Copia a la albúmina

era un procedimiento fotográfico de positivado en papel, por contactoi directo, a partir de un negativo (generalmente de vidrio al colodión húmedo). Entre los años 1860 y 1890  fue el tipo de copia positiva más utilizada por los fotógrafos. Se empleó mucho para los retratos de estudio, en formato de tarjeta, y también para el tiraje de copias de vistas de ciudades, monumentos y obras de arte.

El papel a la albúmina lo inventó en 1850 blanquart evrard . Era preparado con clara de huevo (albumen o albúmina), que se aplicaba al papel, añadiendo también una sal como el bromuro de potasio. Una vez seco, el papel se introducía en una solución de nitrato de platay se dejaba secar nuevamente. El papel así sensibilizado se ponía en contacto con un negativo dentro de una prensa de contactos, y se exponía a la luz del sol varios minutos, hasta que la imagen tuviese la intensidad deseada. La imagen aparecía por ennegrecimiento directo, sin revelado químico. Seguidamente era necesario su fijado, virado y lavado final en agua.

Las copias a la albúmina correctamente procesadas y viradas al oro se han conservado en muy buen estado, presentando gran intensidad transcurridos más de 100 años. Sin embargo, muchas copias mal procesadas o almacenadas han sufrido una oxidación, que ocasiona desvanecimiento de la imagen. Por otra parte, la mayoría de las copias a la albúmina eran pegadas o montadas sobre cartones.

Para su conservación museística, las copias a la albúmina conviene archivarlas envueltas en papel de pH neutro. Y no deben exhibirse de forma permanente, sino solamente en exposiciones temporales, pues la luz va ocasionando una progresiva pérdida de densidad de la imagen.

Las copias sueltas, sin montar, son muy finas y se arrugan y enrollan fácilmente. Conviene transportarlas y exhibirlas enmarcadas en una orla o paspartú, también de cartón de pH neutro. Es por ello que se crearon formatos como la tarjeta de visita. Muchos museos, bibliotecas, archivos y coleccionistas conservan centenares o miles de copias a la albúmina del siglo XIX. Por ejemplo, la biblioteca nacional de España, el palacio real de Madrid o el archivo fotográfico Ruiz Vernacci., 

historia de la fotografia subacuática

En la década de los 1920, William Longley  estaba estudiando peces, y esto causo una intriga en él, ya que decidió fotografiarlos, en su hábitat natural con la toma de imágenes a color. Esto no había sido realizado previamente. El método utilizado por Longley consistía en fotografiar objetos estacionarios como corales, anémonas y abanicos de mar. Aun así, esto requería de una exposición de más de 10 segundos y las imágenes resultaban oscuras. Al no obtener el resultado deseado, Longley optó por utilizar polvo de magnesio, una substancia altamente explosiva, para iluminar con más claridad bajo el agua, y así poder obtener las imágenes con mayor iluminación y color. Una vez reveladas las imágenes, éstas presentaban a los peces de una manera sumamente clara y colorida.
Las primeras cámaras fotográficas para uso subacuático, y comercializadas para la venta, aparecieron hacia el año 1960. Se trataba de una pequeña cámara, que tenía como nombre calypshot  y en cuyo desarrollo y comercialización tuvo una participación imprescindible un hombre cuya vida ha estado siempre relacionada con el mundo submarino, Costeau . Era una cámara anfibia de construcción muy resistente, resistente a la inmersión en agua hasta 40 m, de visor independiente no réflex  y que producía error de paralaje  (i.e.,no se ve exactamente lo que se fotografía). Esto se conseguía gracias a unas juntas tóricas de estanqueidad, que impedían la penetración del agua por las zonas móviles y articuladas del cuerpo de la cámara y de los objetivos. Estas cámaras se mantuvieron a la venta, con distintas versiones modernizadas y bajo el nombre de serie “Nikonos” -que abarcó desde la serie I hasta la V- hasta el año 2002, en que dejó de fabricarse el último modelo de la saga, la Nikonos V  Aún actualmente se pueden encontrar estas cámaras en el mercado de segunda mano.

