amor en su punto

2013 Irlanda. 87 minutos. romántica. Director: Teresa de Pelegrí, Dominic Harari. Guión: Teresa de Pelegrí, música: ray harman. fotografía: Andreu Rebés. Productora: Coproducción Irlanda-España-Francia-Estados Unidos; Tornasol Films / Parallel Films / Haut&CourtDistribution / Fox International. Reparto: richard coyle, leonor watling, ginés garcía millán, simon delaney, lorcan cranitch, bronagh gallagher, ger ryan, david wilmot.
Sinopsis:
Oliver (Richard Coyle) es un conocido periodista gastronómico de Dublín en plena crisis sentimental. A pesar de que su columna sobre el buen comer y la búsqueda del alma gemela es un éxito en Irlanda, su vida amorosa es un desastre: todas sus relaciones acaban en fracaso. Cuando su última pareja lo abandona, conoce a Bibiana (Leonor Watling), una comisaria de arte española por la que Oliver se siente atraído desde el primer momento, a pesar de que no tienen nada en común. A ella la van las buenas causas, a él la buena comida. Mientras que ella es audaz en el amor y se lanza de cabeza a relaciones imposibles, a él le aterran los compromisos.

Si alguien espera una comedia realmente divertida y/o imaginativa, lo mejor será que no opte por "Amor en su punto", donde el humor brilla por su ausencia. Ésta es una película a ratos agradable, otros extremadamente vulgar y, en general, poco novedosa con un guión poco sorprendente (y a menudo exagerado) y un reparto que no parece esforzarse demasiado (Richard Coyle y Leonor Watling están bien, a secas, y entre los secundarios sólo destaca Ger Ryan, emotiva y creíble como la madre del protagonista pese a que tanto su papel como el del padre estén ya tan vistos).

La gran novedad de este film es su trato del vegetarianismo, convertido en tema central del film, tanto por su relación con los personajes como por su impacto en la trama. Por desgracia, se recurre a los tópicos de siempre, según los cuales la dieta vegetariana consiste en quedarse siempre con hambre, devorar verduras frías y tofu, fumar, ir a la India y formar grupos radicales. En realidad, no queda claro si el tema se trata para reírse de él o para defenderlo, pero lo cierto es que es de agradecer que una simple comedia romántica se centre en un tema nada desarrollado (de hecho, no puedo pensar ahora mismo en film alguno que tenga el vegetarianismo como tema central) e interesante. Del mismo modo, la defensa de los animales está tratada con el debido respeto, contrastando la visión anticuada de él con la visión liberal de ella.

Al margen de ello, todo está visto: típico comedia romántica con enredos y desenredos donde la comida juega un gran papel. No obstante, al contrario que otros films "alimenticios" varias escenas de éste dan más ganas de vomitar que de comer, lo cual es sin duda paradógico. La alemana "Deliciosa Marta" y su remake estadounidense "Sin reservas" aportan placeres mucho mayores para este tipo de film. No obstante, por su inclusión del interesante tema del vegetarianismo e invitar a debatir sobre el mismo, se trata de una película que, si bien no es en absoluto destacable, tampoco es por completo innecesaria.

En cuanto a humor, sólo me reí en una ocasión, con un chiste tonto que cuenta la protagonista: "¿Cuál es la diferencia entre un tomate y una patata? Que ambos son rojos. Salvo la patata". Imaginad la poca gracia del resto.
 https://www.youtube.com/watch?v=LI1cMfZo68M
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Agustina de Aragón

1950 españa 126 minutod. director: juan de orduña. guión: Juan de orduña, vicente escrivá. música: Juan quintero. Fotografia: Theodore. productora: Cifesa. Reparto: aurora bautista, fernando rey, virgilio teixeiran, eduardo fajardo, manuel luna, josé bódalo, fernando fernández de Córdoba, guillermo marín, maria asquerino, manuel arbó, fernando aguirre, juan espantelaón, raúl cancio, anival vela, nicolás perchicot, pablo álvarez, juan vázquez, maria cañete, valeriano andres, eugenio domingo, fernando norgueras, fernando sancho, antonio plana, francisco pierra, josé orjas, pilar muñoz, arturo marín, josé jaspe, rosaria garcia ortega, felix fernández, adriano dominguez, alfonso de córdoba.
Sinopsis: Durante el asedio de las tropas francesas de Napoleón a la ciudad de Zaragoza, Agustina, joven prometida a punto de contraer matrimonio, se ve implicada en un asunto secreto del Estado. Encendida de patriotismo, decidida y valiente, se pone al frente de los aragoneses, a los que estimula y anima con su valor y su patriotismo. Agustina rompe con su prometido al enterarse de que se ha vendido a los franceses y se enamora de un bravo baturro llamado Juan. Animados por Agustina, figura inmortal en la historia de España, los aragoneses logran arrojar a los franceses de su territorio y obtener la victoria para ellos y para su patria

 'Agustina de Aragón' es, fue y será una película patriótica, una superproducción filmada en tiempos franquistas que sirvió cómo objeto para que el pueblo se enorgulleciese de su nación y apoyara aún más a la dictadura fascista. Vista en este nuevo milenio no deja de ser una película historíca, biográfica, llena de figuras que resaltan por encima de las demás a modo de héroes y heroinas. Una película que quiere dejar bien claro quienes fueron los buenos (los españoles) y quienes los malos (los franceses). Una película con dosis de tristeza y alegría a partes iguales, que también cuenta con alguna escena de acción y violencia y que hasta puede sacarte una sonrisa o risa en algún que otra situación.

Las escenas constan de poco realismo y gracias a sus inexpresivos actores consiguen hacerlas aún menos creíbles, causado en parte por la poca experiencia de los "millares" (así los vende la publicidad de la película) de extras que aparecen en sus escenas épicas y bélicas. El montaje es penoso, la dirección normalita y la música cumple sin más. La mayor pega esque la película llega a cansar en muchos ratos y no debido a su duración, ya que esta no es nada exagerada, sino debido a su ritmo irregular.

