- Sus raíces se hunden tanto en México como en Alemania.
- Su última serie, Bodegones berlineses, se compone de una serie de imágenes – fotografías y fotogramas - elaboradas a partir de la disposición en el estudio de elementos que se podrían calificar como detritus urbano, balones rotos, envases desechados, cámaras de bicicleta, frutas secas… con las que la autora juega para plasmar imágenes que recrean las piezas con reverencia compositiva.
- Estas fotografías fueron realizadas con una cámara Hasselblad 500 CM y luz natural a lo largo de 12 meses en una habitación de la Manteuffelstraße, en Berlín. Se utilizó película Rollei Retro 100 -restos de fábrica de Agfa- y Rollei Retro 400S. Las copias están impresas a mano, también por Erika, en papel baritado ILFORD Multigrade IV – FB 1K de 255 g/m2 – 40,6 x 50,8 cm.
- Exposiciones en solitario:
- 2011 Bodegones berlineses. Galeria 3 Punts, Barcelona (Junio)
- 2010 Bodegones berlineses - auf die Vergänglichkeit. Galería Utopia Parkway, Madrid
- 2008 Vanitas der Entsorgung. Projektraum Ehegraben. Galerie Widmer + Theodoridis Contemporary, Zurich.
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domingo, 30 de octubre de 2016
Erika Babatz
Mexicana de nacimiento en una familia emparentada con la región de
Hannover. Aprendió a mirar detrás de una cámara a la edad de diez años,
pero no reparó en la importancia de lo que observaba hasta llegar a
Brandenburgo. Estudió muchas cosas que apenas recuerda, y busca con
denuedo olvidar otras que le impiden poseer la mirada limpia. Tal vez
por eso fotografía el tiempo sólido de los deshechos. Habla un lenguaje
propio denominado Babadeutsch.
domingo, 25 de septiembre de 2016
Urtzi Vera
Ingeniero Técnico Industrial, recuerda su infancia entre lápices, rotuladores, plastilina y tentes. Siempre le apasionaron el dibujo y los juegos creativos.
Después
de acabar la carrera retomó talleres de dibujo, pintura y escultura.
Fueron unos años muy entretenidos y de mucho aprendizaje en los que,
probablemente, se forjaron las bases de su posterior obra.
La
naturaleza y los animales habían sido siempre fuente de inspiración
para él. En el 2005 se le ocurrió llevar una cámara compacta al monte … y
entonces empezó su relación con la fotografía, posterior como en tantos
a su afición al monte.
Trabaja como ingeniero
técnico en la localidad de Amurrio, lo que no entorpece el desarrollo de
su pasión, la fotografía. Sus aficiones, el monte y el contacto con la
naturaleza, han sido sus motores. Tiene un vínculo especial con los
hayedos de Gorbeia y el mar Cantábrico pero es, sin duda, en el bosque
donde más cómodo se siente y donde más disfruta de su pasión.
Ha
hecho alguna publicación puntual y trabaja también de forma puntual con
agencias que comercializan algunas de sus imágenes tanto nacional como
internacionalmente. Actualmente realiza también encargos fotográficos de
diverso tipo.
Es miembro del grupo de fotógrafos de naturaleza portafolio natural
Ha tomado parte en numerosas de forma colectiva desde el 2004. Y ha realizado tres exposiciones individuales:
- “BAT” (2007) Su primera exposición que reunía una muestra de fotografía, escultura y pintura.
- “Ametsetan” (2008) Exposición fotográfica itinerante.
- “Gorbeia ezkutua” (2011) Exposición fotográfica itinerante dedicada exclusivamente al Parque Natural de Gorbeia.
Entre otros, ha conseguido los siguientes premios:
- Concurso Internacional Memorial María Luisa 2011, Finalista en la categoría El Bosque y su Ecosistema.
- Concurso Internacional Montphoto 2011, 1º Premio en la categoría Mundo Vegetal.
- Concurso Internacional Montphoto 2011, 1º Premio en la categoría Denuncia Ecológica.
- Concurso Internacional Montphoto 2011, Finalista en la categoría Inspirados por la Naturaleza.
- BBC-Veolia Wildlife Photographer of the Year 2011, Finalista en la categoría Wild Places.
- Concurso Internacional FOTOCAM 2010, 1º Premio en categoría Vegetación
- Concurso Internacional FOTOCAM 2008, 2º Premio en categoría Vegetación y Flora.
domingo, 15 de mayo de 2016
Carlos Chavarría
Carlos Chavarría se formó como fotógrafo cursando el módulo de Grado Superior de Imagen, además del Master PHotoEspaña, Teorías y Proyectos artísticos en la Universidad Europea de Madrid.