Aunque la Nikonos ha sido el emblema de las cámaras anfibias, no ha sido la única, y otras empresas también han fabricado cámaras de este tipo, como la motomarine  entre otras.
Con la aparición de la cámara reflex , se optó por una nueva solución. Construir cajas estancas (mediante juntas tóricas de estanqueidad) para introducir en ellas algunos modelos de cámaras réflex y poner en la superficie de la caja unos mandos que la atravesasen y nos permitiesen accionar los de la propia cámara fotográfica. Con esto se conseguían importantes avances en la realización de las fotografías, ya que además de la visión réflex (a través del propio objetivo de la cámara), se podían usar todos los automatismos que poseen estas cámaras y de los que carecían las cámaras anfibias. Esta es la forma en que se han venido realizando la mayoría de las fotografías subacuáticas, y aún se siguen haciendo actualmente, que se pueden ver publicadas en las revistas especializadas en temas submarinos.
Sin embargo, en los últimos años, la popularización de la fotografía digital y el submarinismo ha propiciado la aparición de una enorme cantidad de cámaras fotográficas digitales de formato compacto, para muchas de las cuales se vende como accesorio una pequeña caja estanca que permite su uso bajo el agua hasta las profundidades en que se suele practicar el buceo deportivo. La popularización de este sistema fotográfico nadie la pone en duda, debido en gran parte a las ventajas que presenta sobre la fotografía química . Entre ellas cabe citar:
- Capacidad de tarjeta de memoria frente a los 36 fotogramas;
- Visualización inmediata de la fotografía realizada en la pantalla TFT que poseen estas cámaras;
- Mejor respuestas en condiciones fotográficas de baja luminosidad, algo habitual bajo el agua, lo que permite realizar fotografías sin "flash" o "de ambiente

material fotosensible

El primer paso para fijar la imagen reproducida en la caja oscura sin tener que llegar a copiarla o plasmarla, a mano, ocurre en 1726, realizando una demostración de la investigación experimental sobre la sensibilidad a la luz del nitrato de plata, por el alemán J.H. Schulze.
El mérito de la obtención de la primera imagen duradera, fija e inalterable a la luz pertenece al francés Joseph Nicéphore Nièpce. (1765-1833).
Las primeras imágenes directas las logró utilizando placas de peltre (aleación de zinc, estaño y plomo) cubriéndolas de betún de Judea y fijadas con aceite de lavanda. Nicéphore utilizó una cámara oscura modificada e impresionó en 1826 con la vista del patio de su casa plasmando la primera fotografía permanente de la Historia. A este procedimiento le llamó heliografía. No obstante Nicéphore, no consiguió un método para invertir las imágenes, y prefirió comenzar a investigar un sistema con que obtener positivos directos. También tropezó con el problema de las larguísimas exposiciones.

Louis Jacques Mandè Daguerre, veinte años más joven que Nièpce y famoso pintor, estaba interesado en la forma de fijar la luz con su cámara oscura y al enterarse de los trabajos de Nièpce le escribió para conocer sus métodos, pero éste se negaba con evasivas; tras visitarle varias veces e intentar convencerlo para asociarse, dio por inútiles sus intentos y se lanzó a investigar tenazmente.
En 1835 Jacques Daguerre publicó sus primeros resultados de su experimento, proceso que llamó Daguerrotipo, consistente en láminas de cobre plateadas y tratadas con vapores de Yodo. Redujo además los tiempos de exposición a 15 o 30 minutos, consiguiendo una imagen apenas visible, que posteriormente revelaba en vapores calientes de mercurio y fijaba lavando con agua caliente con sal. El verdadero fijado no lo consiguió hasta dos años más tarde. Algunos de los daguerrotipos que produjo se conservan aún en la actualidad.

Fotografia Estereostópica

La fotografía estereoscópica nace de la mano de la fotografía común. En 1838 Sir Charles Wheatstone publicó un artículo en el que describía la visión estereoscópica. Este descubrimiento pudo aplicarse pronto al nuevo invento de moda en la época.
Se basa en la visión humana y en la separación de, aproximadamente, 65 mm. que existe entre nuestros ojos. Éstos reciben cada uno una imagen diferente que el cerebro une creando el efecto de tridimensionalidad.
Las cámaras estereoscópicas de la época tenían dos objetivos que impresionaban las placas sensibles con dos imágenes diferentes. Este tipo de cámara fue perfeccionada y comercializada por Sir David Brewster en 1851.
Para conseguir la visión en tres dimensiones se inventó un aparato llamado estereoscopio. Con él se ponen las fotografías una al lado de otra y pueden ser vistas de manera que el cerebro las integre en una sola.
Los grandes estudios y fotógrafos como J. Laurent o Roger Fenton pusieron de moda este tipo de fotografía.
El grueso de estas imágenes data de finales del siglo XIX y llegan hasta 1910 aproximadamente. La mayoría de ellas muestra animales exóticos, mamíferos poco conocidos, paisajes, etc. Personajes como La Reina Victoria de Inglaterra fueron retratados con este sistema. La mayor producción de fotografías estereoscópicas estaba en Nueva York, Berlín y Londres.
Existen muchas técnicas distintas para lograr hacer llegar cada imagen al ojo que le corresponde. En la creación de estas sensaciones espaciales intervienen aspectos tanto de la visión monocular como de la visión binocular. Éstas características son potenciad artificialmente para conseguir "recrear" la denominada tercera dimensión.
Las técnicas básicas que no requieren ningún aparato son: la de ojos cruzados (cross eyed) y la de ojos paralelos (parallel eyed), en estas simplemente se ponen en la pantalla o papel las dos imágenes, correspondientes a cada ojo una al lado de la otra; para la técnica de los ojos cruzados la imagen izquierda corresponde al ojo derecho y viceversa, en la técnica de los ojos paralelos la imagen de la izquierda corresponde a ese mismo ojo y viceversa. Para lograr que cada ojo vea la imagen que le corresponde se requiere de algo de entrenamiento, que puede durar varios minutos, al principio se ve borroso porque el ojo usa un enfoque lejano, esto se puede mejorar alejándose de la imagen -pueden intentar con la imagen al inicio de esta página al lograrlo la mano que apunta pareciera salirse de la pantalla-. Ya con la vista entrenada se logra ver el efecto de forma instantantea y sin ninguna borrosidad, lo que en principio es banstante impresionante, claro que depende de lo que se esté viendo. Entre las ventajas de esta técnica están en que la imagen estereoscópica se ve en color verdadero y que se pueden ver imágenes o videos de cualquier tamaño.