En resumen, una "superproducción" española, patriota, histórica y épica que es mejor mirarla cómo si fuera una película sin más y no con todo lo que acarrae detrás de su producción. Una película aburrida y emocionante a partes iguales.
https://www.youtube.com/watch?v=icIN88Tsb84
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la ciudad quemada

1976 españa drama histórico 156 minutos. director: Antoni Ribas. Guión: Andoni Ribas. Música: Manuel Valls. Fotografía: Teodoro Escamilla. Reparto:  ángela Molina, Xabier Elorriaga, José Luis López Vázquez, Núria Espert, Francisco Casares, Adolfo Marsillach, Teresa Gimpera, Jeanninne Mestre, Pau Garsaball, Mary Santpere, Joan Manuel Serrat, José Vivó, Rafael Anglada, Joan Borrás, Alfred Lucchetti.
Sinopsis: Película que narra los acontecimientos históricos que se produjeron en Barcelona entre los años 1899 y 1909. Desde el regreso de los soldados de la guerra de Cuba hasta la rebelión popular conocida como 'La Semana Trágica'.

La acción se desarrolla entre los años 1899 y 1909. La entrada a un nuevo siglo y las diferencias sociales cada vez más agudas entre unos pocos y la clase política apoyada por la burguesía no sin alejarse de la monarquía que espera ansiosamente la coronación del Rey Alfonso XIII, están entre los acontecimientos que resurgieron entre el fin de la Guerra de Cuba a los hechos que desencadenaron la terrible “Setmana Trágica” de Barcelona (acaecida entre el 26 de julio y 2 de agosto de 1909) por la negación de alistar a filas a miles de soldados en el Norte de África y la falta de recursos que padecía el país; unos días que la capital catalana se llenó de barricadas, los conventos fueron saqueados, incendiados y profanados. Algunos de los instigadores, entre ellos un pedagogo partidario de instaurar un modelo estudiantil laico, Francesc Ferrer Guàrdia, fueron ejecutados.

En ése marco histórico conocemos a Josep (Xabier Elorriaga), de orígenes humildes, regresa de Cuba con Frederic (Francisco Casares), un hombre de negocios indiano que, tras un incidente en las caballerizas de la masia de verano propiedad de su hermano el señor Palau (Pau Garsaball) es presentado a su familia. Las hijas Remei (Jeannine Mestre) i Roser (Ángela Molina) quedan prendidas por el huésped, pero Josep decide casarse con Remei. A poco a poco tendrá un papel decisivo e importante en los Palau pero no dejará de lado su orgullo obrero. En el panorama político Francesc Cambó (Adolfo Marsillach) clama derechos para los ciudadanos con el fin de mantener elevada su posición. Mientras tanto Alejandro Lerroux (Alfred Luchetti), también movido por sus intereses, anuncia su llegada a Barcelona para ganarse adeptos entre el Pueblo.

El realizador catalán Antoni Ribas (Barcelona 1935-2007) más que un cineasta era todo un historiador que no siempre disfrutó de las subvenciones reportadas en el desarrollo de sus producciones épicas pero muy bien documentadas. Prueba de ello se demuestra en películas como el reportaje “Catalans Universals” (1980) que nos ofrecia una mirada a personalidades del mundo del Arte como Joan Miró o Salvador Dalí, en la Medicina; el doctor Ignasi Barraquer o en la Escena; la soprano Montserrat Caballé. Pero sus films históricos son los más característicos en su carrera; “Victoria! La Gran Aventura d´un Poble” (1983) sobre la llegada del Dictador Miguel Primo de Ribera; “Dalí” (1990) en que el hijo de Anthony Quinn, Lorenzo interpretaba al pintor surrelista; luego llegaron “Terra de Canons” (2000), cinta que le llevó muchos años de rodaje, y problemas con la Generalitat y nuevamente con Lorenzo, y ésta vez al lado de su padre. Posteriormente realizaría “Centenari” (2002) sobre la corrupción en el mundo del fútbol.

https://www.youtube.com/watch?v=oA7rSdJDYFk 

película completa en castellano

dragon rapide

1986 España 96 minutos. director: Jaime Camino. Guión: Jaime Camino. Música: Xavier Montsalvage. fotografia: Juan Amorós. productora: coproducción españa italia tibidabo films.  Reparto:  juan diego, vicky peña, manuel de blas, pedro díaz del corral, francisco casares, santiago ramos, laura garcía lorca, miguel molina, josé luis pellicena, saturno cerra, eduardo MacGregor, ramón durán, carlos lucena, alberto fernández, maria lasala, jorge Bosso.
Sinopsis: España, Segunda República. En julio de 1936, Francisco Franco, Capitán General de las Canarias, tiene que trasladarse, en secreto, a Marruecos para ponerse al frente de las tropas sublevadas, con el fin de derribar el Gobierno del Frente Popular. El Dragon Rapide, un avión británico, será clave en el desarrollo de la operación.

 Tiene más de documental que de película comercial, y por ello la veo especialmente recomendable para jóvenes o adultos desinformados. Siempre es mucho más ameno y eficaz aprender con imágenes; partiendo de este resumen tan bien trabajado, seguro que les será más fácil profundizar por su cuenta.

Se centra en el proceso de preparación de la sublevación militar. Hubiera sido de agradecer que éste fuera el primer capítulo de una serie más completa sobre la dictadura española. Sería interesantísima. Lástima que en España no tengamos suficientemente desarrolladas las industrias del cine y televisión como para acometer con seguridad proyectos de tal magnitud.

Destacan una buena documentación y la mayoría de los actores, sobre todo Juan Diego, que interpreta a un Franco creíble (¡quién lo hubiera dicho!) sin caer en la parodia; de hecho, creo que el Franco real habría resultado demasiado cómico como para protagonizar un drama histórico.
Lo peor es, sin duda, la música.

¡Qué diferente podría haber sido todo si "el general Franquito" (como era conocido entre sus propios colegas militares) finalmente no se hubiera decidido a intervenir en la operación!
Me hizo mucha gracia ver una "especulación" sobre lo cizañera que pudo llegar a ser Carmen Polo. Tampoco olvidaré nunca las risas al ver a Franco desembarcar en la playa a hombros de un subordinado para no mojarse.

https://www.youtube.com/watch?v=xbvYj6qZ_BQ

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el rey pasmado

1991 españa 110 minutos. drama histórico. director: imanol uribe. guión: joan potau. música: jose nieto. fotografia: hans burmann. productora: aiete films. reparto: gabino diego, juan diego, javier gurruchaga, fernando fernán gómez, maría barranco, joaquim de almeida, eusebio poncela, laura del sol, anne roussel, carmen elías, alejandra grepi, enma cohen, josé soriano, christine dejoux, enrique san francisco, josé maría tasso.
Sinopsis: España, reinado de Felipe IV (1621-1665). Se inspira en una novela del escritor Gonzalo Torrente Ballester. El Rey (Gabino Diego) se queda estupefacto al contemplar el cuerpo desnudo de Marfisa (Laura del Sol), la prostituta más bella de la Villa y Corte. Después pretende ver también desnuda a la Reina (Anne Roussel). A pesar de la oposición y el escándalo de la Iglesia, el Rey no parará hasta ver cumplidos sus deseos.