Ha publicado en TIME
Magazine, Bloomberg Businessweek, WSJ Magazine, San Francisco Magazine,
Smith Journa,. Financial Times Magazine, Wallpaper, Guardian Weekend
Magazine, Telegraph Magazine, El País Semanal, Le Monde, …
Además de sus trabajos profesionales y encargos para Amica, Atlas Quarterly, Openhouse, Varon Magazine, Heineken, Fruitvale Station, Google, AirBnB, Timbuk2, Revolver San Francisco y otros, realiza proyectos personales como:
- Halfway es una exploración del concepto de lugar intermedio, áreas que se encuentran a la orilla de la carretera entre núcleos urbanos y que fue realizado recorriendo multitud de carreteras principales y secundarias de la red española durante el año 2010.
- Dreamtown trata de mostrar el mundo aislado y duro de las personas que conviven en los núcleos centrales de las grandes ciudades americanas, realizado entre los años 2007 y 9.
- In Transit está basado en la experiencia personal de su traslado a San Francisco en 2011 y sus cambios culturales y como persona, su adaptación y cambio,
- …
martes, 8 de marzo de 2016
Hin Chua
Hin Chua nació en Malasia de origen
chino y emigró a Australia cuando era adolescente. Estudió ciencias de
la computación y la primera vez que cogió una cámara fue en un intento
de ligar con una chica. Funcionó y ya no ha dejado la fotografía.
Hin
ha utilizado su vida nómada como inspiración para su fotografía,
capturando temas que van desde los trabajadores de oficina en su serie They Called me a Corporate Whore a los paisajes urbanos y rurales en After the Fall.
Ha expuesto a nivel internacional. Podemos citar su reciente exposición Pause to Begin en Booksmart Studio en Rochester, Nueva York, Photodebut - Photosocial en la Photographers Gallery de Londres en 2008, New Exposure en Candid Arts Trust de Londres en 2008 y en una exposición en grupo en Humble Arts Foundation en 2007.
Su trabajo también se ha publicado extensamente en revistas internacionales: After the Fall en la Case Magazine y Moloko+, What We Want en Dayfour y They called me a Corporate Whore en L'Espresso y La Repubblica delle Donne.
Es un miembro del colectivo fotográfico de Londres Photodebut, y en 2009 fue premiado en el Magenta Flash Forward como fotógrafo emergente.
lunes, 1 de febrero de 2016
Tadao Cern
Tadas Cerniauskas se dio cuenta de
que quería probar algo nuevo en 2010 y dejó de trabajar como arquitecto.
El "algo nuevo" resultó ser el arte, y, más concretamente, la
fotografía.
Sus proyectos son frescos, creativos y divertidos: Blow Job, Revealing The Truth y Comfort Zone han conseguido atención de los medios y se han publicado en muchos periódicos, revistas, televisiones y sitios web, incluyendo International Herald Tribune, The Huffington Post, Daily Mail, Guardian Weekend , ZDF TV, ABC News, CBS News, Photos, The Telegraph, The Sun, BILD, La Repubblica, Ver, Quo, Zeit, The Atlantic ... y otros muchos. Ha realizados exposiciones en Europa desde 2010.
Sus proyectos son frescos, creativos y divertidos: Blow Job, Revealing The Truth y Comfort Zone han conseguido atención de los medios y se han publicado en muchos periódicos, revistas, televisiones y sitios web, incluyendo International Herald Tribune, The Huffington Post, Daily Mail, Guardian Weekend , ZDF TV, ABC News, CBS News, Photos, The Telegraph, The Sun, BILD, La Repubblica, Ver, Quo, Zeit, The Atlantic ... y otros muchos. Ha realizados exposiciones en Europa desde 2010.
También ha trabajado con empresas como Chupa Chups, Mentos, Samsung, BMW, New Yorker, Claro,
...
martes, 12 de enero de 2016
Ivo Saglietti
Ivo Saglietti es un fotógrafo francés (nacido en Toulon en 1948) conocido por su trabajo en documentalismo y ensayo fotográfico.
- Tras estudiar y trabajar en cine, cuando cumple los 30 años decide dejarlo por la fotografía, momento en el que empieza a trabajar para varias agencias francesas y americanas como corresponsal en África y Medio Oriente.