Sin embargo, para el que no lo logre hay otras formas muy económicas para ver el efecto, se puede usando dos prismas como los que traen los binóculos por dentro, colocando los extremos de 90 grados en frente uno del otro y mirando con cada ojo a través de cada prisma, con los lados más largos perpendiculares a donde estén desplegadas las dos imágenes para cada ojo. Luego tratar de cambiar el ángulo de los primas de forma tal que las imagen de un lado quede sobrepuesta a la del otro, inicialmente se ven dos imágenes en cada ojo pero cuando se sobreponen a pesar de que el ajuste no sea exacto en sistema de corrección del ojo hace su trabajo y mantiene la sobreposición a pesar de que el ajuste tenga algo de error, como resultado se ven solo tres imágenes donde la del centro da la ilusión de salirse de la pantalla y de ser algo real. Lo mismo se puede hacer con dos espejos pequeños así: colocándose mirando alrededor de 45 grados de la pantalla y mirando a través de los espejos buscar la superposición para lograr el efecto. También se puede ver el efecto usando un solo espejo grande poniéndolo en la intersección de las imágenes correspondientes a cada ojo, y mirando directamente a una de las imágenes y a la otra a través del espejo, sin embargo se requiere que la una imagen este invertida para que al verla por el espejo se vea correctamente(en YouTube se pueden encontrar varios videos 3d que usan estas técnicas). Existe además un aparato basado en esta misma técnica pero algo más refinado llamado estereoscopio que consta de dos espejos para cada ojo, para que las imágenes no se vean invertidas, y que tiene un pivote de ajuste dependiendo de la distancia y el tamaño de las imágenes, construir un dispositivo de estos es bastante fácil.
Existen además otras tres técnicas principales que permiten simular el efecto estereoscópico (3D): método anaglifo, sistema Cromatek y efecto Pulfritch:

El grupo f/64

De California, formado por fotógrafos como Paul Strand, Ansel Adams, Edward Weston, Imogen Cunningham, Willard Van Dyke, Henry Swift y Sonya Noskowiak,el nombre del grupo indica el diafragma más cerrado que podían utilizar esta gente con sus cámaras, por lo tanto más nitidez, realismo, pureza, el detalle,
f/64 promovía la práctica de la fotografía , sin intervenciones, en oposición al pictoralismo. La propuesta de f64 para la fotografía artística está sintetizada en el propio nombre del grupo: el diafragma más cerrado de la mayoría de los objetivos fotográficos de las cámaras de gran formato que utilizaban los integrantes de este grupo, que da como resultado una imagen de máxima nitidez.
Al respecto, Edward Weston diría:

Deseo presentar la belleza pura que un objetivo puede reproducir con toda exactitud, sin interferencia del "efecto artístico".

Los movimientos de fotografía pura se oponían tanto a las contradicciones del pictorialismo, como a la experimentación que realizaban las Vanguardias  con la fotografía. Los artistas de f64 creían que la creación de la fotografía debía limitarse a los medios estrictamente fotográficos concebidos dentro de los parámetros del realismo; desacreditando toda mixtura de técnicas que cuestionara la "pureza" de la obra fotográfica. Se esforzaron por desarrollar procedimientos fotográficos innovadores, siendo el más importante el sistema zonal desarrollado por Ansel Adams.

Partidarios de la fotografía directa, es decir, no manipulada, sus fotografías más importantes se caracterizan por su gran profundidad de campo, su realismo, la composición, y el control de las zonas.

En su manifiesto, los integrantes de f/64 explicaban la relación entre el nombre y la estética que proponían, así como su modo de funcionamiento y expectativas respecto de su función en el medio cultural de la costa Oeste de Estados Unidos, y el resto del país.