 Gabino Diego interpreta, en esta cinta de Imanol Uribe, a un monarca español jovial y bobalicón. Es Fernando IV, un veinteañero al que poco importa la Batalla de Flandes, o la llegada de las fragatas de las Indias Occidentales a Trafalgar, pues acaba de descubrir a la mujer, hablando genéricamente. Concretando un poco más, con la ayuda del Conde de la Peña Andrada, un grandioso Eusebio Poncela, ha caído en los brazos del pecado por primera vez, quedando pasmado ante la belleza de la puta Marfisa, para desgracia de un sector importante de la Iglesia de aquel entonces, en el que destaca el padre Villaescusa.

‘El rey pasmado’ es una película fresca, alegre y divertida, cargada de escenas ingeniosas, que esconde detrás de tanto puterío cortesano, y no cortesano, de tanta teología, tanto de unos (Almeida) como de otros (Juan Diego), una feroz crítica, con un sútil tono irónico, a la Iglesia más rancia de todos los tiempos. Esa Iglesia que representa magistralmente el personaje de Juan Diego. Esa Iglesia inquisidora que imperó durante gran parte de la Edad Media. Es una historia que habla acerca de las monarquías absolutas que anduvieron por nuestro Reino en tiempos pasados. Una historia de religión, monarquía y tradición. De cómo, casi siempre, iban de la mano unas con otras. Privando de la libertad, tanto moral como terrenal, a los hombres (y ya no digo a las sumisas mujeres). Pero ahí está el prendado de Gabino. Con esa cara de tontorrón, abobado por el sexo, deseoso de intimar con su Reina. Dispuesto a romper con la tradición y el orden imperante. Abocado hacia el libertinaje. Iluso, aún quedaban (¿quedan?) años de sumisión ante la Ley Divina. Recomendable.

https://www.youtube.com/watch?v=Zl0_jwHzCOY

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Todo es silencio

España 2012 119 minutos. drama. Director: jose luis cuerda. guión: manuel rivas. música: sergio moure. fotografía: hans burman. productora: milou films. Reparto: quim guitiérrez, miguel ángel silvestre, celia freijeiro, xoque carvajal, axel fernández, carolina cao, sergio gonzález, chete lera.
Sinopsis: Años 70. En Noitía, un pueblo de la costa atlántica gallega, viven Fins y Brinco, dos adolescentes que mantienen una relación de amistosa rivalidad en medio de la cual se encuentra Leda, una chica algo mayor que ellos. La joven elige a Fins y lo arrastra en la búsqueda de los tesoros que los naufragios arrojan a las playas. Su relación se interrumpe bruscamente cuando Fins se va del pueblo, tras la muerte de su padre mientras pescaba con dinamita. Cuando veinte años después, Fins vuelve convertido en policía, comprueba que todo ha cambiado en Noitía: el tradicional contrabando de tabaco ha sido sustituido por el narcotráfico, que está bajo el control del cacique local, cuyo lugarteniente es Brinco, que, además, ha tenido un hijo con Leda. Fins someterá a la pareja a una vigilancia, en la que se entremezclan el cumplimiento del deber con viejos sentimientos.

 Esperaba bastante más de esta película y no sólo porque sea una obra del mismo hombre que firmó: Amanece que no es poco, El bosque animado, La lengua de las mariposas e incluso Los girasoles ciegos; también porque había sido elegida para inaugurar (fuera de concurso) la 57 edición de la Seminci. Me ha decepcionado y me ha resultado imprecisa y deslavazada; y bien que lo siento porque me caen bien José Luis Cuerda y Juan Diego (la única interpretación creíble).

"Todo es silencio" se queda en el intento de trasladarnos una historia con muchas posibilidades: la infancia de tres amigos gallegos que evolucionarán de distinta manera en función de la proximidad o alejamiento de Noitía, el pueblecito costero que ha reconvertido con el paso de los años su delictiva actividad de contrabando de tabaco para entrar en el magro negocio del narcotráfico.
Los mejores momentos, para mi gusto, tienen lugar en la primera parte, cuando la cámara del director se sitúa en los ojos de los niños. El salto de veinte años desequilibra el film, que se convierte en un batiburrillo en el que, por momentos, chapotean los actores, consiguiendo que los espectadores se alejen de una realidad digerible.
El guión del buen escritor Manuel Rivas, basado en su propia novela, no ayuda a desfacer ningún entuerto, más bien todo lo contrario. Incluso me atrevería, irresponsablemente, desde mi lógico desconocimiento de aficionado, a añadir que tal vez sea el desencadenante de un proyecto fallido.
https://www.youtube.com/watch?v=3HM-vzq7usw
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Estambul 65

1965 España 117 minutos. acción. Director: Antonio Isasi. Guión: Antonio Isasi, Giovanni Simonelli. Música: Georges Garvarentz. Fotografía: Juan Gelpí. Productora: Coproducción España-Francia-Italia; Isasi P.C. / Edition et Diffusion Cinématographique (E.D.I.C.) / Compagnia Cinematografica Mondiale (CCM) Reparto: Horst Buccholz, Sylva Koscina, Mario Adorf, Perrette Pradier, ángel Picazo, Klaus Kinski, Álvaro de Luna.
Sinopsis:  Kelly es una bella agente del FBI que investiga la desaparición del profesor Pensdergast, director de una importante investigación del gobierno norteamericano sobre la energía nuclear. En el transcurso de la investigación, Kelly conoce a Tony, un joven aventurero que, movido por la belleza de la joven y la recompensa de un millón de dólares le ayudará a encontrar al profesor.

