previamente en más de cuarenta galerías de arte de toda Europa, como por ejemplo en Mantua, Paris.
El artista también ayudó a Marienatti  y a Fillia a crear la denominada cocina futurista. En efecto, Diulgheroff colaboró en la redacción del Manifiesto de Cocina Futurista (1930), creó el plato denominado pollofiat y diseñó parte del interior de la Taverna Santopalato, el primer establecimiento de cocina futurista. Asimismo, diseñó varios anuncios de bebidas alcohólicas del grupo.
Diulgheroff permaneció en activo casi hasta el final de sus días. Murió en el año 1982 en Turín, en la ciudad en la que había pasado la mayor parte de su vida, hasta un total de 56 años³ y de la que era ciudadano honorario.⁸ Durante toda su trayectoria, había ganado varias medallas de oro en galerías de arte de toda Italia (Turín, Florencia, salsomagiarre ) y algunos historiadores del arte, como  crispolti , lo han calificado como el mayor artista del período de entreguerras.

Radi Nedelchev

Nedelchev nació en el pueblo de Ezerche, una comunidad mixta de cristianos y musulmanes a 50 km del puerto fluvial de Ruse  del  Danubio. Su familia era una familia de granjeros y artesanos populares, siendo su madre tejedora y su padre tallista de madera. Desde muy temprana edad Nedelchev demostró gran pasión por el dibujo.
A los quince años, después de una pelea con su padre, Nedelchev se marcha de casa y huye a la costa del Mar Negro, donde tendrá variados empleos para sobrevivir. A los dieciocho años tendrá que cumplir con el servicio militar obligatorio de tres años de duración. Una vez terminado se inscribirá en una nueva escuela estatal de arte en Ruse donde conocerá al pintor Marko Monev con el que compartirá un estudio.
En 1963 Nedelchev y Monev viajaron ampliamente por toda la Bulgaria rural, dibujando y pintando e intentando a la vez contactar con otros artistas mientras viajaban. Durante este periodo en Bulgaria las condiciones históricas de los campesinos estaban cambiando debido a un proceso de colectivización. Nedelchev y Monev se dieron cuenta de que estaban viendo desaparecer muchas costumbres y tradiciones. En 1964 ambos terminaron sus viajes en el Danubio, donde Nedelchev empezó a vivir y a pintar en el estudio del artista Nikolov

En 1966 Nedelchev empezó a exponer regularmente y en una de esas exposiciones conoce a su futura esposa, Mariya. En 1968 se casan y se mudan a Razgrad  donde Nedelchev formara un sindicato local de artistas. En 1971 el arte de Nedelchev será descubierto fuera de Bulgaria donde, en Suiza, el crítico de arte y escritor Jakovsky  le otorgara el premio especial en una competición mundial de arte naïve. Seguirán una serie de exposiciones y Nedelchev visitará Paris por primera vez, aunque las autoridades comunistas dejaron bien claro que aquella visita era un privilegio.
De la misma forma, la falta de acceso a galerías occidentales profesionales y al mercado del arte impedirán a Nedelchev seguir el camino profesional de cualquier otro artista occidental. Aun así, el trabajo de Nedelchev se introducirá en muchas colecciones privadas y corporativas, así como en las manos de muchos embajadores y políticos extranjeros, por ejemplo la Krupp Corporation (alemana), el Baba Research Centre (de la India) y el ex primer ministro chino Li Peng.

Stefan Luchian

Stefan Luchian (1 febrero de 1868, Stefanesti-28 junio de 1916, bucarest) fue un pintor rumano llamado "el poeta de plástico de las flores". Nació en  stefenasti un pueblo (hoy en día es ciudad) de botosani y fue hijo de Dumitru Luchian y de Elenei Chiriacescu.
Su vocación por la pintura le llegó cuando era pequeño. Stefan se oponía a su madre en inscribirle a una escuela militar. En 1873 él y su familia se mudan a Bucarest. En 1885 se inscribe en la clase de pintura de la Escuela Nacional de Bellas Artes, la cual aprueba en 1889 y obtiene una medalla de bronce. Todo este tiempo de formación tuvo un maestro que le ayudó a desarrollar su personalidad y a tener valor, llamado Nicolae Grigorescu.