El nombre de este grupo se deriva del número de diafragma de un lente fotográfico. Significa ampliar las calidades de claridad y definición de la imagen fotográfica, lo cual es un elemento importante en la obra de los miembros de este Grupo.

El objetivo principal del grupo es presentar muestras con frecuencia que se consideran lo mejor de la fotografía contemporánea del Oeste; y en suma a la exhibición de la obra de sus miembros, incluirá obra de otros fotógrafos que evidencien tendencias similares a las de este Grupo.

El grupo f/64 no pretende cubrir el espectro completo de la fotografía o indicar a través de su selección de miembros alguna opinión despectiva respecto de aquellos fotógrafos que no están incluidas en sus muestras. Hay una gran cantidad de trabajadores serios en la fotografía, cuyo estilo y técnica no están relacionados a los objetivos de este Grupo.

f/64 limita sus miembros y autores invitados a aquellos trabajadores que están pujando por definir la fotografía como una forma artística por la simple y directa presentación, usando puramente métodos fotográficos. El grupo no mostrará en ningún momento obras que no se atengan a la fotografía pura. La fotografía pura es definida como aquella que no posee características técnicas, compositivas o ideas, derivadas de alguna otra forma artística. La producción de los pictorialistas, por otro lado, indica una devoción a ciertos principios artísticos que están directamente relacionados con la pintura y las artes gráficas.

Los miembros de f/64 creemos que la fotografía, como una forma artística, debe desarrollarse sobre líneas definidas por las características y limitaciones del medio fotográfico, y debe siempre mantenerse independiente de convenciones ideológicas de arte y estética que son reminiscencias de períodos históricos y culturas que antecedieron al desarrollo del medio en sí mismo.

El grupo agradecerá información relacionada con cualquier obra fotográfica seria que haya escapado a su atención, y se inclina a establecerse a sí mismo como un Foro de Fotografía Moderna.

1777

el sueco carl wilchen scheele  publica su tratado sobre las sales de plata y la acción de la luz, en latín y alemán; en 1780  en inglés, y un año más tarde en francés. En el estilo de las pinturas de artistas exitosos de este siglo como canaletto  parece evidente el uso como herramienta de la cámara oscura. Una cámara de este tipo que tiene grabado el nombre de Canaletto, se conserva en venecia  aunque no está confirmado que efectivamente perteneciera al artista.

Artistas que comercializaban con éxito retratos, como el de  maximiliam robespierre, hacían uso de todo tipo de instrumentos para lograr trabajos casi perfectos. La silueta, un invento derivado del teatro de sombras chinas, se empezó a usar en Francia a mediados del siglo XVIII, como método rápido, económico y automático para hacer retratos de la creciente clientela burguesa que no podía pagar los retratos tradicionales pintados, ni las miniaturas que por esa época estaban de moda entre la nobleza. La silueta era un retrato de perfil, que se hacía copiando el perímetro de la sombra de una persona sobre un papel negro, que luego se recortaba con muchísimo cuidado, para montarse finalmente en otro papel blanco.
En esa misma línea evolutiva, sobre fines del siglo XVIII aparece el fisionotronazo para hacer perfiles, inventado por gilles louis. Estos inventos han sido denominados por Gisèle Freund como "precursores ideológicos" de la fotografía  en tanto representan los esfuerzos de muchos investigadores y artistas de Europa sobre fines del siglo XVIII y principios del XIX, de dar respuesta a una necesidad social en la burguesia  ascendente: tener una forma de representación objetiva, mecánica, económica y rápida. El retrato de personas fue, desde entonces, el principal motor de las innovaciones técnicas que la fotografía incorporó durante todo el siglo XIX.

Hércules Florence

El mismo año de la muerte de Niépce, en la villa de Sao Carlos ( Hoy Campinas), estado de Sao Paulo en Brasil, Hércules Florence utilizaba ya un procedimiento de su invención que había bautizado Photographie. Nacido en Niza en 1804, Florence, después de demostrar sus dotes para el dibujo y las matemáticas, movido por su interés por la geografia y los viajes, dejó Francia y embarcó hacia Brasil en 1824 . Después de desempeñar distintos trabajos, llegó al estado de Sao Paulo en 1830 donde moriría en 1879.
Florence es un caso típico de investigador autodidacta que inventa la zoophonie, estudio de las voces animales, preconiza la creación de un sexto orden arquitectónico inspirado en las palmeras brasileñas, pero fundamentalmente busca la posibilidad de reproducir fácil y económicamente textos e imágenes, lo que le permitiría alimentar a su familia que llegó a contar con veinte vástagos.
Junto con sus sistemas de poligrafia idea en 1833 la fotografía, que le permite fijar imágenes de la cámara oscura, multiplicar escritos y dibujos por la acción de la luz en papel tratado con nitrato de plata. Idea también una emulsión sobre placa de cristal y aplica principalmente su producción en papel fotosensible para realizar diplomas masónicos y etiquetas de botica.