 Kelly es una bella agente del FBI que investiga la desaparición del profesor Pensdergast, director de una importante investigación del gobierno norteamericano sobre la energía nuclear. En el transcurso de la investigación, Kelly conoce a Tony, un joven aventurero que, movido por la belleza de la joven y la recompensa de un millón de dólares le ayudará a encontrar al profesor. Pues sí, esta es una película de espías, española y con mucho, mucho éxito de público en todo el mundo. Eso sí, está rodada con un elenco internacional y un planteamiento que recuerda (y seguro que fue algo buscado) a una película norteamericana. La historia y la estética están obviamente influenciadas por los primeras películas de James Bond, especialmente por "Desde Rusia con amor" (1963), con la que comparte escenario en la ciudad turca de Estambul, pero eso sí, no es una copia y ni mucho menos una mala copia barata. Toda la cinta respira una estupenda dirección, un buen guión y un sentido del humor paródico verdaderamente original para la época y mucho más para el cine español, de entonces y de ahora.

A destacar la actuación del alemán Horst Buchholz (Tony Mecenas en la película) que con sus rasgos latinos llegó a triunfar en el cine italiano, pasando también por magnificas películas de Hollywood como "Uno, dos, tres" o "Los siete magníficos".

Como dato malo, que no tuviera personajes protagonistas españoles, actores españoles no, eso sí tenía, me refiero a que el protagonista fuera un agente secreto español, pero... la película es de 1965 y recordemos cual era la situación politica en España.

https://www.youtube.com/watch?v=hPaTG97RIKs 

película completa en español 

La isla Misteriosa y el capitán Nemo

1973 España 120 minutos. aventuras. director: juan antonio bardem. Guión: novela de julio verne. música: gianni fierrio. fotografia: enzo serafín. productora: Co-producción España-Francia-Italia-Camerún; Albina Productions / Cameroons Development / Cité Films / Copercines / Cooperativa Cinematográfica / Filmes Cinematografica / ORTF. Reparto:  Omar Sharif, Ambroise Bia, Jess Hahn, Philippe Nicaud, Gérard Tichy, Gabriele Tintin, Rafael Bardem Jr.
Sinopsis:
En el año 1865, durante el sitio de Richmond (Virginia), cinco prisioneros se evaden en globo y son arrastrados por un terrible huracán hasta una isla, situada a más de seis mil millas de distancia
 De la fantástica novela de Julio Verne (1828-1905) ha surgido esta maravillosa producción, una película de dos horas y una serie de televisión de seis horas de duración, que recrea con todo detalle la inenarrable aventura vivida por estos hombres en los más exóticos y recónditos paisajes de nuestra tierra.

Todo ello mezclando con la desbordante fantasía del genial novelista, precursor en sus días de los más fabulosos inventos, que posteriormente la humanidad ha ido convirtiendo en realidad.

Una doble adaptación de "La Isla Misteriosa" que se hizo para el cine y como serie de televisión con Omar Shariff para el 1973.

El capitán Nemo, comandante del submarino Nautilus, es el protagonista de la novela de Julio Verne, "Veinte Mil Leguas de Viaje Submarino" y uno de los personajes de "La Isla Misteriosa".

El capitán Nemo es un hombre culto y un gran ingeniero, que recorre los mares en un afán de investigación científica (las exploraciones del submarino Nautilus), de justicia (ayuda a los revolucionarios griegos en su lucha de emancipación respecto a Turquía), y de venganza (se dedica a hundir navíos que lleven la bandera de Inglaterra).

Nemo es un personaje sombrío y misterioso, que esconde su verdadera identidad tras un nombre que alude al episodio de La Odisea. Vive obsesionado por un misterioso pasado y ha renunciado a vivir en sociedad. “Rompí con la sociedad por razones que solo yo se apreciar”, nos dice en uno de los pasajes de “Veinte Mil Leguas de Viaje Submarino”, la obra de Verne.

El capitán Nemo ataca a los buques de guerra, representa a la vez al ser humano que siempre va en busca de su ideal, y al que va tras la venganza contra el mundo exterior.

Nemo encuentra la muerte en el hundimiento del Nautilus, tras la destrucción de la isla Lincoln, al final de La isla misteriosa. Se llega a saber que su origen es indio, y que en el pasado era el príncipe de Dakkar, el hijo de un rajá, que odiaba al Reino Unido, al cual su vieja patria le debía su servidumbre.

Sediento de independencia, había abandonado su país junto con otros fieles amigos con el objetivo de surcar los mares y encontrar la libertad que nunca habían tenido.
 https://www.youtube.com/watch?v=SJtte0wF52k
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El maestro de Esgrima

1992 España 84 minutos. director: Pedro Olea. Guión: Pedro Olea. Música: Jose Nieto. Fotografia: Alfredo Mayo. Productora: altube Films. drama histórico. Reparto: Assumpta serna, omero antonutti, joaquim de almeida, josé luis lópez vázquez, miguel rellán, alberto closas, elisa matilla, ramón goyanes, juan jesús valverde, francisco vidal, tomás repila, marcos tizón, miguel ángel salomón, sonsolores benedicto.
Sinopsis: Madrid, año 1868. Una revolución, la Gloriosa, pone fin al reinado de Isabel II de Borbón (1843-1868), hija de Fernando VII (1814-1833). Son tiempos convulsos en la Villa y Corte, las conspiraciones y la lucha por el poder dominan la vida política. Don Jaime de Astarloa, el mejor maestro de esgrima de la ciudad, permanece al margen de las intrigas. Para él, sólo existe un motivo por el que merece la pena batirse: el honor. La aparición en escena de Adela Otero, bella mujer y hábil esgrimista, será la estocada final a su forma de vida.

 Historia negra ambientada en los convulsos días finales del reinado isabelino; días en los que ya no está de moda la esgrima (el honor, la elegancia, la cordura); días en que sólo queda un hombre honrado en Madrid: Don Jaime Astarloa. Yo soy él por muchísimas razones: porque no me fío de la política; porque no tengo vicios (salvo el cine y el fútbol); porque muchas veces me siento como el único chico honrado que queda al dar mi opinión... ¡y porque tengo un "florete" muy grande (je, je)! También yo sigo manteniendo el mundo a distancia con mi acero (esta vez sin segundas metáforas), y, sobre todo, a los necios que no han sabido ver en esta historia más que algo simple (¿pero quién cojones ha extendido esa idea de que las complicaciones implican calidad?); y tampoco sería capaz de evitar mandar al carajo estos principios de los que me estoy enorgulleciendo ante una mujer como Adela.
Todos los actores están bien, aunque fallan un poco el físico de Antonutti (siempre me lo imaginé algo más enjuto de rostro) y ese ligero acentillo de Assumpta.