En el otoño del 1889 se va a munich, donde estudia dos semestres en la academia de Bellas Artes y ejecuta copias de las obras de corregio y rembrandt Vuelve a su país en 1890 y participa en la primera exposición del Círculo artístico. Al año siguiente va a París, donde estudia en la Academia Julian y conoce la vida parisína.
De vuelta a Bucarest, será en 1896 el principal iniciador de "La exposición de los artistas independientes". En 1900 participa en la "Exposición Universal" de París. En el mismo año aparece las primeras manifestaciones de la enfermedad de la médula espinal, conocida como esclerosis múltiple, que después de muchas mejoras y agravaciones, lo deja sin movilidad para el resto de su vida. A pesar de eso, continúa trabajando en sus cuadros y al final en 1915 los expone en muchos museos.
Entre todas sus obras, el único quien compró uno solo fue el pintor Grigoescu. De 1909 hasta su muerte estuvo en la cama a causa de la gravedad de la enfermedad. Luchian falleció el 28 de junio de 1916. La mayoría de los cuadros que pintaba eran temas de naturaleza y de jarrones con flores añadiendo colores pasteles y con la técnica del aceite.

Ni Zan

Él fue parte del grupo de pintores chinos conocidos después como los cuatro maestros de la dinastía Yuan los demás fueron wu zhen, huang gongwang, wang meng, . Aunque Ni Zan nació en la opulencia, decidió no servir a la extranjera  dinastía Yuan y en cambio vivió su vida en el retiro y la erudición.
Se caracterizó de sus contemporáneos por ser particularmente tranquilo y exigente, cualidades que quedaron plasmadas en su arte. En sus pinturas (generalmente paisajes) usó elementos moderadamente, dejando grandes áreas del lienzo intactas. Sus obras se distinguen por una sombría quietud y a menudo poseen una cabaña rústica, unos cuantos árboles u otros indicios de vegetación. Ni Zan fue muy imitado por artistas posteriores haciendo de sus originales algo difícil de autentificar.

No muy conocido en la actualidad, fue repetidamente copiado a lo largo de los siglos. Destaca su naturalidad y fluidez en el trazo, su originalidad. Fue tildado como loco o excéntrico y pertenece a la categoría de pintor no clásico. Fue tan grande su influencia que pasó a ser un pintor "clásico" para los nuevos pintores modernos y alejados de la tradición.

Mór Than

Mór Than (Óbecse/Bečej, 1828 – 1899) fue un pintor húngaro. Fue educado en Italia y en Viena  dadas sus facultades y estilo similares a las de famosos pintores de su tierra natal. Trabajó en un estilo realista preimpresionista. Sus temas eran mayormente eventos históricos y retratos, así como temas fantásticos o mitológicos. Sus frescos decoran prominentes edificios públicos en Budapest.

Mór Than diseñó también el primer sello de correos húngaro en 1848. El dibujo se muestra en la parte izquierda. De todas maneras, la estampilla se dejó de imprimir desde 1849 , cuando Hungría perdió su independencia y se transformó en una provincia del Imperio austríaco.

Valentin Serov

Durante su último periodo, que empieza en  1900 , Serov fue un miembro del  Mir  (el mundo del arte), una influyente asociación de arte y revista rusa que surgió, en parte, debido a la insatisfación con el movimiento de Los Itinerantes. A comienzos de siglo, Serov estaba en un punto de cambio estilístico: las características impresionistas de sus obras desaparecieron, y su estilo modernistamás desarrollado, pero la comprensión realista de la naturaleza de sus retratos permaneció constante en él. A principios de 1900 Serov creó retratos basados en imágenes de héroes; dentro del género del retrato de moda, Serov se centró en la representación dramática de creativos artistas, escritores, actores y músicos de importancia: los retratos de Maxim Gorki, A.M. Museo de Gorki, Moscú; María Yermalova, Fiódor Chaliapin, ambos en la galería Tretiakov.,
Las creencias democráticas de Serov se mostraron claramente durante la revolución de 1905 a 1907  representó un gran número de figuras satíricas sobre los castigadores. Miembro de la academia imperial de las artes de San Petersburgo desde 1903-1905 abandona la organización como gesto de protesta contra la ejecución de trabajadores en huelga y sus familias el 9 , episodio conocido como domingo sangriento. Su creatividad encuentra ahora expresividad en la pintura histórica (Peter II departure and Empress Elizabeth Petrovna on hunting, 1900 , Museo Ruso), y la profunda comprensión de la pervivencia histórica de una época (Pedro I,  1907galería Tretiakov).