- A partir de 1988 se centra en desarrollar algunos de sus proyectos personales en colaboración con Zeitenspiegel. Entre ellos se encuentran:
- Krusha e Made, donde retrata la vida de una villa kosovar después de la guerra,
- Granjeros y pescadores en Nigeria y
- Las aguas entre Sicilia y Tunisia, donde trabaja la idea del Mediterráneo como frontera.
lunes, 7 de diciembre de 2015
Quinn Jacobson
Quinn Jacobson es un fotógrafo estadounidense (nacido
en 1964 en EEUU) que, desde 2000, su área de especialización ha sido la
de los procesos fotográficos históricos (daguerrotipos, calotipo y el
proceso de colodión húmedo), jugando un papel central en la
reintroducción el proceso de placa húmeda en Europa.
Su primer cuerpo de trabajo con el colodión húmedo fue Portraits From Madison Avenue, en el que trabajó desde 2003 hasta 2006, en que se mostró en una exposición individual en la Art Access Gallery en Salt Lake City, Utah. Varias piezas de esta serie fueron exhibidas en diversas exposiciones colectivas por toda América.
En 2006, Quinn se trasladó a Viernheim, Alemania y comenzó a trabajar en un nuevo proyecto. En un principio se tituló Kristallnacht: The Night of Broken Glass y más tarde lo cambió a Vergangenheitsbewältigung
(luchando por llegar a un acuerdo con el pasado). Es una investigación
personal de los acontecimientos que rodearon el holocausto judío en
Alemania e incluye retratos de alemanes, extranjeros y paisajes.
Ambos proyectos fueron mostrados en una gran exposición, Glass Memories, en el Centre Iris Gallery for Photography en París en 2010 y Quinn hizo 200 retratos, dio conferencias y 4 talleres de colodión húmedo.
Durante
los últimos 10 años ha ejercido como artista plástico y profesor de
fotografía y artes visuales en la educación superior en los Estados
Unidos así como en escuelas y centros de arte de Europa.
Quinn Jacobson
ha enseñado la técnica del colodión húmedo a cientos de personas en
toda Europa. Con su intensa labor divulgativa ha contribuido enormemente
a la difusión del interés por la técnica del colodión húmedo en todo el
continente.
domingo, 15 de noviembre de 2015
Quinn Jacobson
Quinn Jacobson es un fotógrafo
estadounidense (nacido en 1964 en EEUU) que, desde 2000, su área de
especialización ha sido la de los procesos fotográficos históricos
(daguerrotipos, calotipo y el proceso de colodión húmedo), jugando un
papel central en la reintroducción el proceso de placa húmeda en Europa.
Quinn Jacobson creció en una familia donde sus padres eran muy aficionados a la fotografía, rodeado de películas de 35mm, Polaroids y películas de cine de 8 mm.
Comenzó
su carrera como fotógrafo en el ejército de los Estados Unidos en 1982,
donde estuvo 3 años como soldado de infantería y otros tres como
fotógrafo de combate. Más tarde, en 1993 se licenció en Fotografía, Artes Visuales y Comunicación por la Universidad Estatal de Weber, Ogden, Utah. En 2007 consiguió un master en Bellas Artes: Fotografía por el Goddard College de Plainfield, Vermont.
Su primer cuerpo de trabajo con el colodión húmedo fue Portraits From Madison Avenue, en el que trabajó desde 2003 hasta 2006, en que se mostró en una exposición individual en la Art Access Gallery en Salt Lake City, Utah. Varias piezas de esta serie fueron exhibidas en diversas exposiciones colectivas por toda América.
En 2006, Quinn se trasladó a Viernheim, Alemania y comenzó a trabajar en un nuevo proyecto. En un principio se tituló Kristallnacht: The Night of Broken Glass y más tarde lo cambió a Vergangenheitsbewältigung
(luchando por llegar a un acuerdo con el pasado). Es una investigación
personal de los acontecimientos que rodearon el holocausto judío en
Alemania e incluye retratos de alemanes, extranjeros y paisajes.
Ambos proyectos fueron mostrados en una gran exposición, Glass Memories, en el Centre Iris Gallery for Photography en París en 2010 y Quinn hizo 200 retratos, dio conferencias y 4 talleres de colodión húmedo.
Durante
los últimos 10 años ha ejercido como artista plástico y profesor de
fotografía y artes visuales en la educación superior en los Estados
Unidos así como en escuelas y centros de arte de Europa.
Quinn Jacobson
ha enseñado la técnica del colodión húmedo a cientos de personas en
toda Europa. Con su intensa labor divulgativa ha contribuido enormemente
a la difusión del interés por la técnica del colodión húmedo en todo el
continente.
lunes, 12 de octubre de 2015
Clementina Hawarden
Lady Clementina Hawarden fue una fotógrafa escocesa
(nacida el 1 de junio de 1822 en Cumbernauld, cerca de Glasgow,
fallecida en South Kensington, Londres, el 19 de enero de 1865) que
obtuvo un notable reconocimiento como fotógrafa en la Era Victoriana, a pesar de su prematura muerte. Es considerada una precursora de la fotografía de moda.