Habría que esperar la labor de rescate de Boris Kossoy en 1976 y la publicación de la primera edición de su libro Hércules Florence de 1833: a descoberta isolada de fotografia no Brasil para dar a conocer el caso de este inventor aislado en tierras americanas que escribió al final de su vida:
" Cuando en 1939 tuvo lugar el invento de Daguerre, dije para mis adentros: si hubiese permanecido en Europa, se hubiese reconocido mi descubrimiento"

La fotomecánica en España

En España, aunque los talleres tardaran un tanto en implantar los nuevos procedimientos, no dejaron de despertar vivo interés los resultados obtenidos en el extranjero.
Una serie de reproducciones de testos antiguos en fac simil marcaron las primeras producciones zincográficas. Antonio Selfa montó un taller en Madrid en 1863 y, dos años después, se fundó la Sociedad fotozincográfica por iniciativa del coronel Francisco López Fabra.
En 1871 éste emprendió la publicación fac simil de la edición príncipe del Quijote, mediante el apoyo de una asociación presidida por Eugenio Hartzenbush.
En 1873 los esfuerzos reunidos del fotógrafo Heribert Mairezcurrena junto con Josep Thomas, Joan Serra y Miguel Joarizti implantaron en Barcelona la Sociedad Heliográfica Española.

En la misma ciudad se multiplicaron los talleres y hasta bien entrado nuestro siglo, en las principales empresas figuraron los nombres de Labielle, Thomas, Joarizti, Mariezcurrena, Rivas, Montaner y Simon que jalonan una producción cada vez más intensa.
A partir de 1881, empiezan a salir reproducciones fotomecánicas directas en la prensa ilustrada.
La ilustración dirigida por Luis Tasso y la ilustración ibérica son publicaciones punteras. En 1882 aparece en la ilustración una vista reproducida mediante un procedimiento original de Joarizti y Mariezcurrena. En Madrid la ilustración española y americana publica su primer grabado Meiensebach en 1883 pero tardará en adoptar los nuevos procedimientos.
Blanco y Negro publicó en 1912 su primera reporducción fotografica en color. En 1889 J. Laurent abre un taller de fototipia que divulgará profusamente el contenido de un archivo fotográfico con la mención " fotografía inalterable". Hauser y Menet, junto con Laurent destaca entre las empresas madrileñas. La fotomecánica se apoderó paulatinamente de todas las empresas nacionales.

la reliefografía

En 1939, Maurice Bonnet presentó su procedimiento, inspirado en trabajos anteriores, especialmente de Berthier ( 1896) Lippman ( 1908) y Estanave ( Hacia 1930) todos ellos basados, aunque por dinstintos derroteros, en la idea de fotografía integral de Lippmann, y en la utilización de un selector que permite dosiciar la imagen y recomponerla después.
La reliegografía de Bonnet permite obtener una serie de imágenes de un mismo modelo ( dos perfiles y frente) mediante una cámara que se desplaza sobre un riel o mediante una cámara provista de una hilera de objetivos, de modo parecido al sistema de Muybridge para descomponer el movimiento. A estas imágenes se aplica una red selectiva lenticular constituida por una superficie plástica transparente que consta de estrías minúsculas, a través de las cuales el espectador selecciona la visión en una infinidad de ángulos distintos y sucesivos.

Este sistema nos es familiar por un tipo de postales o anuncios en los que aparece, por ejemplo un personaje que, según el ángulo de visión, se rié o está serio o abre y cierra los ojos. En este caso, la superficie selectora, más que devolver una impresión de relieve, da idea de movimiento porque es el sujeteo el que cambia de postura o de expresión.

La cámara fotográfica

La cámara fotográfica o cámara de fotos es un dispositivo utilizado para capturar imágenes o fotografías. Es un mecanismo que se utiliza para proyectar imágenes en el que una habitación entera desempeñaba las mismas funciones que una cámara fotográfica actual por dentro, con la diferencia que en aquella época no había posibilidad de guardar la imagen a menos que ésta se trazara manualmente.

La cámara fotográfica se ha usado desde el renacimiento. Se conocía como cuarto oscuro, y consistía en una cámara oscura con un orificio muy pequeño en la parte frontal, enfrentando al sujeto que se encontraba fuera de ella. 
 El instrumento que dio origen a lo que hoy conocemos como cámara fotográfica, fue la cámara oscura. Inicialmente, éste instrumento, fue utilizado por los astrónomos de su época siglo XIV.

La cámara oscura tenía una forma de una caja cerrada con un agujero, por donde la luz se introducía, proyectando una imagen en el interior. Este principio fue aprovechado por algunos pintores, debido a que les facilitaba la elaboración de diferentes trazos, incluso, imágenes completas.