Los últimos años de la vida de Serov estuvieron marcados por los trabajos en temas de la mitología clásica. Mientras pintaba imágenes de las antiguas tradiciones, Serov dota las materias de los sujetos clásicos con su propia interpretación personal. Valentín Serov murió en Moscú el 5 de diciembre de 1911.

Magister Theodoricus

1988 Usa 114 minutos. aventuras. Director: Jhon Millius. Guión: Jhon Millius. música: Basil Poledouris  fotografía: Dean Semler.  productora: Orion Pictures. Reparto: Nick Nolte, Nigel Havers, James Fox, Frank McRae, Marius Weyers, Marylin Tokudo.
Sinopsis: Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Después de ser capturado por los japoneses, un soldado americano (Nick Nolte) consigue escapar y se adentra en la jungla de Borneo, donde entra en contacto con una tribu indígena. Dos años después, un comando británico llega a ese lugar y descubre que el americano se ha convertido en el rey de la tribu.

 El infravalorado y menospeciado director y genial guionista John Milius al que se apartó de las producciones de Hollywood por su supuesto fascismo ( acusaciones totalmente falsas), debido a su filmografía entre las que destacan Conan el Bárbaro,

 El viento y el león y el Gran Miércoles y famoso por utilizar métodos de disciplina militar para rodar sus films, siempre mostró un interés especial por la historia, las batallas y el arte de la guerra. Ése interés se vé nuevamente reflejado en esta admirable propuesta de aventuras exótica en la selva con la adaptación de una novela en la que un desertor del ejército americano a finales de la segunda guerra mundial busca la libertad en las tierras vírgenes de Borneo convirtiéndose en rey al derrocar a un injusto y malvado caudillo tribal y uniendo a todas las tribus colindantes en una sola gobernada por él. El Rey Leroy 'Nick Nolte' es un hombre que en su ansia de libertad y alejarse de la guerra encuentra su paraíso particular en el que la justicia, la igualdad y el valor son las directrices por las que este rey es admirado y respetado.

 Pero llegará a estas alejadas islas un emisario del imperio británico con las intenciones de adiestrar a la tribu del monarca para luchar en contra del ejército japonés invasor. Leroy estrechará amistad con el emisario inglés que utilizará la diplomacia necesaria para contactar y pactar un tratado con los ingleses para asegurar la libertad, fraternidad y espíritu de justicia que ha aprendido en su convivencia con la tribu y asegurar los derechos de los indígenas una vez termine la guerra en la que colaborarán contra Japón.

Es esta una película bella en sus parajes naturales y en su dirección de fotografía que acompaña a una película del más puro sentido de la aventura a través de unos personajes nobles, honorables , que le dan el valor a la palabra dada y de una propuesta y sentido de la libertad que me resulta realmente admirable. Hasta el ejército japonés después de sus atrocidades de asesinato y canibalismo inusitado es capaz de someterse y mostrar honor ante la derrota.

 A mi juicio el film propone que, a veces la civilización no es síntoma de libertad y que por encima de cualquier ideología Comunista ó Capitalista prevalecen los derechos del hombre, el derecho a vivir en libertad, el derecho a considerarse igual a todo hombre, y el derecho a ser uno mísmo y autorreafirmarse y protestar ante cualquier injusticia promulgada por cualquier gobierno sobre todo si te insta a la guerra. Una película de aventuras clásica antibelicista con el siempre polémico pero justo John Milius que plasma violencia explícita en sus films pero como único fin de reflejar los más bajos sentidos del ser humano para concienciar al hombre de su crueldad ., Pero también reflejando el sentido de la maravilla, la bondad y la justicia que son virtudes que le pertenecen al hombre por naturaleza.
https://www.youtube.com/watch?v=O0xYAxDPUmQ
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László Paál

László Paál fue uno de los pintores paisajistas húngaros que más influencia han tenido en la aceptación del nuevo estilo de pintura. Sus primeras obras estaban dominadas por los colores obscuros y los juegos de luces y sombras. Conjuntamente con Munkacsy fueron admiradores de los maestros alemanes y holandeses del siglo XVII como franz hals y rembrandt . En 1871, en ocasión de su permanencia en Londres, profundizó el análisis de los paisajes de jhon constable, a partir de este momento sus colores fueron aclarándose, iluminándose, y bajo la influencia de los acuarelistas ingleses de la época, él también experimentó con el acuarela, elaborando algunas obras con esta técnica. En 1872, durante su segundo viaje a los países bajos encontró finalmente la liberación del color, sus obras se hicieron más claras, más coloridas y comenzaron a aparecer las grandes manchas de colores.