Clementina Elphinstone Fleeming fue la quinta de hija del famoso almirante Charles Elphinstone Fleeming, conocido por su participación en las guerras de liberación de Venezuela y Colombia (1811 a 1825). Su madre, Catalina Paulina Alessandro, era una “belleza exótica” de Cádiz, que tenía 26 años menos que su marido.
Se casó en 1845 con el cuarto vizconde de Hawarden, Cornwallis Maude, viviendo en Londres hasta 1857 cuando se mudaron a la finca que la familia tenía en Dundrum, Irlanda. Lady Clementina Hawarden y su esposo tuvieron diez hijos, dos niños y ocho niñas, de los cuales ocho sobrevivieron a la edad adulta.
Es
probable que comenzara a experimentar con la fotografía a partir de
1857, realizando inicialmente fotos estereoscópicas de paisajes en los
alrededores de la finca. Pero en 1859 cuando la familia regresó a
Londres, comenzó a fotografiar a sus hijas adolescentes en un estudio
que se montó en el primer piso de su lujosa casa. La vizcondesa sentía
gran pasión por el arte de la composición teatral y la luz que supo
retratar con maestría.
Como puede comprobarse, al mismo tiempo que Lady Clementina
se dedicaba a la maternidad, se convirtió en una prolífica fotógrafa,
produciendo unas 800 fotografías, la mayor parte de sus hijas
adolescentes. En 1863 expuso por primera vez su trabajo en la Photographic Society of London
y repitió exposición al año siguiente. En ambas oportunidades fue
galardonada y muy aplaudida, pero no pudo recoger sus medallas, al morir
prematuramente de neumonía a la temprana edad de 42 años. Se cree que
su muerte estuvo relacionada con la prolongada exposición a los
productos químicos fotográficos de la época que le debilitaron su
sistema inmunológico. Trabajaba con negativos de colodión húmero y
copias en albúmina.
Sus fotografías representan
la vida de una familia victoriana de clase alta. Las posturas, muchas
veces provocativas de sus hijas, fueron muy criticadas. La sociedad
victoriana estaba molesta por la idea de la sexualidad en la
adolescencia, tema explícito en la obra de la vizcondesa.
Al
crear estas imágenes enigmáticas, replanteó nuevos retos al arte de la
fotografía. Es por ello que está considerada por algunos especialistas
como la primera artista de la imagen fotográfica.
A Lady Clementina Hawarden
le gustaba utilizar la luz natural para hacer sus fotografías. En su
momento esto fue visto como algo “atrevido” y novedoso; colocaba espejos
para reflejar la luz y los utilizaba para explorar la idea de “el
doble”. También, como otros fotógrafos, utilizó una cámara
estereoscópica para producir impresiones individuales. Su trabajo
confunde a veces lo contemporáneo con la fantasía teatral.
oscar relajder y lewis carroll fueron admiradores de su obra, que tiene semejanzas y diferencias con la de su coetánea julia margaret
Su prematura muerte hizo que pronto fuera olvidada. Una colección de 775 de sus retratos fueron donados al Victoria and Albert Museum de Londres en 1939 por su nieta, Clementina Tottenham.
Las fotografías fueron arrancadas de los álbumes familiares por razones
aún poco claras, lo que explica las características esquinas rotas de
la obra de Hawarden.
martes, 22 de septiembre de 2015
Bruce Dale
- Con 5 años se construyó una cámara fotográfica con papel y el cristal de unas gafas, porque quería hacer una imagen de una flor.
- Comenzó a hacer fotografías cuando apenas tenía 13 años: con un amigo compró un libro sobre los principios del cuarto oscuro y tras visitar la droguería y comprar algunos productos químicos se atrevieron a intentar revelar un carrete de fotos de su madre, que echaron a perder.
- Su pasión por la fotografía y su talento para las innovaciones técnicas han sido evidentes siempre: tenía más de 50 fotografías publicadas en periódicos en su Cleveland natal cuando aún estaba en la secundaria.
- En 1964 entró en National Geographic, donde publicó más de 2.000 imágenes durante su carrera de 30 años.
- Fue uno de los primeros fotógrafos en implicarse activamente en fotografía digital, comenzando en los años 70, y recibió recientemente una concesión de la Smithsonian Institution por su trabajo innovador en el campo.
