fotos ganadores de premios

otra foto ganadora de premio.

vr 340

Esta compacta digital VR-340 de Olympus cuenta con un sensor CCD de 16 megapíxeles y un objetivo gran angular de 24 mm.
Gracias a su zoom óptico 10x, podrás realizar excelentes primeros planos y extraordinarias y fotos  de grupo ricas en detalles sin necesidad de recular..

La VR-340 tiene un doble estabilización : mecánica y digital. Su procesador
Truepix III pone a tu disposición sus funciones de reducción de ruido y de compensación de distorsiones.

Esta cámara Olympus responde a todas las necesidades y situaciones con sus 14 modos de escena y sus 7 filtros artísticos. Su gran pantalla LCD de 3 pulgadas te permite acceder rápidamente a todas las funciones de la cámara

iñaki relanzón

Iñaki Relanzón es un fotógrafo catalán (nacido en Barcelona en 1972) que lleva fotografiando la naturaleza desde hace casi 20 años. Sus imágenes han aparecido en publicaciones de prestigio internacional, como National Geographic, Geo, Audubon, Altair, Pyrénées, Sierra Madre (México), Integral, Natura, Biológica, Altaïr, Geo y Lonely Planet.
En 1997, obtuvo tres galardones en el Wildlife Photographer of the Year, el concurso de fotografía de la naturaleza más prestigioso del mundo. Y en el 2002 fue premiado por la Mejor fotografía de naturaleza del año, por la Asociación española de fotógrafos de la naturaleza.  

positivado y ampliación

paso a paso:
1= manejar con cuidado los negativos: los negativos son irrepetibles, manejarlos por los brodes y protejerlos del polvo, líquidos, etc.
2) el papel fotográfico es sensible a la luz blanca: guardarlo siempre en la caja y recojerlo antes de dar a la luz en el laboratorio.
3) mantener el revelador a 20 centígrados: colocar la cubeta en otra mayor con agua a la temperatura adecuada.
4) revelar durante el tiempo indicado: para alterar el resultado, actuar sólo sobre la exposición.
5) para hacer contactos, películ, papel deben estar en contacto emulsión contra emulsión: la superficie de la emulsión es cóncava, mate en la película brillante en el papel.
6) en el laboratorio, limpieza total, elimando cualquier partícula de polvo
7) hacer una tira de prueba para cada copia: elijir en la tira de prueba la exposición antes de hacer la copia, la prisa se traduce en pérdida de tiempo y de materiales caros.
8= estudiar cada copia al terminarla: la ampliación no sólo agranda las fotos, también revela los errores que pueden corregirse.

revelado en blanco y negro

paso a paso:
1) carga en obscuridad completa: comporbar la estanqueidad a la luz encerrándose durante cinco minutos, si al cabo de este tiempo ve algo, no es perfecta.
2) toque la película solo por los bordes: antes, durante y después del proceso la película es muy sensible a las huellas, el polvo, etc.
3) cuatro variables básicas del proceso temperatura de 20 centígrados, sumerjirlo en recipientes y el tanque en agua a esta temperatura.
tiempo: según el revelador
agitación; demasiado o demasiado poca causarán un revelado desigual.
revelador: comprobar la dilución, y si no es de tirar, el número de películas tratadas.
4) lavar y secar completar y con cuidado: los baños, el polvo y la arenilla pueden arruinar los negativos definitivamente.
5) lavar y secar el instrumental después de usarlo: el tanque y la espiral tienen que estar limpios y secos antes de tratar más películas.

fotografia nocturna

video sobre fotografia nocturna, una tutorial de 6 minutos.

jon uriarte

Jon Uriarte es un fotógrafo vasco (nacido en Hondarribia, Gipuzkoa, en 1980, vive y trabaja como profesor de fotografía en Barcelona) que realiza fotografía conceptual trabajando entorno a los límites de la identidad y de la propia fotografía.

Al margen de la fotografía comercial, desde sus inicios como estudiante, ha desarrollado su propio trabajo fotográfico y ha expuesto en diversos centros y galerías de arte, tanto en muestras colectivas como individuales, entre los que destacan La Casa Encendida de Madrid, el Koldo Mitxelena de Donostia, el Studio 304 de Nueva York, el centro HBC de Berlín y la Sala d’Art Jove de Barcelona.