Con el transcurso de los siglos la cámara oscura evolucionó y se convirtió en una pequeña caja manejable y al orificio se le instaló una lente óptica para conseguir una imagen más clara y definida

Ambrotipia

o amfitipia es un proceso fotográfico que crea una imagen en positivo directa en una placa de cristal, mediante el proceso del colodión húmedo Lo patentó en 1854 james ambrose  en los estados unidos. El colodión húmedo había sido inventado unos pocos años antes por frederick archer , pero Cutting lo utilizó para obtener una imagen positiva en lugar de un negativo.

George Eastman y la fundación de la Kodak

 En Rochester, estado de Nueva York, George Eastman, empleado de banca, se dedicaba por la noche a experimentar la aplicación de gelatina sensible sobre placas de cristal. En 1879 , patento en Inglaterra una máquina de su invención que aplicaba el gelatino bromuro de manera homogénea. En 1880, patentó su invento en Usa. La casa Antony empezó a distribuir placas secas de Eastman y el precio de las cámaras bajó sensiblemente: Una cámara de formato cuatro por cinco inches con trípode, objetivo y 12 placas Eastman se vendía por 12 dólares con veinticnco centavos.
En 1991, Eastman abandonó su puesto en la banda para dedicarse por entero a su incipiente industria fotográfica. Sustityó la placa de cristal por el papel y, en 1999, sacó la primera cámara Kodak 100 vistas con rollo de papel . Los fotogramas, circulares, medían unos cinco centímetros de diámetro. La máquina se entregaba cargada y, una vez impresionadas las cine vistas, el fotógrafo aficionado mandaba la cámara a la fábrica, donde se procesaba el rollo y se devolvía al cliente la cámara nuevamente cargada, acompañada del negativo revelado y de las copias positivas, todo por 10 dólares. La máquina costaba 25 dólares.
You press the botton, we do the rest ( usted aprieta el botón, nosotros hacemos el resto), el lema de la nueva marca, resumía la gran idea comercial que ponía la fotografía al alcance de todos. En 1889, el rollo de papel fue sustituido por uno de celuloide: el carrete de película había nacido.

En 1890, la Kodak número 2 permitía sacar 140 vistas de 9 cm de diámetro. En 1895, salió la kodak pocket, que se podía cargar y descargar a la luz con un carrete de 12 vistas; costaba cinco dólares. En 1900, la kodak, número 5, plegable, contaba con un objetivo de tres diagragmas y varias velocidades. el mismo año apareció la kodak brownie, con seis visitas, que valía un dólar e iba destinada a los niños.
Con el siglo XX, ya funcionaba a gran escala la mayor industria fotográfica, anunciando la multinacional que es en la actualidad. El gran acierto de Eastman fue juzgar la baza del aficionado; su dedicación a la divulgación popular permitió más adelante a la firma figurar en la vanguardia de las investigaciones más sofisticadas, costeadas por la seguridad de disponer de un inmenso mercado.

La fotoescultura

Intento sin provenir tan sólo mencionaremos el sistema ideado hacia 1860 por el escultor Francois Willeme. Consistía en sacar simultáneamente 24 fotografías del modelo con sendas máquinas colocadas a su alrededor. Los 34 clichés, proyectados y restituidos al pantógrafo. Permitían modelar 24 aspectos del personaje que luego se reconstituían en una sola escultura, hasta 1920, aproximadamente, prosiguieron los intentos de fotoescultura en Usa y Japón.

Helioplastia

La woodburytipia (photoglyptie en francés, y woodburytype en inglés), también conocida como fotogliptia, es un proceso de impresión fotomecánica creado en  1864  por  Walter Woodbury que se estuvo utilizando en la impresión de libros de ilustraciones y fotografías hasta 1900
Está basado en el descubrimiento de  Alphonse Poitevin de la capacidad de la gelatina, cuando se ha sensibilizado a la luz mediante un dicromato, de ser insoluble en agua después de la exposición a la luz solar , o a los rayos uv, proceso que algunos autores han denominado «helioplastia». Una vez expuesta la placa bicromatada por contacto  con el negativo, se lava con agua caliente y se deja secar. La placa queda con cierto relieve y entonces se presiona sobre una lámina de plomo con una presión de 350 kp /cm², obteniéndose la plancha de impresión , que consiste en un molde en la que las partes oscuras tienen más profundidad. Finalmente se añade gelatina pigmentada a ese molde y se presiona sobre un papel, con lo que se consigue la copia. Con la plancha se pueden realizar numerosas copias, pero se trata de un proceso lento de impresión, por lo que, a pesar de proporcionar gran calidad en los valores, especialmente se abandonó a principios del siglo 20.