- Ha viajado a más de 75 países alrededor del mundo, regresando a algunos de ellos hasta 10 veces como en el caso de China.
- En su trabajo vemos como es capaz de tratar temas que requieren de cierta sensibilidad y toque humano, como el reportaje que realizó sobre las habitantes de las montañas en América. Para Bruce es de vital importancia conectar con las personas a quienes fotografía, y con este fin les plantea todo tipo de preguntas. Tal interacción le permite ganarse su confianza y conocer sus vidas. El resultado son unas imágenes auténticas, en cuya espontaneidad reside su calidad.
- Al mismo tiempo es capaz de realizar un tipo de fotografía muy técnica. Para él, la tecnología ha sido siempre un modo de obtener mejores fotografías:
- Fue el primer fotógrafo en montar una cámara en la cola de un avión comercial para obtener una perspectiva especial del aterrizaje.
- Trabajó con imágenes holográficas cuando la tecnología todavía era muy nueva, y
- Colaboró con su hijo, Greg, en el desarrollo de un dispositivo que permitía el disparo preciso de la cámara mediante ondas de sonido o cuando un sujeto cruzaba un rayo de luz.
- Actualmente, utiliza casi exclusivamente cámaras digitales y emplea película sólo si se lo pide el cliente.
- Dejó National Geographic en 1994, y ha ampliado su pasión fotográfica con una mezcla de periodismo, publicidad y enseñanza.
- Entre sus clientes se encuentran empresas como American Airlines, Epson America, Nikon, Matsushita Industries, Shell Oil, The Tropical Forest Foundation, etc…

sábado, 1 de agosto de 2015
Isa Leshko
Isabell Carmella Leshko creció en Carteret, Nueva Jersey, en una familia de clase trabajadora italo-americana. Obtuvo su BA en el Haverford College,
donde realizó estudios de psicología cognitiva, neurobiología y
estudios de género. Después de graduarse, trabajó como asistente de
investigación para el neuropsicólogo Robert Stern.
Escribió regularmente para la revista mensual feminista Sojourner ya desaparecida. Luego pasó una década trabajando para nuevas empresas punto.com como director de proyecto e ingeniero de software antes de descubriera su pasión por la fotografía.
Isa ha creado una serie de fotografías documentales llamada Elderly Animals
bellamente ejecutadas en el que se enfrenta a los problemas del
envejecimiento y la mortalidad. La inspiración para el proyecto fue el
diagnóstico de su propia madre con la enfermedad de Alzheimer.
Previamente, su serie Thrills and Chills, mostraba
fotografías de parque de atracciones, un lugar que le aterroriza, y que
por ello fotografió, para mostrar cómo esta experiencia combina la
euforia con el miedo, emociona con escalofríos, viendo cómo la gente se
entrega a estas bestias mecánicas, que les permiten hacer cosas
imposibles como volar. Utilizó una cámara Holga para darles un
toque vernáculo y un sentido de inmediatez. Trabajar con una cámara tan
imprecisa y errónea puede ser una experiencia tan aterradora y
liberadora como montarse en una montaña rusa.
Su obra forma parte de numerosas colecciones como Boston Public Library, Haverford College y Museum of Fine Arts de Houston. Su trabajo ha sido publicado en The Atlantic, The Boston Globe, Frankfurter Allgemeine Sonntagszeitung, The Guardian, Harper's Magazine, The New York Times, NPR, y Süddeutsche Zeitung Magazin (SZ-Magazin).
Consiguió en 2012 la beca Houston Center for Photography Fellow y el premio Silver Eye Center for Photography Keystone Award. En 2011 también fue nominada para el Santa Fe Prize for Photography y finalista en el New Orleans Photo Alliance Clarence John Laughlin.
Su obra está representada por la Corden | Potts Gallery en San Francisco, California, y Richard Levy Gallery en Albuquerque, Nuevo México.
martes, 30 de junio de 2015
el banco más bónito del mundo
Una fotografía de este banco está entre las elegidas en la sexta edición del Earth and Sky Photo Contest on Dark Skies Importance,
un concurso de prestigio que busca los cielos nocturnos más bellos del
mundo. El premio nació en 2008, y desde 2009 adquirió una dimensión
global. Su objetivo es la preservación de cielo de la noche como parte
de nuestro patrimonio natural.
El fotógrafo
dani caxete es el autor de la imagen que figura entre las seleccionadas este año por el proyecto twan , en el que participaban fotos de 54 países.