¡Qué tensión sexual!; ¡qué reconstrucción de época (y no me refiero exclusivamente al vestuario, sino a toda la figuración y demás detalles característicos perfectamente reconocibles)!; ¡qué fotografía!; ¡qué duelos!; ¡qué música!... Garci debería estudiar esta película y aprender cómo se ruedan las tertulias en los cafés.
Y encima tiene un toque a lo "Seven" con esa visita a la morgue y cuando nos encontramos a un Cárceles torturado. En este punto conviene aclarar, para no restar méritos, que esta película es varios años anterior a la de Fincher.


Fue seleccionada para representar a España en los Oscar, pero no pasó la criba. La verdad, me pareció injusto, pues "Indochina" era muchísimo peor.

PD: Les recomiendo la novela de Pérez-Reverte. Marcó mi adolescencia. Estoy de acuerdo en que, hasta la fecha, ésta es la mejor adaptación de una obra suya.
https://www.youtube.com/watch?v=nLBY02rPc1A
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acero puro

2011 Usa 126 minutos. Director: Shawn Levy. Guión: Leslie Bohem. Música: Danny Elfman. Fotografía: Mauro Fiore. Reparto: Hugh Jackman, Dakota Goyo, Evangeline Lilly, Anthony Mackie, Kevin Durand, Hope Davis, James Rebhorn, Marco Ruggeri, Karl Yune, Olga Fonda, Jhon Gatins.
Sinopsis: En un futuro no muy lejano el boxeo es robótico: en los combates ya no se enfrentan seres humanos, sino robots humanoides, sofisticadas máquinas diseñadas para luchar. Charlie Kenton, un antiguo púgil que casi llegó a alcanzar la gloria, está pasando una mala racha como promotor de combates. Un día, encuentra un viejo robot desechado y, al comprobar que es un gran boxeador, decide entrenarlo.

 Telefilm de amplio presupuesto con estupendos efectos visuales.
No se como será el relato del gran Matheson en el que se basa, pero la peli es la típica sensiblera de perdedor padre ausente hasta que ha de hacerse cargo de su hijo, entonces el hijo le hará ser buen padre, mejor persona y le enseñará a triunfar en su trabajo (es que los niños se las saben todas)

Es el argumento típico de un telefilm.... aunque en este caso, el padre se dedica a la lucha de robots, pero eso no es lo importante, lo importante es el niño que acapara la cámara, consiguiendo que sea uno de los más repelentes que recuerdo, especialmente con ese empeño de que un niño ajeno al mundo de los robots sepa repararlos, intercambiarles piezas y manejarlos mucho mejor que personas que llevan toda la vida dedicadas a ello (y por si no resultaba ya cansino, luego se pone a bailar)

La pena es que el principio prometía, una mezcla estupenda de ambientes, peleas de robots futuristas pero tratadas de forma realista, en la que el público no ha renunciado a los espectáculos de siempre, simplemente los ha ido variando, así el cruel enfrentamiento entre un robot y un toro parece prometer que la película será más oscura de lo que en realidad es.
El diseño de los robots es excelente, resultan extremadamente realistas, no cantan a falsos como suele ocurrir con los efectos digitales, realmente estupendos.

Pero a partir de la secuencia inicial todo va cuesta abajo, el guión se pone en modo "lo de siempre da dinero, busquemos la lágrima fácil". La película es totalmente previsible, un saqueo de otros films como Campeón o Rocky, además de telefilms sensibleros, dada su mediocre dirección.

Acero Puro es una película infantiloide, con niño abofeteable, un Hugh Jackman presente para lucir músculo y una Evangeline Lilly que hace lo propio con sus piernas (aunque menos), con todos y cada uno de los tópicos de las películas familiares, mezclada con el cine de peleas y unos robots realmente bien realizados que son, con diferencia, lo mejor de la película. Para fans de este tipo de cine.
https://www.youtube.com/watch?v=zKtpo3jR7tU
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El barbero de Sevilla

1938 España 90 minutos. musical. director: Benito Perojo. Guión: Benito Perojo. Música: Walter Sieber. Fotografia: Bruno Mondi. Productora: Coproducción España-Alemania; Fabrikation Deutscher Filme (F.D.F.) GmbH / Hispano Filmproduktion. Reparto: Miguel Ligero, Estrellita Castro, Roberto Rey
Sinopsis:
Fígaro, el barbero más famoso de Sevilla, debe impedir la boda entre Rosina y Bartolo, para ayudar al Conde de Almaviva. Adaptación de la obra de Beaumarchais.

En una plaza pública en las afueras de la casa del viejo doctor Bartolo, una banda de música y un pobre estudiante llamado Lindoro están dando una serenata, sin resultado, ante la ventana de Rosina (Ecco ridente in cielo - "Aquí, riendo en el cielo"). Rosina es una pupila del doctor y éste quiere casarse con ella. Lindoro, quien en realidad es el joven Conde Almaviva disfrazado, espera conseguir que la bella Rosina le ame por sí mismo y no por sus títulos o su dinero. Almaviva paga a los músicos cuando se marchan, quedando él entristecido y solo.
Fígaro, que presume de ser el barbero más famoso de Sevilla y de que eso le abre todas las puertas, se acerca cantando Aprovechando que Fígaro fue en el pasado sirviente del Conde, éste le pide ayuda para encontrarse con Rosina, ofreciéndole dinero en caso de que logre arreglarlo. (: All'idea di quel metallo - "A la idea de aquel metal"). Fígaro aconseja al Conde que se disfrace de soldado borracho, para que le sirva de pretexto para que el doctor Bartolo le dé alojamiento en su casa amparándose en la obligación legal que recaía sobre los ciudadanos de acoger a las tropas cuando éstas se desplazaban. Fígaro es generosamente recompensado por esta sugerencia.