En la serie Album, Jon investiga el objeto que más ha potenciado la fotografía a lo largo de la historia y el que, a la vez, ha sido siempre relegado a la esfera de lo amateur y de lo puramente anecdótico: el álbum de familia. Usándose a sí mismo como conejillo de indias y a partir de las imágenes que conforman su álbum familiar, el autor nos conduce a una nueva dimensión visual: la del recuerdo sin rostro. Registros temporales que con el cuidadoso retoque se convierten en imágenes fantasmagóricas. Escenas normales que con esta simple acción nos reclaman una nueva forma de aproximación a estos registros temporales.

En la serie The men under the influence con retratos de hombres vestidos con la ropa de sus parejas, realizados en sus espacios compartidos, incide en el reciente cambio de roles en las relaciones de pareja heterosexuales. Busca representar la sensación de pérdida de referencias por parte del hombre cuando se relaciona con mujeres que han dado un paso mas allá conquistando, por fin, un espacio propio y cómo ese triunfo por parte de ellas, crea una sensación de extravío en ellos.

dire straits " brothers in arms"

Brothers in Arms es el quinto album  de la banda británica dire straits , lanzado en 1985  En los casi tres años que separan este trabajo de su anterior álbum de estudio, la banda había publicado un disco directo y un EP con tres canciones. Asimismo, en este pequeño lapso de tiempo la banda había sufrido varios cambios: la alineación final quedaría fijada en seis miembros (dos tecladistas, dos guitarras, un bajo y un batería), con una larga lista de músicos de estudio que apoyarían la grabación, entre los que figuraba sting  Esta estructura se mantendría constante en los posteriores trabajos de la banda, así como en los discos de mark knopfler  en solitario. Durante la posterior gira del grupo en 1988,eric clapton  colaboraría con la banda como guitarra rítmica.
El sonido era mucho más sencillo que el de su anterior trabajo, love over gold , pero mucho más elaborado que sus primeros álbumes. Brothers In Arms supondría el lanzamiento de la banda al status de superestrellas, alcanzando los 29 millones de copias vendidas. Supone el tercer disco más vendido en la década de los ochenta y ocupa la decimosegunda posición en el ranking de álbumes más vendidos de toda la historia.

Brothers in Arms fue álbum pionero en la publicación de material fonográfico en formato compact disc  y uno de los primeros en ser grabados exclusivamente de forma digital. Asimismo, fue publicado en vinilo  y en casete . Además, supuso el primer álbum en vender un millón de copias en el recién creado formato CD.
Entre las canciones, el vídeo musical de "Money for Nothing" fue uno de los primeros en ser emitidos en la cadena de televisión mtv . El tema "Walk of Life", número 2 en las listas de éxitos británicas a comienzos de 1986, es un homenaje de mark knopfler  al cantante estadounidense jhonny mathis . Asimismo, las últimas cuatro canciones del álbum (en la edición de vinilo, la cara B) están centradas en las guerras civiles que azotaron  el salvador  y nicaragua en los años 80.
También ha sido utilizada en numerosas ocasiones como música de fondo en películas y series de televisión. De forma notable, podía escucharse en la segunda temporada de la serie The West Wing, así como en miami vice y Third Watch.
En el año 2000, el magazine Q emplazó a Brothers in Arms en el puesto 51 de los 100 mejores álbumes británicos. En noviembre de 2006, una encuesta a nivel nacional en Australia reveló que Brothers in Arms figura en el puesto 64 de los 100 álbumes favoritos de todos los tiempos.
El 19 de septiembre  de 2000 , Brothers in Arms fue remasterizado y reeditado junto al resto del catálogo musical de Dire Straits. El 26 de julio  de 2005  fue publicado en formato super audio cd , y apenas un mes después, el 16 de agosto  de 2005 , en formato dualdisc , ganando un grammy  al Mejor Álbum con Sonido Surround.

mark knopfler y sus chicos.  Despista su primer tema, muy relajado, en plan a los eagles, pero vuelve la electricidad al segundo tema, altamente adictivo, así es todo el album, ritmos sencillos, y sin renunciar a su estilo, pero influenciados por el AOR, que de aquella estaba tan de voga, con cantantes conocidos y desconocidos, que nos dejaron perlitas como glenn hughes, marcia free, jhon lee turner y tantos otros.
gran sintesis en todo el album entre riffs que se quedarán grabados en la mente colectiva, como los teclados, temas muy acertados, hasta el punto de conseguir 5 hits de este album, que aún perdurán en cualquier lista de éxitos. mi tema favorito es money for nothing, dónde sting colabora en las voces. Bueno juzgar vosotros, si es que aún queda alguién que no haya escuchado nunca este album:
https://www.youtube.com/watch?v=CnE1OAXvelc
enlace directo, con album completo.