Fue tomada en agosto de 2014, a las 3.00 horas de la madrugada. El
concurso está abierto a cualquier persona de cualquier edad, en
cualquier parte del mundo; tanto fotógrafos profesionales como
aficionados. La toma del banco de Loiba ha recibido una mención
especial. El proyecto TWAN fue premiado por la Unesco en 2009, y tiene
«una mezcla de rollo romántico y científico muy valiosa», dice Dani
Caxete.
Las vistas desde los acantilados de Loiba, es uno de los mejores paisajes del mundo según la Unesco.
Para los amantes del paisaje Loiba, lo tiene todo porque no tiene nada artificial es pura naturaleza. Una vez a qui sólo queda respirar el olor a mar, y relajarse con el sonido de las olas chocando contra las rocas.En Loiba finaliza el ayuntamiento de Ortigueira por el este. Esta parroquia de Tradición agraria es una de las más extensas del municipio. Tiene amplias llanuras que se pierden entre las vertientes occidentales de la Serra da Faladoira -Coriscada y los altos de O Viso y Rande-. En estas cimas se explotan las canteras de pizarra.
Cruzan Loiba varios ríos -entre ellos el de Esteiro- que recogen las aguas del Grota, en el lugar de A Feira. Van a desembocar al arenal del mismo nombre, tras cruzar unos tremedales de interés ornitológico.La costa de Loiba es la más salvaje del Ayuntamiento. Entre impresionantes acantilados perforados por cuevas -llamadas furnas- en su parte baja, se abren a las aguas de la Ría exterior las playas de O Picón y Coitelo. En estos arenales encontramos un curioso muelle, donde las lanchas se sostienen en la ladera por roldanas para evitar que las lleve la pleamar.
En o Campo da Feira se levantó una capilla en honor de San Andrés. Hay otra capilla en el montañoso casal de Soutomoro, dedicada en este caso a la Virgen del Carmen.
Destaca por último la iglesia parroquial de Loiba, reconstruida en el siglo XX con gusto gótico sencillo. Le da nombre al lugar en el que está situada, donde encontramos también la antigua casa rectoral y el Grupo Escolar que los loibeses costearon por suscripción popular.
Para los amantes del paisaje Loiba, lo tiene todo porque no tiene nada artificial es pura naturaleza. Una vez a qui sólo queda respirar el olor a mar, y relajarse con el sonido de las olas chocando contra las rocas.En Loiba finaliza el ayuntamiento de Ortigueira por el este. Esta parroquia de Tradición agraria es una de las más extensas del municipio. Tiene amplias llanuras que se pierden entre las vertientes occidentales de la Serra da Faladoira -Coriscada y los altos de O Viso y Rande-. En estas cimas se explotan las canteras de pizarra.
Cruzan Loiba varios ríos -entre ellos el de Esteiro- que recogen las aguas del Grota, en el lugar de A Feira. Van a desembocar al arenal del mismo nombre, tras cruzar unos tremedales de interés ornitológico.La costa de Loiba es la más salvaje del Ayuntamiento. Entre impresionantes acantilados perforados por cuevas -llamadas furnas- en su parte baja, se abren a las aguas de la Ría exterior las playas de O Picón y Coitelo. En estos arenales encontramos un curioso muelle, donde las lanchas se sostienen en la ladera por roldanas para evitar que las lleve la pleamar.
En o Campo da Feira se levantó una capilla en honor de San Andrés. Hay otra capilla en el montañoso casal de Soutomoro, dedicada en este caso a la Virgen del Carmen.
Destaca por último la iglesia parroquial de Loiba, reconstruida en el siglo XX con gusto gótico sencillo. Le da nombre al lugar en el que está situada, donde encontramos también la antigua casa rectoral y el Grupo Escolar que los loibeses costearon por suscripción popular.
lunes, 8 de junio de 2015
Oleg nesterkin
es un artista de Ucrania (vive en Kharkov) que realiza foto
composiciones complejas con desnudos, sangre, referencias místicas y
religiosas, aderezado con grandes dosis de humor e ironía para construir
escenarios irreales que cuentan historias por si solos.
martes, 12 de mayo de 2015
antonio atienza fuerte
Antonio Atienza Fuerte sintió desde que tuvo uso de razón una verdadera pasión por la naturaleza, seguramente inculcada por sus padres.
Antes
de que una cámara fotográfica se convirtiera, hace unos 20 años, en una
herramienta imprescindible en su vida y en su trabajo, no recuerda un
solo día en el que no haya soñado con el aroma que desprende el monte
cargado de rocío o con un mágico pero efímero amanecer en la cima de una
sierra.