Conforme la sirviente del Dr Bartolo, Berta, intenta abandonar la casa, se encuentra con el Conde disfrazado de soldado ebrio. Temiendo a este borracho, Berta se apresura a acudir donde Bartolo en busca de protección e intenta alejar al supuesto borracho, pero no lo logra. El Conde consigue unas palabras con Rosina, susurrándole que es Lindoro y entregándole una carta. El vigilante Bartolo sospecha y exige saber qué es esa pieza de papel en las manos de Rosina, pero ella le engaña entregándole la lista de la lavandería. Bartolo y el Conde empiezan a discutir y, cuando Basilio, Fígaro y Berta aparecen, el ruido atrae la atención del oficial de la guardia y sus hombres. Bartolo cree que el Conde ha sido arrestado, pero Almaviva sólo tiene que mencionar su nombre al oficial para quedar en libertad. Bartolo y Basilio están asombrados, y Rosina se burla de ellos. (Final: Fredda ed immobile - "Fría e inconmovible").
https://www.youtube.com/watch?v=7C4zErPh8P0
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La boutique

1967 España 98 minutos. Director: luís garcia Berlanga. Guión: Rafael Azcona. Música: astor piazzolla. fotografia: américo Hoss. productora: Coproducción España-Argentina; Argentina Sono Film S.A.C.I. / Cesáreo González Producciones Cinematográficas. Reparto: sonia bruno, rodolfo bebán, osvaldo miranda, lautaro murúa, ana maría campoy, marilina ross, juan carlos altavista, javiert portales, dorys del valle. juan carlos calabró, perla caron, paula marciel, linda peretex, darío vittori.
Sinopsis:
Ricardo es un hombre de negocios casado. Mientras su mujer se aburre, él se divierte con las carreras de mini-coches y algún que otro flirteo

 Octavo largometraje del realizador Luis García-Berlanga Martí (Valencia, 1921), conocido artísticamente como Luis García Berlanga. El guión, de Rafael Azcona y L. G. Berlanga, desarrolla un argumento original. Se rueda en escenarios exteriores de Buenos Aires y en los estudios de Argentina Sono Film. Producido por Cesáreo González y Atilio Mentasti para Argentina Sono Film y Cesáreo Gonzáles P. C., se estrena el 19-X-1967 (Argentina).

La acción dramática tiene lugar en Buenos Aires a lo largo de unos dos años (1), en 1965/67. Ricardo Calaza (Bebán) es un próspero empresario, que codirige la sociedad “Martínez y Calaza”, dedicada al desguace de barcos de casco de metal, en cuyo capital participa a medias con su socio José Martínez (Miranda). Lleva algún tiempo casado con Carmen (Bruno), de 22 años (al inicio del relato), dedicada a las labores de la casa. El matrimonio ha entrado en una etapa de crisis a causa de las relaciones furtivas de Ricardo con otras mujeres y la escasa atención que presta a su mujer, que se encuentra sola y aburrida. Carlos es aficionado a las carreras de coches (turismos trucados, mini-cars y maquetas eléctricas sobre raíles), obtiene unos ingresos holgados, es superficial y atolondrado. Carmen sueña con tener una boutique, viajar, relacionarse socialmente, hacer nuevas amistades, romper los estrechos límites de su vida familiar y ser libre.

El film suma comedia y drama. Es fruto de la larga y productiva colaboración profesional que Azcona y Berlanga mantienen como guionistas durante casi 30 años (1959-1987), con trabajos tan acreditados como “Plácido” (1961), “El verdugo” (1963), “La escopeta nacional” (1977) y otros. Los analistas consideran que Azcona aporta los trazos negros, duros, amargos y pesimistas, mientras Berlanga contribuye con su visión iconoclasta y sarcástica y su mirada desesperanzada. En el film que comentamos Berlanga modera sus ímpetus iconoclastas y potencia su sarcasmo, mordaz y venenoso. El resultado es una obra insólita dentro de su filmografía (2), que los analistas consideran que forma parte del conjunto de films atípicos del autor junto a “Vivan los novios” (1971) y “Tamaño natural” (1974).

El tema central del relato viene dado por la exploración y descripción de las relaciones inevitablemente conflictivas de la pareja, las insatisfacciones y frustraciones de la vida en común de la misma y los problemas inexorables que genera la convivencia prolongada de un hombre y una mujer. El tema es uno de los preferidos de Berlanga y, a la vez, uno de los que más atraen su atención, aunque habitualmente no lo sitúa en primer término (3).

https://www.youtube.com/watch?v=rtSmrL8zS_w
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Rio Abajo

1984 España 103 minutos. Director: Jose luis Borau. Guión: Jose Luis Borau. Música: Armando Manzanero. Fotografia: Teo Escamilla. Drama. Productora: Coproducción USA-España-Australia; El Imán / Amber Film.
Reparto:  David Carradine, Scott Wilson, Victoria Abril, Jeff delger, Paul Richardson, Sam Jaffe, Jesse Vint, Mitch Pileggi, Christopher Saylor, David Estuardo, Anne Galvin.
Sinopsis:Un agente fronterizo está decidido a detener a un delincuente norteamericano que pasa material de contrabando a ilegales a través de la frontera de México.
Sinopsis:  Interesante co producción España/Usa/Australia (los minuciosos y extensos créditos iníciales, aparte de ser una rara avis ya que en la mayoría de las películas solemos verlos al final, te ponen en la frontera antes de empezar la película), dirigida en un largo (4 años) rodaje lleno de incidentes por José Luis Borau y escrita en colaboración con el australiano David Greig, en el que se nos cuenta a la manera “vidas cruzadas”, de forma realista y con las ciudades de Laredo (Texas) y Nuevo Laredo (México) como reales escenarios donde transcurre la acción, varias historias que tienen como eje de la trama la vieja rivalidad entre Bryan (David Carradine), un coyote que antes estuvo en la patrulla fronteriza y Mitch (Scott Wilson), un duro ex compañero de este, que a lomos de su avioneta de patrulla sobre el Rio Grande ha convertido la caza de Bryan en una obsesión, mostrándonos a su vez las debilidades e idas y venidas de los agentes, que lo mismo capturan y zahieren a los inmigrantes que pillan cruzando la frontera, que luego se pasan a la parte mexicana y se nos muestran como unos puteros de tomo y lomo.

Precisamente a través del personaje de Engracia Gómez (Victoria Abril), una desenvuelta prostituta del club “Papillon” y el encoñamiento con esta por parte de Chuck (Jeff Delger) un aspirante a agente que a su vez se ve envuelto en un incidente en el que muere un chaval que intentaba cruzar en el interior de un camión conducido por Bryan y el también encoñamiento de la sensual Engracia por parte de un cada vez mas mezquino Mitch, es donde reside el mayor interés de la película, lo que acompañado de la magnífica y en algunas escenas cuasi documental ambientación y teniendo en cuenta que la vieja rivalidad que al comienzo parecía ser el leiv motiv se queda en agua de borrajas (David Carradine a partir de la primera media hora prácticamente desaparece), nos da como resultado una más que digna película fronteriza (también hay una subtrama político/social sobre el espinoso asunto de la inmigración).