pozo

lo abandonado esta en auge, hay muchos fotografos tanto profesionales, como amateurs, que se dedican a hacer fotos a casas abandonadas, fábricas, pozos.... lo que sea que este en mal estado. Esta vez cojí el tema recurrente del pozo seco, en blanco y negro quedaría mejor la foto, y como veis podemos jugar con el fondo, quedándonos una fotografía bastante curiosa. seguiré subiendo fotos de edificios abandonados, yo que vivo en galicia, eso lo tengo a mano.

perros de paja

1971. Inglaterra. 113 minutos. director: sam peckinpah. reparto: dustin hoffman, susan george, david werner, peter vaughan, peter arne. cine de culto. Nominado al mejor drama extranjero en la gala de los oscar.
sinopsis: El astrofísico americano David Sumner (Hoffman) se traslada a vivir al pueblo de su mujer, en Gran Bretaña. Es un hombre reservado y tímido que vive absorto en sus investigaciones y procura evitar cualquier disputa. Sin embargo, la violencia de ciertos individuos del pueblo llega a tal extremo que Summer, situado entre la espada y la pared, reacciona con las mismas armas que sus agresores para defender a su mujer y su hogar... Obra clave en la filmografía de Peckinpah, "Perros de paja" es un estudio sobre la violencia del ser humano basado en la novela "The Siege of Trencher's Farm", de Gordon M. Williams

De todos es conocido que Peckinpah no fue precisamente un maestro de la sutileza. Y a fé de Dios que “Perros de paja” es una de sus obras más paradigmáticas al respecto. La peli abre la veda a una procesión de títulos que, de la mano de la ultraviolencia, escandalizarán a la sociedad setentera y le mostrarán sus perfiles más abyectos.

Peckinpah se hace valer de sus prodigiosos movimientos de cámara, de sus zoom endiablados y de su magistral dominio de la cámara lenta para contarnos muchísimas cosas sin necesidad de diálogos, de palabras vanas, de rollos patateros. Esto es cine, señores!. Peckinpah mueve la cámara como un tanguero, maniobrando con ímpetu, con pasión, con brusquedad milimétrica. Sus clamorosos silencios, su aprovechamiento no sólo de la música sino del sonido, es acojonante. Thriller “in crescendo”, como marcan los cánones. Como un buen polvo. Y luego viene el montaje: tomaydaca, tomaydaca, tomaydaca. Brutal.

La peli da mucho que hablar. Es perfecta para un cinefórum de parroquia. Cobardía, provocación, erotismo, misoginia, maldad, venganza, violencia, honor, ética… Porque señores, aquí no se salva ni el apuntador. Un pueblecillo escocés habitado por una cuadrilla de borrachos, pendencieros, crápulas y haraganes capaces de modificar la conducta de cualquier pardillo. Luego está Amy, protagonista de la violación más ambigua que jamás había presenciado en pantalla. 

un poco sobre lo que va la película. Dustin hoffman es un cerebrín que se va a un pueblucho inglés, a evadirse y seguir estudiando. Los del pueblo, al ver la pedazo de novia que tienen, más salidos que el pico de una plancha, le hacen la vida imposible. Pequeñas putadas como matar a su gato, o invitarle a una caceria y dejarlo tirado en medio del monte, todo ideado para violar a su novia. La violación es la más ambigua de la historia del cine, no se sabe, el que vea la película, si ella deseaba que el del pueblo le metiera mano o lo repudia, se suceden una serie de imagenes, que dan lugar a la polémica y opiniones contradictorias, justo lo que buscaba peckimpah.
Después los mismos paletos del pueblo, ven que el tonto del pueblo se lleva a su hija, para meterle mano. El caso es que el tonto escapa y tiene la buena suerte, de que le atropella hoffman, buena porque mejor que te atropellen sin consecuencias a que te linchen los del pueblo. hoffman lo lleva a su casa, para cuidarlo, y los del pueblo, acuden para que se lo entreguen, ahí sucede la violencia abyecta, que deja a tarantino y kubrick y su naranja mecánica, en juego de niños.

la peli tiene dos lecturas. La primera hoffman es un tio muy tranquilo, todos le creen un sin sangre, pero la peli dicta una conclusión: todos tienen un límite, cualquiera , hasta el tio más tranquilo del mundo, se puede convertir en un asesino si le tocan los cojones. La segunda y más interesante, es el papel ambiguo de susan george, y ya no sólo por su violacion consentida o no , eso segun vuestros gustos,  es que no sabemos si quiere ayudar a hoffman, o si desea que acaben con el. Una relación tirante, empiezan como idilica, y a partir de cierto momento se empiezan a llevar como el perro y el gato.