La adhesión a la Escuela de Barbizon no fue una sorpresa, ya en 1869, en la exposición de los pintores franceses en Múnich tuvo ocasión de conocer las obras de gustave courbert y de otros artistas del grupo.

Adolf Hölzel

Su novedosa metodología didáctica le hizo muy popular entre los artistas de Alemania y del extranjero. La llamada “Escuela de Hölzel” no consistía en ninguna institución real, y él simplemente comenzó a impartir determinadas sesiones de pintura, teoría del color (fundamentado en los estudios de Goethe), composición, y otras, en el estudio de su amigo Langhammer.

Hölzel es considerado al mismo tiempo uno de los fundadores tanto de la secesión de Munich  como de la Secesión de Viena.
Su ensayo programático “Forma y distribución espacial”, publicado en Ver Sacrum , la revista de la Secesión de Viena , tuvo una enorme repercusión. Posteriormente entabló amistad con  Car Moll y se acercó al entorno estilístico de Gustav Klimt.
Desde su etapa en Dachau ya había comenzado a acercarse a la abstracción, en contraste con su posterior pintura de colores saturados. Realmente nunca abandonó definitivamente Dacha, ya que regresaba allí los veranos a impartir clases particulares de pintura.
En 1905, cuatro años antes de que Kandinsky lo hiciera, dibujó su obra abstracta Composición en rojo, en intensos colores.
Una parte importante de las teorías artísticas de Adolf Hölzel, en forma de notas manuscritas, se encuentran en la Galería estatal de Sttutgart. El museo de arte deSttutgart contiene la mayor colección de obras suyas y en el año 2005, en esta misma ciudad, se creó la  fundación Adolf Hotzel.
  fue un pintor austríaco-alemán, protagonista de la aparición de la abstracción y de la modernidad. La ciudad en la que nació se encuentra en moravia, zona que entonces pertenecía a Austria y hoy en día a la república checa.

Vassili Surikov

Súrikov nació el 24 de enero de 1848 en krasnoyarsk, siberia. En 1869 entró a estudiar en la academia imperial de las artes, bajo la supervisión de pável chistiakov  y donde permaneció tres años. Se trasladó a moscú  en 1877, donde pintó algunos frescos en la catedral de cristo salvador original.

Contrajo matrimonio en 1878 con Yelizavete Avgustovne Share (1858-1888; otras fuentes señalan la grafía Yelizaveta Arturovna Share), nieta del decembrista svutinov. En 1881 se unió al movimiento peredizhiniki Desde 1893 fue miembro de pleno derecho de la academia de las artes de san petersburgo
Falleció el 19 de marzo de 1916, siendo enterrado en el cementerio Vagánkovskoye, en moscú

Jules Pascin

(Julius Pincas; Vidin, 1885 - París, 1930) Pintor y dibujante búlgaro. Entre 1902 y 1905 viajó a Viena, Munich y Berlín y colaboró con la revista Simplicissimus; en 1905 se instala en París y comienza a participar en los Salones de Otoño regularmente hasta 1912. En 1913 participa en el Armory Show de Nueva York y en todas las grandes exposiciones internacionales. Al año siguiente viaja a Nueva York y entre 1915 y 1920 pasa su tiempo en los estados sureños haciendo multitud de dibujos y apuntes. En 1920 obtiene la nacionalidad estadounidense y vuelve a París. Produce en estos años obras de tema bíblico y mitológico, pero sobre todo retratos femeninos de carácter erótico, como Dos muchachas durmiendo de 1929. En 1927 vuelve a los Estados Unidos e instala un estudio en Brooklyn; tres años después hizo su última exposición en la galería Knoedler de Nueva York.