Por último añadir que una joven (25 años) y muy sensual Victoria Abril (Fotogramas de Plata por este papel) realiza un magnífico trabajo, comiéndose la pantalla cada vez que aparece en escena (esta chica a poco que se lo hubiera propuesto podía haberse hecho un nombre en los USA sin despeinarse) y el gozo para los sentidos que supone reencontrarnos con el gran Sam Jaffe (el profesor Erwin Riedenschneider en la mítica “La jungla de asfalto 1951”) en el papel de “El gabacho”, un libidinoso y turbio anciano al que todos le muestran temor y respeto (hay una escena al final en el que le vemos aproximarse a una pared donde hay colgado un almanaque con unas mujeres desnudas esgrimiendo una libidinosa sonrisa que nos hace recordar de forma inmediata su escena final en la película de John Huston).

La jungla 4.0

Sinopsis: Un inspector de policía, cuyo nombre no se menciona en la novela, es trasladado a una pequeña ciudad de provincias del Sur de España, tras haber estado destinado una buena parte de su vida profesional en la ciudad de Bilbao , donde sufrió el acoso del mundo cercano a ETA lo que provocó el deterioro mental y posterior ingreso en un centro psiquiátrico de su esposa. En su nuevo destino, la población en la que transcurrió su infancia, deberá enfrentarse a un asesino psicópata que comete crímenes de niñas y adolescentes en las noches de luna llena. En su investigación, interactúa con quien fuera su maestro de escuela, el Padre Orduña, con la profesora Susana Grey, de la que se enamora, y con el forense Ferreras.

Opinión Personal: No os acerqueis a esta novela pensando que es un Thriller porque no lo es, es una novela de personajes. La primera parte de la novela se centra en presentarnos al inspector. Un hombre solitario cuya mujer esta ingresada en el psiquiátrico porque no pudo aguantar la presión de vivir junto a un hombre amenazado de muerte.
A través del personaje del padre Orduña vamos sabiendo mas cosas sobre el inspector. Su infancia, su horfandad y su profunda tristeza y soledad. El padre Orduña es un personaje que tan solo nos sirve para acercarnos al personaje del inspector, sirve de catalizador para canalizar sus pensamientos y acercar al lector a su forma de ser. Incomprensiblemente el padre Orduña pierde todo el protagonismo en la segunda parte de la novela. Digamos que cumplió su misión de mostrarle quien es realmente y que deje de contenerse para expresarse libremente y desaparece. No me gusto que perdiera protagonismo porque era un muy buen personaje con las reflexiones sobre la vida mas interesantes.
A su vez, nos muestran el asesinato de Fatima entre todos los ángulos posibles. Desde el punto de vista de la niña, el punto de vista de la familia y la obsesión del inspector por buscar al asesino. No es un Thriller así que no se dedica a buscar pruebas y a atar cabos, sino que trata sobre la profunda huella que deja en todos los personajes este asesinato.
Después los personajes van teniendo sus propios capítulos. El padre Orduña en la primera parte y sus reflexiones, el inspector, el forense Ferreras, la maestra Susana Grey y el asesino. Esta es la parte mas interesante de la novela.
Se intercalan los dialogos íntimos del asesino y del inspector, la búsqueda del gato y ratón y sus pensamientos intimos, un duelo trepidante entre ambos que no se conocen pero sueñan con el momento de conocerse, uno para aplastarlo como una colilla y el otro para fardar de sus " logros" la mente enferma contra la mente atormentada del que tiene que ver actos miserables y ponerles freno, alguién que no cree en la justicia y que sabe que el asesino saldrá libre a los 10 años y volverá a sus malos hábitos, destrozando vidas.
De repente el asesino pierde protagonismo y lo gana el inspector y su relación amorosa inesperada con la maestra de la niña, Susana Grey. Lo mal que se siente el inspector en un primer momento por ser adultero, el con otra mujer mientras la suya está ingresada en un sanatorio. Un amor desesperado entre dos almas solitarias y que piensan que ya paso el último tren, es una historia de amor sobria, concisa y sin florituras con sabor amargo y con redención. Digamos que es una rendija a la luminosidad, hacia la vida. Dentro del infierno surge ese rayo de esperanza que es el amor. Me aburrió bastante la historia de amor, debo confesarlo y es que el amor no es para contarlo, sino para vivirlo. Yo si tuviera que contar la historia de amor con mi mujer, 11 años juntos, no sabría contarla y no desearía tampoco contarla. Son imágenes que se me vienen a la cabeza, momentos que tan solo me interesan a mi y a ella. Pero esto es una opinión personal, el caso es que me corta el hilo de la narración, pero entiendo que Molina quiere hacer una historia de personajes y desarrollarlo bajo una situación límite y muy trágica. Está bien contado y bien hilvanado así que nada que objetar.
El asesino está bien dibujado aunque la parte final cuando abraza el cristianismo es un mero cliché para sacarselo de encima y es que esa es la impresión que deja la novela, que el asesinato de Fátima y el asesino no tienen importancia para centrarse tan solo en la figura del inspector.
El asesino vuelve a actuar pero le sale el tiro por la culata y lo acaban cojiendo, algo previsible pero muy bien contado, sin estridencias y sin utilizar trucos del Thriller para que la tensión vaya en aumento, contado de una forma muy natural y sin show alguno, sobrio.
Queda tan solo por desvelar el final de la historia de amor, luminoso, esperanzador pero también amargo con un último giro en las últimas páginas, un viejo fantasma que siempre estuvo rondando al inspector durante toda la novela que es un testigo mudo pero que pasa a cobrar su protagonismo a última hora. Me falta tan solo hablar del estilo narrativo de Molina. No utiliza apenas los diálogos y tira mucho del monólogo interior, de la descripción en tercera persona y puede parecer engorroso pero no lo es, al menos en la primera parte de la novela donde logra un gran ritmo narrativo. Digamos que Molina no quiere ser mero testigo de unos hechos y narrarlos de forma fria, quiere calificarlos y anteponer las emociones que estos causan, los destragos en la personalidad de sus personajes aunque esto suponga un pequeño freno hacia el avance de la novela.
Personajes muy bien elaborados y que con el paso de las páginas se van definiendo poco a poco de forma natural, una historia que te atrapa en la primera parte pero que va perdiendo fuelle poco a poco, de todas formas me parece un muy buen escritor y una historia que te hará reflexionar, recomendable. 