susan george es la mejor de la peli, por su papel, que no sabemos si viene o si va, le esconde a hoffman que la violaron. Y cuando hoffman mata al violador, ella parece que se entristece y desea que no lo maten.  Después se produce una escena, que lo dice todo, el violador entra en el cuarto de ella, ve que su amigo la está violando y le pega un tiro, ella se le queda mirando con ojos amorosos, por eso digo que hay que ver la cinta para comprender esto, y aún así genera controversía.

la última media hora, es de ultraviolencia, la lucha por sobrevivir. Desde luego, el cine de san peckinpah es completamente diferente. No es un director sútil, esta en contra de toda norma establecida, ni hace grandes secuencias, ni le gusta andarse con rodeos, el hace cine puro, cuenta historias dónde siempre rezuma en la violencia del ser humano. Y está historia es absolutamente truculenta, y muy avanzada para su época, por eso es considerada cine de culto. De este tipo de directores, como peckimpah, o del spaguetti western, tarantino bebe sus aguas, pero ir a la fuente más que al contenido, porque está mucho mejor. Hay un remake de esta peli en el 2011, dejaros de mierda, ver la auténtica, es insuperable.
 http://amorlatinochat.com/Perros-De-Paja.html
enlace con la película completa.

bosque de sombras

2006. españa. 96 minutos. director: koldo sierra. reparto: gary oldman, paddy consadine, aitana sánchez guijón, virginie ledoyen, lluis homar, alex angulo. thriller.
sinopsis: Norte de España, finales de los 70, el verano más cálido de los últimos años. Norman (Paddy Considine) y Lucy (Virginie Ledoyen) son un matrimonio inglés que no atraviesa su mejor momento. Unas vacaciones junto a unos amigos, Paul (Gary Oldman) e Isabel (Aitana Sánchez-Gijón) pasa por ser la solución. Alejados de Londres, lo que se presenta como un idílico fin de semana de naturaleza y caza en el caserío recién comprado por Paul, no acabará como ellos hubieran deseado. El choque cultural con los lugareños encabezados por Paco (Lluis Homar) y el encuentro fortuíto de una casa abandonada, desencadenará una espiral de violencia entre ellos.

 Cuando uno se introduce en ella, es prácticamente imposible esquivarla o salir ileso ya sea físicamente o mentalmente. Y así lo mostraron John Boorman con su excelente "Deliverance" o Sam Peckinpah mediante su magnífica "Perros de paja".
De esa idea, y adquiriendo muchos préstamos de los dos films mencionados anteriormente, Koldo Serra saca un partido que, si bien no se vislumbra en su arranque, debido a lo exasperante que puede resultar el personaje interpretado por Oldman o la irregularidad de la trama, sí llega a adquirir cotas más altas a medida que avanza, mostrando sin complejos y con dureza las consecuencias de la violencia y los actos que pueden llegar a ser perpetrados tras el manto de la misma.

La labor realizada tras las cámaras resulta muy digna, prácticamente de artesano, ya sea por ese logrado movimiento de cámaras cuya sencillez logra hacerlo todo más palpable, por esa banda sonora angustiante en diversos momentos o por el desarrollo de la acción, que resulta vivaz e intranquilizante, haciendo de esta obra un interesante manjar para todos aquellos que vivan con intensidad las propuestas sobre la condición humana.

Quizá el mejor adjetivo para definir el film del debutante Serra sería incómodo, puesto que pese a la sensación de deja vu que puedan llegar a producir determinadas secuencias, logra su objetivo con creces sirviéndonos un áspero duelo donde su elemento principal, la violencia, parece no tener fin.
Todo ello bajo un elenco prácticamente de lujo, donde destacan un gran Considine y Lluís Homar, muy inspirado, que hacen de "Bosque de sombras" un buen retrato sobre la naturaleza del ser humano y los desencadenantes de susodicha naturaleza.

la peli mola, el defecto: que copia descaradamente a perros de paja. Tenemos los 3 ingredientes de perros de paja: violación ( aunque en este caso de ambigua no tiene nada) pareja que se lleva muy mal ( koldo nos mete dos parejas en vez de una, para disimular) unos pueblerinos a los que les que los extranjeros dan refugio a una niña y nadie quiere ceder, y habrá sangre ( cambia a una niña, por el tonto del pueblo) por lo tanto es un remake completamente descarado. Pero quitando de lado eso,  es digno, entretiene, está bien rodada, buenos planos, la historia pues.... pequeñas migas de intensidad, va muy poco a poco, más suspense que emociones fuertes.