En su relato París era una fiesta, hemingway  escribió un capítulo titulado Con Pascin en el Dôme, relatando una noche en 1923 cuando se había detenido en Le Dôme y encontrado a Pascin acompañado por dos modelos. La descripción de Hemingway de los acontecimientos de esa noche se consideran una de las imágenes que simbolizan en Montparnasse de la época.
Tras la brillantez de Pascin estaba escondido el terror de una mente torturada. Sufría depresión y alcoholismo. «Enloquecido por su propia leyenda», según el crítico de arte Gaston Diehl, se suicidó el 2 de Julio  de 1930 , en vísperas de una prestigiosa exposición individual cortándose las venas de las muñecas y ahorcándose en su estudio de  Montmartre . Sobre la pared dejó un mensaje escrito con su propia sangre que decía adiós a su amor perdido, Cecile (Lucy) Vidil Krohg. En su testamento Pascin dejó su patrimonio a partes iguales a su amante, Lucy Krohg, y a su esposa, Hermine David.
El día del funeral de Pascin, 7 de junio de 1930, cerraron todas las galerías de París. Miles de conocidos de la comunidad artística junto a docenas de camareros de los restaurantes y los salones que frecuentaba, todos vestidos de negro, caminaron detrás de su ataúd a lo largo de los casi cinco kilómetros desde su estudio en el bulevar de Clichy, número 36, al cementerio de sant ouen

Carl Larsson

Su infancia fue un continuo ir y venir rodeado de miseria: sus padres carecían de ingresos económicos y apenas podían mantener a Carl y a su único hermano, Johan. De hecho, Carl tuvo que acudir a una escuela para pobres, la posterior escuela primaria de Ladugårdsland. El cólera, la enfermedad, la vida en los barrios bajos y la suciedad eran constantes en el entorno del joven Larsson.
Por suerte, en 1866  tuvo la oportunidad de ir a la Academia de Arte de Estocolmo; en este curso preparatorio obtuvo hasta 12 medallas por su calidad como dibujante, pudiendo así optar a un curso de dibujo antiguo. En 1871, simultaneando sus estudios en la Academia, trabaja en el estudio fotográfico de los hermanos Roesler, y como dibujante en la revista humorística Kasper.
Durante de la década de los setenta del siglo XIX, estuvo realizando numerosas ilustraciones para libros; sin embargo, alrededor de 1877 , tras viajar a parís  por primera vez, se ve sumido en la pobreza e incluso piensa en el suicidio.

Sin embargo, dos años después cambia su suerte al conocer a la que será su musa y gran apoyo moral para el resto de su vida, la también artista karin bergöö después de conocerla y casarse con ella, comienza a recibir encargos, como el de decorar el techo y las lunetas del Palacio Bolinder, en Blasieholmshammen; además, realiza varios viajes que ayudan a conformar su talante artístico, visitando sucesivamente suecia, londres.

En 1888  la familia Larsson se establece en la idílica 'Lilla Hyttnäs, una villa en sudborn, aún hoy en pie, la cual reflejó innumerables veces en sus acuarelas, como símbolo de la felicidad familiar y de la prosperidad, premio a su infancia y adolescencia miserable y empobrecida.

El estilo de Carl Larsson, que bebe del realismo de barbizón, de la tarjeta postal y del modernismo  a partes iguales, cautivó a la época por la ternura que evocan sus numerosísimas ilustraciones donde representaba a su esposa y a los siete hijos que tuvo con ella: Suzanne, Ulf, Pontus, Lisbeth, Brita, Kersti y Esbjörn, nacido en 1900. Estos niños llegaron a ser tan populares que casi fueron tomados como personajes con identidad propia del arte de entonces.

Su principal objetivo como artista era representar el "lado amable de la vida", después de toda una época de penurias: escenas cotidianas, cargadas de ternura y calidez, de su esposa con sus hijos, los niños jugando, los veranos en la playa, interiores del hogar, etc. El personal estilo de decoración de Karin y de Larsson dio como fruto una manera completamente moderna de acondicionar y estructurar una casa, de forma que fueron considerados verdaderos "diseñadores" de interiores, adelantados a su tiempo: colores cálidos, interiores plenos de luz, vajillas sencillas y demás detalles contrastaban con el estilo oscuro, recargado y victoriano de otros hogares de la misma época.