1777 en la fotografía

el sueco  carl wilhelm scheele  publica su tratado sobre las sales de plata y la acción de la luz, en latín y alemán; en 1780  en inglés, y un año más tarde en francés. En el estilo de las pinturas de artistas exitosos de este siglo como  canaletto  parece evidente el uso como herramienta de la cámara oscura. Una cámara de este tipo que tiene grabado el nombre de Canaletto, se conserva en venecia , aunque no está confirmado que efectivamente perteneciera al artista.

Artistas que comercializaban con éxito retratos, como el de maximilien robespierre   hacían uso de todo tipo de instrumentos para lograr trabajos casi perfectos. La silueta, un invento derivado del teatro de sombras chinas, se empezó a usar en Francia a mediados del siglo XVIII, como método rápido, económico y automático para hacer retratos de la creciente clientela burguesa que no podía pagar los retratos tradicionales pintados, ni las miniaturas que por esa época estaban de moda entre la nobleza. La silueta era un retrato de perfil, que se hacía copiando el perímetro de la sombra de una persona sobre un papel negro, que luego se recortaba con muchísimo cuidado, para montarse finalmente en otro papel blanco.
En esa misma línea evolutiva, sobre fines del siglo XVIII aparece el fisionotrazo para hacer perfiles, inventado por gillies chrietien  Estos inventos han sido denominados por Gisèle Freund como "precursores ideológicos" de la fotografía, en tanto representan los esfuerzos de muchos investigadores y artistas de Europa sobre fines del siglo XVIII y principios del XIX, de dar respuesta a una necesidad social en la burguesía ascendente: tener una forma de representación objetiva, mecánica, económica y rápida. El retrato de personas fue, desde entonces, el principal motor de las innovaciones técnicas que la fotografía incorporó durante todo el siglo XIX.

Scott Archer y el colodión húmedo

En Marzo de 1851, la revista inglesa the chemist publica una nota referente a los trabajos de sir frederick scott archer, escultor y fotografo que proponía un método al colodión perfectamente experimentado.
Al año siguiente, fry y bingham, otros dos investigadores pretendierojn la prioridad rn rl rmplro frl ptofuvyo, y Fox talbot pretendió también que se trataba de un plagio del calotipo por basarse el método en el paso de un negativo a un positivo. Este invento, más que mero progreso preresentaba un paso decisivo en el desarrollo de la fotografía, al permitir acercarse a la imagen instananea, con una exposición 15 veces inferior a la del daguerrotipo más perfeccionado. No supuso ninguna ventaja para scott archer que murió joven, en 1957 y en la miseria.

Introducido en Francia por Brebisson y Bingham, el empleo del colodión húmedo se propagó rápidamente sin que le gray pudiera obtener reconocimiento de su aportación a la materia. Gustave Le Gray queda cómo uno de los máximos utilizadores del colodión, con sus instantaneas de oleajes, alrededor de 1855.

documento fotográfico

cabe distinguir entre los informadores gráficos y los autores dedicados a recabar testimonios sociales y antropológicos sin atenerse a la inmediatez de la noticia. Aunque los primeros ofrecen, muchas veces, buenas aportadaciones en el campo documental, conviene reparar en los fotografos, que buscan el documento de manera más selectiva, casi siempre con inqieutudes de tipo estético. Sin caer, sin embargo en el tópico de los pictoralistas. Entre estos está Raoul Hausmann, con su producción ibicenca, o las impresiones de viaje del joven cartier- bresson, sin olvidar lo mejor de alfonso. También se pueden citar obras de Camapaña bandranas y algunas entrañables escenas de luis escobar. José suarez, fue un excelente documentalista, sus fotografias empezaron a publicarse en vida gallega en 1921. Hombre de culto, Suárez compagino la práctica de la fotografía con su actuación profesional en cortos cinematográficos para la productora cifesa. En 1935 expuso en el círculo de bellas artes después de un largo exilio regresó a España en 1956, trayendo documentos sobre ese país y sobre japón. Entre otras publicaciones de jose suarez se señalara una colección de vistas de Salamanca prologada por miguel Unamuno en 1932.

mariñeiros galegos, foto de José Suarez.

La prensa ilustrada desarrollada en los años treinta afinazó a fotógrafos cómo alfonso, campúa, merletti, brangulí u otros. Surgieron nuevos profesionales, entre ellos agustín centelles, que demostrarían su capacidad durante la guerra. La información teatral y deportiva queda abundamente ilustrada en la prensa, sin olvidar una rama muy específica, la fotografía taurina, hasta hace poco sin estudiar. En este campo  también aunque más adelante jose suarez tendría su aportación con un libro publicado en Inglaterra.