cuando ves el reparto, dices, pedazo cartel, pero la verdad es que no me gustaron casi nadie. de los extranjeros, gary oldman en esta peli esta empanao, tb es que es su papel, clavar a dustin hoffman un tio incapaz de matar a un conejo, que acaba cargandose a todo el que se le pasa por encima, paddy consadine lo hace bien, las tias.... aitana como siempre, y sobre todo destaco a lluis homar, para mi gusto un actor como la copa de un pino, que merece muchísimo más reconocimiento del que tiene.

la historia es truculenta, españa post franquista, aldea perdida de españa, una niña encerrada en un establo, porque tiene una malformación en las manos, dice homar: la madre no tiene culpa de nada, del padre ni se habla, cada cual que saqué sus conclusiones. a los guiris les parece monstruoso, y quieren llevarla a la guardia civil. al debate, el final, dónde la niña eligé con quién quedarse. Lo que nos quiere decir koldo, es el choque de mentalidades, entre tios de ciudad y los del pueblo, cada cual con sus leyes y si forma de pensar, y ninguno dispuesto a ponerse de acuerdo, la violencia estalla y ya es irrefrenable.

es una peli bien realizada, con buenos planos en el bosque, la idea de la lluvía incesante me parece muy buena, le da a la peli un toque de misterio bastante interesante. Lo que me gusta, es que no te lo da todo masticado, sino que te deja caer todo, y que cada cual saque sus propias conclusiones.

obviamente la peli no puede escapar de la comparación con perros de paja, pero a su vez, también podriamos compararla con el bosque del lobo, de pedro olea, la historia de manuel romasanta, porque intenta captar el palurdismo de una época, el principio es tope matanza de texas, parejitas perdidas en el bosque en una aldea, con unos aldeanos que esconden un secreto. y si le tocan los cojones, irán a casa de los guiris a dar guerra.

dificil escapar de las comparaciones, aunque está bien rodada. koldo se presenta como un director, que quiere seguir la estela de eloy de la iglesia, jess franco, amando de ossorio, foxa, o arraz y otros tantos del cine underground español.

moon

2009. gran bretaña. 97 minutos. director: duncan jones. reparto: sam rockwell. ciencia ficción.

En un futuro no muy lejano, un astronauta (Sam Rockwell) vive aislado durante tres años en una excavación minera de la Luna. Cuando su contrato está a punto de expirar, descubre un terrible secreto que le concierne.

En la cara oculta de la luna se esconde la base minera de Lunar Industries LTD, que transporta energía solar a la Tierra, la cual se ha vuelto la primera fuente energética del planeta.

Para mí, la Ciencia Ficción es unos de los géneros que mejor se adapta al medio cinematográfico, ofrece tantas posibilidades... (Mundos extraños, relatividad espacio-temporal, enigmas de la existencia humana, misterios del pensamiento y la mente, seres mutantes o alienígenas...)
Es uno de mis favoritos, no puedo negarlo.
Y ver que se trata con mimo y entusiasmo, que se le dota de un guión y se dejan de lado efectos especiales, que introspecciona en el ser humano y deja preguntas a la par que entretiene y que al acabar de verla te sientes orgulloso por haber optado por ella, eso pocas veces se puede decir, por desgracia.
Pero Duncan Jones saca un debut de los que se marcan en filmografías como obras cumbres: inteligente, atractivo, sencillo y que deja huella.
Se nota implicación y amor en su creación, tanto escenográficamente como en la historia, y eso le llega al espectador. A esto hay que sumarle una banda sonora de la talla de un grande como Clint Mansell, personajes atractivos y bien interpretados (Sam Rockwell aprovecha bien su oportunidad), decorados y escenarios que recuerdan a producciones ochenteras (bastante sencillos pero muy efectivos y entrañables) y una fotografía cuidada que se vuelve tanto claustrofóbica como agorafóbica, por esa nave tan blanca como enigmática y esa luna tan inhóspita y el universo negro plagado de estrellas.
La historia no juega al final sorpresa, pero si contiene cierta información que es importante no conocer para disfrutar plenamente del visionado, con lo cual recomiendo no leer más de la cuenta hasta que se haya visto.
Lo que si deja al final es preguntas y sensaciones que debe uno mismo resolver en su interior.
¿Hasta que punto nuestra vida es nuestra? Eso sólo lo sabremos cuando observemos el lado oculto de la luna...