Divinas Palabras

1987 españa drama 107 minutos. director: jose luis garcia sánchez. guión: josé luís garcia sánchez, enrique llovet, obra de Valle Inclán. música: Milladoiro. Fotografia: Fernando Arribas. productora: Lola Films. Reparto: ana belén, francisco rabal, imanol arias, esperanza roy, aurora bautista, juan echanove, nicolás dueñas, antonio gamero.
Sinopsis: La acción de este descarnado retrato de la naturaleza humana, basado en la obra de Valle-Inclán, transcurre en la Galicia de principios del siglo XX. Para huir de la pobreza, la esposa de un sacristán de aldea utiliza a un niño hidrocéfalo como atracción de feria. Eso la llevará a enfrentarse a su cuñada, que tiene el mismo propósito, y a meterse de lleno en un mundo en que residen las más bajas pasiones.

 Adaptación de la formidable obra de Valle-Inclán. La acción se sitúa en la Galicia de principios del siglo XX. Es la historia de la esposa (Ana Belén) de un sacristán (RAbal) que para intentar huir de la pobreza, utiliza a su sobrino (Dueñas), un niño hidrocéfalo, como atracción de feria. Esto la enfrentará a su cuñada (Bautista), que tiene las mismas intenciones y a meterse en un submundo de maldad y bajos instintos.
Interesante captación del abigarrado y maravilloso mundo esperpéntico valleinclanesco por parte del habitualmente desatinado y muy mediocre García Sánchez. "Divinas palabras" es, en literatura, un descarnado y crudo retrato de la naturaleza humana, de sus bajas pasiones, en un ambiente social tan rico de paisanaje como explicitador de la pobreza de espíritu de éstos. La Galicia, la España rural, queda perfectamente fotografiada. En la película, se logra salvar decentemente todo esto, sobre todo gracias a un extenso y adecuado reparto, dónde falla, sin embargo, la presencia de una demasiado cristalina Ana Belén. A pesar de todo, interesante y entretenida.

https://www.youtube.com/watch?v=t_OwSUlT3GM

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jamón jamón

1992 España 95 minutos. Director: Bigas Luna. Comedia. guión: Cuca Canais. música: Nicola Piovani. fotografia: Jose luís Alcaine. productora: Lola Films. Reparto: Javier Bardem, Penélope Cruz, Stefania Sandrelli, Anna Galiena, Juan Diego, Jordi Mollà, Tomás Penco, Armando del Río
Sinopsis:  José Luis es el hijo de un acaudalado matrimonio que posee una fábrica de ropa interior masculina, en la que trabaja su novia Silvia. Cuando ella se queda embarazada, él promete casarse con ella a pesar de la oposición de sus padres. Con el fin de frustrar esa boda no deseada, la madre decide contratar a un joven aspirante a torero para que seduzca a la joven.
Bigas Luna es un genio que se hace insoportable por su zafiedad y sexualidad demasiado a ras de tierra. Nada en él remonta a lo más sórdido que se encuentra uno caminando por la calle y lo peor es que tiene material y talento, entiendo talento en este caso como capacidad para crear imágenes potentes, pero se pierde en lo chabacano y lo obsceno sin mencionar lo obvio de muchas de sus aportaciones. La pelea a jamonazos copiando el duelo a garrotazos de Goya es de vergüenza. Personajes sórdidos sin más motivaciones que las animales, sin horizontes y sin buscarlos, a caballo entre la realidad más sucia y la ensoñación estúpida y sin sentido.

Se salvan a medias los actores que tampoco pueden hacer milagros.
Erotismo de cuadra y cargado de esa brutalidad chabacana del ninot fallero que, sin la sátira de éste, queda en nada. Lo peor es que ni se olvida ni se puede tirar como un mal producto.
 https://www.youtube.com/watch?v=KQdZQrYC6aA
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Aeropuerto 75

1974 Usa Acción. 107 minutos. Director: Jack Smight. Guión. Don Ingalls. música: Jhon Cacavas. Fotografia: philip Lathrop. Productora: Universal. Reparto: charlon heston, karen black, george kennedy, efrem zimbalist, jr susan clark, gloria swanson, linda blair, dana andrews, sid caesar, myrna loy, nancy olson, martha scott, ed nelson.
Sinopsis: Cuando un Jumbo 747 colisiona contra una avioneta pilotada por un hombre de negocios que acaba de sufrir un infarto, el pánico se apodera de los pasajeros. Muertos los pilotos a causa del choque, la azafata Nancy Pryor, recibe instrucciones por radio para poder hacerse cargo de la situación.

 Según tengo entendido, en el momento de su estreno "Aeropuerto 75" fue vapuleada por la crítica, y no me extraña, pues estamos ante una lamentable secuela de la magistral y muy entretenida "Aeropuerto" de George Seaton.

"Aeropuerto 75" engloba en su interior todos los defectos del cine catastrofista tan típico de los 70 y sería interminable la enumeración de todos sus exasperantes e irritantes toques del peor cine-espectáculo. Pero, a pesar de la mediocridad del resultado final, no pude evitar esbozar una sonrisa constante durante todo el film, llegando, incluso, a gustarme la tremenda exageración con que está planteada.

¿Por qué?, pues sobre todo gracias a la sublime "Aterriza como puedas". Pero ¿cómo es posible que una película paródica e hiriente haga más agradable y llevadera la película original parodiada? Pues porque la genial e hilarante comedia de los ZAZ (todo un clásico a reivindicar, dicho sea de paso) hace que cada escena de "Aeropuerto 75" sea más entrañable y más simpática por el continuo derroche de escenas tan tópicas y susceptibles de ser parodiadas.

Es más, no sé si intencionada o accidentalmente, Jack Smight aporta a todos los pasajeros del avión un tono muy surrealista, casi kafkiano, empezando por esa Gloria Swanson, autoimitándose de forma magistral y grotesca, y siguiendo con el resto del elenco, a cual más divertido. Incluso me atrevería a decir que todo el reparto es consciente de estar en una comedia más que en un trágico y sobrecogedor film catastrofista. Todos menos Charlton Heston, claro, que intenta tomarse en serio un personaje que roza el absurdo de forma continua.

En fin, cuando un film tan terriblemente malo consigue que desees ver inmediatamente las siguientes secuelas ("Aeropuerto 77" y similares) algo bueno tendrá, aunque a veces nos cueste ver lo que es.

https://www.youtube.com/watch?v=Ksjg3xRXC3I 

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