daguerrotipo madrileño

Comenzaba el año 1839 en una Francia todavía bajo la monarquía de Luis Felipe I y a punto de ser el centro de un importante acontecimiento para el mundo de la Fotografía. El día 7 de enero un diputado de la oposición , François Arago, será el encargado de la presentación en la Academia de Ciencias de París de un invento debido al químico y litógrafo Nicéphore Niépce y al  pintor e inventor del Diorama Louis Daguerre, asociados desde finales de 1829 en el empeño de perfeccionar una técnica sobre la que ambos venían trabajando anteriormente y que terminaría dando lugar a lo que aquel 7 de enero se presentaba: el Daguerrotipo.
Se cita a Joaquín hysern, en el periódico el corresponsal.Hysern estuvo involucrado en esta primera toma y lo viene a corroborar otro indicio: el hallazgo en 1980 de lo que fué el primer daguerrotipo madrileño. Fue realizado en en Madrid el 18 de noviembre de 1839, representaba el palacio de oriente, desafortunadamente destruido, se hallaba en la facultudad de farmacia.
Paso en 1941, a la facultad de la ciudad universitaria, sufriendo varios deteriorosos sucesivos, debidos a roturas de cañeria, quedó destruida por una inundación en el 78, quedando tan sólo el marco y el cartón que le servía de fondo, se conservo la transcripición de lo que llevaba escrito el cartón , en parte borrado, a lápiz decía: autofgrafo de don mariano de la paz y ( sic) graells y con tinta:
la primera prueba daguerrotípica hecha en españa por los señores Graells, jose y capz y el señor pou y camps, en el 1837.

el primero se destruyó por desgracia, este es un daguerrotipo posterior, realizado en  1854

montajes y postales

paralelamente a este movimiento artísitco mundial y a la democratización de la fotografía al alcance de los aficionados, la tarjeta postal que emepzó en el siglo 19 con estampas litográficas, mercerd a procedimientos fotomecánicos, se apodera de la fotografía reproduciendo paisajes y monumentos e inundando el mercado con esas producciones con pretensiones artísticas que todos conocemos, con parejas de enamorados, cestos de flores y niños engalanados con lazos. Bajo el título de picardías fotograficas la revista madrid científico nos da una idea de los trucos apreciados por el público:
" todos hemos visto los retratos, ya pasados de moda, en que un caballero aparece metido dentro de una botella o llevando su propia cabeza en una carretilla o luchando consigo mismo , sea eal quieto y sesegado tute o a la movida esgrima.
Tales trucos ya un tanto desprestigados según el articulista, tuvieron vida durarera.

visión estereoscópica

Inspirándose en conocimeintos que provienen de la antiguedad , con los trabajos de Euclides y de Galiano, Leornado da vinci explicó el fenómeno de la visión bonocular cuya síntesis ofrece la sensación de revisión binocular cuya síntesis ofrece la sensación de relieve, al igual que la doble percepción del sónido estereofónico se logra por medio de la síntesis auditiva. En el silog 16, Della Porta estudió a su vez el fenómeno.
El físico inglés charles wheatstone fue el primero en idear un aparato para proporcionar la visión del relieve. Era el estereóscopo, que presentó en Londres en 1838 . El aparato permitía la visión correspondientes a los 65 mm de distancia que hay entre los ojos. SIn la aportación de la fotografía, todo ello no hubiese pasado de ser un experimento óptico, dada la dificultad de realizar a mano dibujos con la visión dosciada de cada ojo.

A sir David Brewster físico escocés e inventor del caleidoscpio, se debe el propósito de obterner imágenes estereoscópicas por medio de la fotografía. Sus primeros intentos en este campo datan  de 1844. Cinco años después de la divulgación del deguerrotipo, Brewster que estaba relacionado con Talbot, pudo adaptar sus trabajos a la técnica fotográfica.
Tras haber pretendido en vano, interesar a los ópticos británicos, se dirigio a París, donde el abate Moignot y los ópticos solei y dubosq acogierón sus experimentos. El aparato construido por Duboscq cosechó grandes éxitos en en la exposición universal de Londres de 1851, dónde la reina Victoria recibió un ejemplar de lujo que supuso una excelente publicidad para el invento.
Después de haber realizado las dobles vistas, con una cámara cuyo objetivo se desplazaba horizontalmente sobre una plancha graduada, a partir de 1849 lo sistituyó por brewster por una cámara binocular que al sacar sincrónicamente lad dos imágenes permitía realizar retratos estereoscópicos.

La técnica esteroscípica evolucionó a lo largo de la segunda mitad del siglo, adaptándose a las mejores sucesivas de los procedimientos del estereodaguerrotipo al veráscopo de Richard que tuvo gran aceptación en el siglo 20, hubo múltiples variantes del invento de Brewster. El empleo de la placa de cristal que permitía la visión de imágenes transparentes fue decisivo. Muchos fotógrafos del siglo 19, y de principios del siglo 20 realizarón vistas esteroscípicas. El gran aficionado que fué Santiago Ramón y Cajal, utilizó mucho la cámara binocular. Hasta hace poco se siguieron utilizando los populares aparatos denominados view master.