solamente sam rockwell se podría atrever con este papel. Muy valiente, el resultado excelente, rockwell en su salsa por completo, haciendo un auténtico show el solito, como si fuera un monologo de teatro. Es una obra innovadora, es ciencia ficción sin ningún efecto especial, sin grandes giros del guión, hasta que se descubre el secreto que le esconde la industria para la cúal trabaja, en la que pasamos por todos los estados emocionales que va teniendo sam.

una peli muy retro, que me recuerda a otras pelis de los setenta de ciencia ficción, en su planteamiento como saturno 3 o el planeta de los simios. Esto amigos mios, es cine underground, no para grandes consumidores, es una historia dónde la atmosfera lo es todo, y más que ciencia ficción, tenemos una alucinación total, como en cintas underground, como memento.

cine underground: la involución en el fúturo, el mundo capitalista apabullando y explotando al hombre, el conocerse a uno mismo, los recuerdos que acaban siendo borrosos, la soledad, y muchos más temas, se concentran en esta épica lunar, que no te puedes perder, yo la recomiendo vivamente, una gran película.

que se oculta en la luna? sencillisimo presupuesto, para hacer una peli lunar, de un tema que siempre a fascinado al hombre, y a creado cientos de fantasías, desde el mito del hombre lobo, hasta cuando piso el hombre la luna, si realmente lo hizo, o fué rodada por kubrick, si la pisamos, porque nunca más volvimos a ella, si nos ocultan cosas, y si hay restos de humanidad en la luna..... juega con este tema el director, pero recalco, que trata sobre la explotación en la empresa, como en un futuro el director cree que acabaremos siendo simples piezas de engranaje como robots. Hasta el robot, llamado berty, al que kevin spacey le pone voz, es más humano que los humanos.

la piel que habito

españa- 2011. 117 minutos. drama. director: pedro almodovar. reparto: antonio banderas, elena anaya, jan cornet, marisa paredes, eduard fernández. 4 goyas.

sinopsis: Desde que su mujer sufrió quemaduras en todo el cuerpo a raíz de un accidente de coche, el doctor Robert Ledgard, eminente cirujano plástico, ha dedicado años de estudio y experimentación a la elaboración de una nueva piel con la que hubiera podido salvarla; se trata de una piel sensible a las caricias, pero que funciona como una auténtica coraza contra toda clase de agresiones, tanto externas como internas. Para poner en práctica este hallazgo revolucionario es preciso carecer de escrúpulos, y Ledgard no los tiene. Pero, además, necesita una cobaya humana y un cómplice. Marilia, la mujer que lo cuidó desde niño, es de una fidelidad perruna: nunca le fallará. El problema será encontrar la cobaya humana.

"La piel que habito" es una formidable película: arriesgada, excesiva, retorcida, ambigua, casi inverosímil a ratos, pero dirigida con pulso, con ritmo y con una profunda fe cinematográfica en lo que se está rodando. En cada plano, el director derrocha talento y esfuerzo por hacer algo diferente, por dar una vuelta de tuerca a su estilo y dirigirlo a terrenos más pantanosos, más oscuros. Almodóvar filma lo grotesco con gracia, con estilo y, en muchas ocasiones, la combinación de imágenes y música alcanza cimas que ponen los pelos de punta. El guión (discutible hasta la saciedad y que provocará más de una acalorada discusión) está desgranado con maestría en diferentes momentos temporales y acaba desvelando la trama central con esa naturalidad que tan bien maneja el director. Y en esta ocasión, ese distanciamiento emocional frío con el que se narra esta descomunal tragedia no hace sino acentuar su carga de dolor y convertir su visionado en una experiencia extraña, incómoda a veces, cargante en ocasiones, pero que, como ocurre muchas veces con las grandes películas, acaba funcionando en su conjunto. Desafortunadamente, y como consecuencia de lo excesivo y discutible de la trama, mucha gente dará la espalda a la cinta, cosa, por otro lado, lógica, pues no es una película que busque ser analizada racionalmente (se derrumbaría), sino emocionalmente.