Ha tenido la suerte de trabajar como naturalista en documentales para National Geographyc, BBC, Survival, etc. Algunas de sus fotografías y artículos aparecen en diferentes publicaciones de ámbito nacional e internacional.
Durante
casi veinte años ha realizado funciones de educador ambiental, guía de
naturaleza y asesor fotográfico, impartiendo multitud de charlas,
ponencias, cursos y talleres, en las cuales ha tenido siempre la
oportunidad de aprender de cada uno de los participantes. Actualmente
forma parte del equipo de fotógrafos de naturaleza de Photosurpro, Fotoenlacenatural, Martín–Iglesias y Canon Pro.
Compagina
estas actividades con su trabajo en la línea de planificación y
conservación de la Geodiversidad y la Biodiversidad en la Unidad de Gestión de Fauna Silvestre en Andalucía, trabajando con las especies que mas le apasionan: las rapaces.
miércoles, 4 de marzo de 2015
samuel aranda
Comenzó como fotoperiodista a los 19 años, publicando sus primeras fotografías en medios de comunicación como el diario 20 minutos, El Periódico de Catalunya y El País.
A los 21 se trasladó a Jerusalén donde colaboró con la Agencia EFE en los territorios Palestinos.
A continuación comenzó a trabajar para la agencia AFP (Agence France Presse) cubriendo principalmente la inmigración desde Marruecos hacia España, y trabajando en países como Palestina, Sahara Occidental, Irak, Líbano, China, Pakistán y Gaza.
En 2004 ganó el premio nacional de fotografía de la Asociación de Informadores Gráficos con sus imágenes sobre inmigración y el trabajo fue expuesto en el festival Visa Pour L´Image.
En 2006, de nuevo como profesional freelance, desarrolló diferentes trabajos en el extranjero, principalmente en India, Uzbekistán, Cachermira, Colombia, Nápoles y Sudáfrica.
Sigue publicado en medios de comunicación nacionales e internacionales: El Magazine de La Vanguardia, El País, The Guardian, The New York Times, Time magazine y Newsweek, entre otros.
En 2010 comenzó a trabajar para Corbis Images. Sigue publicado en medios de comunicación nacionales e internacionales: El País, The Guardian, Time magazine y Newsweek, …, y principalmente en El Magazine de La Vanguardia y sobre todo en The New York Times.
En 2011 expuso en el Instituto Cervantes de Nueva York.
A los 21 se trasladó a Jerusalén donde colaboró con la Agencia EFE en los territorios Palestinos.
A continuación comenzó a trabajar para la agencia AFP (Agence France Presse) cubriendo principalmente la inmigración desde Marruecos hacia España, y trabajando en países como Palestina, Sahara Occidental, Irak, Líbano, China, Pakistán y Gaza.
En 2004 ganó el premio nacional de fotografía de la Asociación de Informadores Gráficos con sus imágenes sobre inmigración y el trabajo fue expuesto en el festival Visa Pour L´Image.
En 2006, de nuevo como profesional freelance, desarrolló diferentes trabajos en el extranjero, principalmente en India, Uzbekistán, Cachermira, Colombia, Nápoles y Sudáfrica.
Sigue publicado en medios de comunicación nacionales e internacionales: El Magazine de La Vanguardia, El País, The Guardian, The New York Times, Time magazine y Newsweek, entre otros.
En 2010 comenzó a trabajar para Corbis Images. Sigue publicado en medios de comunicación nacionales e internacionales: El País, The Guardian, Time magazine y Newsweek, …, y principalmente en El Magazine de La Vanguardia y sobre todo en The New York Times.
En 2011 expuso en el Instituto Cervantes de Nueva York.
miércoles, 11 de febrero de 2015
lynn Radeka
es un fotógrafo estadounidense (nacido en Chicago, Illinois, en 1951)
cuyas imágenes en color y y en blanco y negro están llenas de vida,
mostrando en cada una de ellas su amor a la naturaleza y al aire libre.
Este
fotógrafo estadounidense lleva más de 40 años fotografiando los enormes
y variados paisajes de su país, y gran parte de las fotografías son en
blanco y negro, y es precisamente en éstas en las que la composición es
exquisita, con simplicidad y al mismo tiempo una gran fuerza.
jueves, 22 de enero de 2015
fernando paillet
fue un pintor, músico y fotógrafo argentino (nacido el 27 de octubre de
1880 en Esperanza, provincia de Santa Fe, y fallecido, también en
Esperanza, el 3 de noviembre de 1967) que documentó la colonización y
vida de los colonos suizo-alemanes de la colonia agrícola Esperanza
fundada en 1856 en la provincia de Santa Fe en Argentina. Se definía a
sí mismo como «Un fotógrafo provinciano que documentó la Pampa Gringa».