Herbert Hayer

Bayer fue aprendiz del artista George Schmidthammer en Linz  Tras dejar el taller se interesó por el manifiesto Bauhaus  de walter gropius . Tras estudiar durante cuatro años en la Escuela de la Bauhaus,con profesores como Kandinsky  o nagy  Gropius nombró a Bayer director de impresión y publicidad Influenciado por el minimalismo, Bayer desarrolló un estilo visual nítido y adoptó una fuente  sans serif completamente en  minúsculas  para todas las publicaciones de Bauhaus. En 1935  diseñó una fuente sans serif geométrica, universal, cuya versión digital recibe el nombre de Architype Bayer.
En 1928 , Bayer dejó la Escuela de Bauhaus para convertirse en director artístico de la oficina en berlín  de la revista vogue  Diez años más tarde, huyendo de la alemania nazi , se mudó a nueva york  donde desarrolló una larga carrera en la que destacó en prácticamente todos los aspectos de las artes gráficas . Ya en 1938  organizó la exposición y el catálogo Bauhaus 1910- 1928  en el moma  de Nueva York.
En 1946 , contratado por el industrialista y visionario walter papecke , Bayer volvió a mudarse, esta vez a aspen en colorado , donde Paepcke trataba de promocionar el  esquí como deporte popular. En el ámbito arquitectónico, Bayer codiseñó el Aspen Institute y restauró la Wheeler Opera House; además, produjo carteles publicitarios que identificaban el esquí con el ingenio, la emoción y el glamour. Bayer estuvo asociado con Aspen hasta mediados de los años 1970.

Entre 1946-56 fue consejero artístico de la Container Corporation of America y desde 1966  de la Atlanthic Richfield Company. En 1959  diseñó su "fonetik alfabet", un alfabeto fonético  para el inglés Era sans serif y no tenía letras mayúsculas. Tenía símbolos especiales para las terminaciones -ed, -ory, -ing e -ion, así como para los dígrafos  "ch", "sh" y "ng". Un subrayado indicaba la duplicación de una consonante en la ortografía tradicional
En  1968 preparó la exposición del catálogo 50 años Bauhaus en sttugart . La colección de arte moderno del Museo de Arte de denver  ha recibido su nombre.

Adolf HÖLZEL

Su novedosa metodología didáctica le hizo muy popular entre los artistas de Alemania y del extranjero. La llamada “Escuela de Hölzel” no consistía en ninguna institución real, y él simplemente comenzó a impartir determinadas sesiones de pintura, teoría del color (fundamentado en los estudios de Goethe), composición, y otras, en el estudio de su amigo Langhammer.

Hölzel es considerado al mismo tiempo uno de los fundadores tanto de la secesión de Munich  como de la Secesión de Viena.
Su ensayo programático “Forma y distribución espacial”, publicado en Ver Sacrum , la revista de la Secesión de Viena , tuvo una enorme repercusión. Posteriormente entabló amistad con  Car Moll y se acercó al entorno estilístico de Gustav Klimt.
Desde su etapa en Dachau ya había comenzado a acercarse a la abstracción, en contraste con su posterior pintura de colores saturados. Realmente nunca abandonó definitivamente Dacha, ya que regresaba allí los veranos a impartir clases particulares de pintura.
En 1905, cuatro años antes de que Kandinsky lo hiciera, dibujó su obra abstracta Composición en rojo, en intensos colores.
Una parte importante de las teorías artísticas de Adolf Hölzel, en forma de notas manuscritas, se encuentran en la Galería estatal de Sttutgart. El museo de arte deSttutgart contiene la mayor colección de obras suyas y en el año 2005, en esta misma ciudad, se creó la  fundación Adolf Hotzel.
  fue un pintor austríaco-alemán, protagonista de la aparición de la abstracción y de la modernidad. La ciudad en la que nació se encuentra en moravia, zona que entonces pertenecía a Austria y hoy en día a la república checa.

Stefan Luchian

Ștefan Luchian, pintor impresionista rumano, nace en stefanesti, Rumanía y fallece en Bucarest en 1916. Llamado el poeta plástico de las flores. Entre 1885 y 1889 estudia en la escuela de arte de Bucarest, donde expone por primera vez. Entre 1889 y 1890 estudia en la academia de Múnich con ludwig von Herterich , y entre 1890 y 1893 en la academie Julien en París. Recibe en este período influencias del impresionismo  y del simbolismo. Después de volver a Bucarest en el 1893, participa por primera vez de la "Exposición de artistas vivos" en 1894.

Después de grigorescu  y andreescu, fue luchian quién contribuyó a mantener viva en Rumanía, hasta bien entrado el siglo XX, una larga y difundida tradición impresionista en la selección de motivos, la manera de ver y aplicar el color.