"La piel que habito" no es una obra maestra, por supuesto, pero podría haberlo sido si su director hubiera sido más consciente del material que tenía entre manos y de cómo se debe contar esta historia para que funcione al 100%. Pero Almodóvar es él, y tiene un público concreto que busca cosas muy concretas en su cine (Sí, esos que se reían en la película cuando el resto de los espectadores ni esbozábamos una sonrisa). Y al margen del humor subjetivo, la película adolece, además, de algunos momentos clásicamente almodovarianos que, esta vez más que nunca, solo perjudican al conjunto. Yo tengo la esperanza de que algún día este estupendo director descubra que se puede hacer una película sin chistes ni personajes esperpénticos. Casi lo logró con su mejor película; "Hable con ella", y casi ha vuelto a lograrlo con esta "La piel que habito", pero, desafortunadamente, ese día sigue lejos. El director manchego sigue temiendo mudar definitivamente la antigua piel y mostrarnos la nueva.

A destacar, como siempre, las interpretaciones femeninas, tanto de Elena Anaya, la indudable estrella de la cinta, como de una estupenda Marisa paredes, y un Antonio Banderas sorprendentemente convincente en un papel arriesgadísimo y muy difícil. Pero lo mejor, sin duda, los últimos minutos de la película, una escena que solo Almódovar se ha atrevido a rodar y que dividirá a los espectadores a partes iguales de amor y odio. A mí me sobrecogió, y creo que el fundido en negro final está colocado con una maestría que roza la perfección, pero estoy seguro de que no provocará ese efecto en todo el mundo.

como todas las películas de almodovar o te gustan o te parecen un bodrio. para mí, es una buena película, almovodovar convierte un argumento completamente ridiculo y delirante en un juego obsesivo y cruel muy serio. El giro en el guión, los saltos en el tiempo, y el desenlace nos merece la pena, al despiste en general del principio, y sobre todo a antonio banderas, que almodovar le brindó un papel para lucirse, y está más frio que un tempano, los secundarios son los que salvan la actuación, sobre todo elena, marisa paredes y jan cornet.

me recuerda a un cruce entre jekill y hyde, tenemos la historia de un doctor completamente chiflado, y con sed de venganza, un doctor que amaba a su familia hasta el punto de querer clonar a su hija y hacerla pasar por su mujer, una auténtica locura. También me recuerda a vértigo entre los muertos, por la historia de amor obsesivo necrófago, y todo adornado con la pluma que siempre muestra almodovar en todas sus películas. como todas las pelis tiene momentos algidos, para mí cuando banderas secuestra a jan cormet, y momentos bajos, como cuando aparece el hijo de marisa paredes, ridiculo hasta la nausea esos 20 minutos de metraje.

aún así mucho mejor película, que la ridicula comedia que sacó ahora recientemente, aún está en todos los cines, para mi almodovar, le falta regularidad, ideas de genio siempre las tuvo, pero su filmografía es muy irregular, y se muestra en esta cinta, con grandes momentos y otros que rozan el ridiculo.

 si tuviera que quedarme con una peli de Almodovar, seguramente sería todo sobre mi madre, para mí su mejor trabajo. Esta peli, es curiosa, claustofóbica, necrófila, y convierte una historia ridicula, más propia de serie b a lo jess franco, en una historia mínimamente creible, ese el mérito de esta peli.

el coloso en llamas

1974. usa. 165 minutos. director: jhon guillermin. reparto: paul newman, steven maqueen, william holden, faye dunaway, fred estaire, richard chamberlein, o.j simpson, susan blakely.drama catastrofes. 3 oscar.
basada en la novela rascacielos.
sinopsis: Las autoridades y los personajes más importantes de San Francisco se encuentran en la fiesta de inauguración de un nuevo rascacielos de 138 plantas. Mientras los invitados disfrutan de la fiesta, que se celebra en el último piso del edificio, un suceso fortuito desencadena la tragedia: un cortocircuito en un cuarto trastero del piso 81 provoca un incendio que comienza a expandirse a gran velocidad

 Un buen reparto. Los héroes con edad afín y sin estar separados por una generación. Los secundarios acorde a lo que se espera de ellos, es decir, un registro interpretativo de altura. Los roles repartidos: un par de héroes, otros ambiguos, el malo y el peor. La química entre la pareja protagonista ha de estar garantizada, si no se diera el caso, rescindir contrato de A o de B y seguir buscando.

Un guión que se aproxime a lo perfecto. De esta forma, conseguirás que un par de décadas después, mogollón de frikis se desplacen a los cines para contemplar truñadas de un género que se llamará catastrófico y que inventaste tú al parir un guión espléndido. Y los capullos de la siguiente generación deleitarán sus retinas con pestiños de nombre Volcano, Un pueblo llamado Dante´s Peak, Impact, Twister, etc., y en su reparto intervendrá la caspa del momento para dar lumbre al desaguisado.