Fernando Basilio Paillet nació en Esperanza, Provincia de Santa Fe el 27 de octubre de 1880. Hijo de Clotilde Insinger, esperancina de segunda generación, nieta de Peter Zimmermann, primer colono que murió en Esperanza y de Paul Eugene Paillet, belga, profesor de piano y canto. Desde muy joven se dedicó a la fotografía y en 1898 era empleado del Estudio Lutser, el más importante de la ciudad de Santa Fe. A comienzos del siglo se instaló en Esperanza como fotógrafo y continuó en la profesión hasta 1950.
Se convirtió en el fotógrafo más conocido y destacado de Esperanza, conservando esa posición durante más de veinte años. Su mayor ambición fue documentar la vida, costumbres y paisajes de Esperanza. Formó colecciones perfectamente organizadas de retratos de intendentes, jefes de policía, jueces de paz, damas de beneficencia y todo tipo de personalidades y gente anónima.
Paillet fue encargado de formar un Museo Histórico de Esperanza y un Museo de Bellas Artes con obras de creadrores de la ciudad. Inició la tarea con su sobrino Rogelio Imhoff y llegó a tener un archivo importantísimo. El proyecto fue detenido por barreras burocráticas, lo que llevó a Paillet a un estado de fuerte depresión que lo condujo a destruir el ochenta por ciento del material acumulado. También prohibió la utilización de parte de su archivo aún después de su muerte.
Solamente quedaron unas doscientas placas disponibles, que se "salvaron del incendio" por ser imágenes no oficiales; imágenes tomadas "para él": gente anónima, gente amiga, lugares públicos y queridos.
Paillet tuvo una vejez retraída a causa de una sordera progresiva y su vida se extinguió en medio de un enorme ascetismo. Murió en Esperanza el 3 de noviembre de 1967.
Fernando Basilio Paillet nació en Esperanza, Provincia de Santa Fe el 27 de octubre de 1880. Hijo de Clotilde Insinger, esperancina de segunda generación, nieta de Peter Zimmermann, primer colono que murió en Esperanza y de Paul Eugene Paillet, belga, profesor de piano y canto. Desde muy joven se dedicó a la fotografía y en 1898 era empleado del Estudio Lutser, el más importante de la ciudad de Santa Fe. A comienzos del siglo se instaló en Esperanza como fotógrafo y continuó en la profesión hasta 1950.
Se convirtió en el fotógrafo más conocido y destacado de Esperanza, conservando esa posición durante más de veinte años. Su mayor ambición fue documentar la vida, costumbres y paisajes de Esperanza. Formó colecciones perfectamente organizadas de retratos de intendentes, jefes de policía, jueces de paz, damas de beneficencia y todo tipo de personalidades y gente anónima.
Paillet fue encargado de formar un Museo Histórico de Esperanza y un Museo de Bellas Artes con obras de creadrores de la ciudad. Inició la tarea con su sobrino Rogelio Imhoff y llegó a tener un archivo importantísimo. El proyecto fue detenido por barreras burocráticas, lo que llevó a Paillet a un estado de fuerte depresión que lo condujo a destruir el ochenta por ciento del material acumulado. También prohibió la utilización de parte de su archivo aún después de su muerte.
Solamente quedaron unas doscientas placas disponibles, que se "salvaron del incendio" por ser imágenes no oficiales; imágenes tomadas "para él": gente anónima, gente amiga, lugares públicos y queridos.
Paillet tuvo una vejez retraída a causa de una sordera progresiva y su vida se extinguió en medio de un enorme ascetismo. Murió en Esperanza el 3 de noviembre de 1967.
lunes, 8 de diciembre de 2014
Bán Sarolta
es una fotógrafa húngara (nacida en 1982 en Budapest) que realiza fotografía surrealista mediante la manipulación digital.
- Originalmente era diseñadora de joyas. Más tarde descubrió la foto manipulación digital y se convirtió en su pasión y actividad principal.
- Le gusta utilizar elementos ordinarios y al combinarlos puede darles varias historias y personalidades.
- Espera que el significado de sus fotografías no sea demasiado limitado, sino abierto a varias interpretaciones, de manera que cada espectador pueda entenderlas de una manera personal.
- Trabaja con numerosas fotografías para cada imagen, utilizando hasta 100 capas distintas. Puede estar trabajando en una de ellas unas pocas horas o varios días.
- Ha realizado portadas de discos y libros.
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