Un ritmo a la altura. Una buena presentación sobre lo que nos vamos a encontrar. Que el espectador disponga de suficientes datos como para hacerse una idea clara de la personalidad de los distintos componentes de la obra y de cómo reaccionarán ante los futuros acontecimientos (quedando así libre la vía para el engaño si fuera preciso). Un nudo interesante que no se atasque y que lleve la obra con diligencia y brillantez. Un desenlace (previsible o no) que deje buen sabor de boca por lo todo presenciado anteriormente.

Una dirección sin excentricidades. Que el director pivote sobre el guión. Que trabaje y se ciña a lo escrito. Que su forma de elaborar el producto no desvíe la atención del espectador. Que sea humilde y consecuente con lo que tiene enfrente y no se deje llevar por ínfulas creativas que pudieran llevarle al traste a él y a todo el equipo.

El coloso en llamas cumple cada uno de estos requisitos y es una de las películas catastróficas más colosales que se hayan realizado jamás.

amo profundamente esta película, siempre para mí, las superproducciones del viejo hollywood, ejercieron sobre mi infancia una fuerza inexpicable, mi amor al cine nació con esta película, o otras como la gran evasión, los 10 mandamientos o el planeta de los simios, después descubriría otro tipo de cine, menos espectacular, y más personal, pero todo lleva una evolución. De todas formas, esta peli no se la llevan las llamas del olvido, sino que sigue teniendo una fuerza brutal.

sigue una línea clásica, al igual que poseidon. Gran reparto, a lo espartaco, con un duo genial, steven macqueen, el inolvidable papillón y el grandioso paul newman, el inolvidable el golpe. No sé me ocurre mejor reparto, solo falta aquí el marlon. En cuanto al resto, la belleza sin igual y el misterio que siempre envuelve a faye dunaway en todos sus papeles, otra adicta a los peliculones: chinatown o bonnie and clyde. Me encantan los secundarios: sorpresa mayuscula es la interpretación del bailarín fred astaire, un papel muy melodramatico, entrañable, para poner de lado al espectador. También destacar la presencia del mito caído deportivo oj simpson, hollywood, siempre fiel a meter a estrellas deportivas en sus grandes films, para atrapar al público, dígase kareem abdul jabbar, en aterriza como puedas o una de bruce lee.

efectos especiales: se nota el pastizal que invirtieron en la peli, bastante espectaculares para al época, en cuanto al tempo de la peli, va poco a poco, como a mi me gusta, reflejando lo bien que viven estos ricachones, y como cuando se ven entre la vida y la muerte, no son absolutamente nadie, perdiendo el control, salvo paul newman obviamente.

pequeñas historias entrelazadas. El entrañable bailarin fred, la seguridad de paul newman, desde fuera steven macqueen, y dentro el típico que esta dispuesto a pasar por encima de cualquiera, con tal de ser el , el salvado, también la gesta, y la deshumanización total. Cada personaje tiene un hueco para desarrollar su personalidad en este pequeño cosmos que presenta esta película.

me gusta el comienzo, a lo guateque de peter sellers, para que veamos el completo lujo de este coloso, y poco a poco el fuego, lentamente, dandonos pequeñas dósis de acción, hasta buscar las situaciones límites. Con grandes momentos como el rescate en helicoptero, metidos en una jaula, o cuando maqueen y newman, unen sus fuerzas, como van cayendo uno a uno, y sobre todo, cuando rompen las tuberías y se inunda el gran salón, todos agarrandose a donde puedan, y rezando lo que sepan.

Esta película nació de un acuerdo histórico entre Fox y Warner, puesto que cada estudio tenía los derechos de una de las dos novelas, que se fusionaron para el film. Hay muchos detalles técnicos, como la creación de las vistas de la torre, usando maquetas y se describe la enormidad de la producción, con cuatro equipos trabajando simultáneamente e innumerables decorados para las diferentes partes del edificio. Hay dos novelas una se llama rascacielos, y otra no recuerdo, ambas son parecidas, tratan sobre un edificio, en llamas, y lo fusionaron, con este reparto estelar. Y muchos copiaron de este film, por ejemplo la novela de paul gallico, sobre un naufragio, bebe de estas aguas, al igual que jungla de cristal, le hace en cierto sentido un homenaje a esta gran película.

 en definitiva una gran película.