domingo, 25 de septiembre de 2016

del rosa.... al amarillo

1963 España 88 minutos. drama. Director: manuel summers. guión: manuel summers. música: antonio pérez olea. fotografia: Francisco fraile. Productora: Impala S.A. / Eco Films S.A.. reparto:  cristina galbo, pedro díez del corral, josé v cerrudo, lina onesti, maria jesús corchero, valentín de miguel, pilar gómez ferrer.
Sinopsis:
Dos historias de amor destacan en una película: dos niños de 12 y 13 años, Guillermo y Margarita, obligados a dejar de verse durante el verano, y una pareja de ancianos, Valentín y Josefa, que se aman en silencio en el asilo donde viven.


 Para empezar, he de alabar las cuestiones técnicas de este obra, impregnado sutilmente de la primera nouvelle vague, la cual a mi entender es una filmación mucho más que correcta. Pocas veces una cámara ha registrado la infancia con tanta credibilidad y aproximación. Viendo esas imágenes de la primera historia narrada por este film, esos encuadres, esos planos de niños jugando en la calle o asintiendo a clase, uno consigue meterse en la piel de un chaval, en este caso la piel de un crío enamorado y madrileño del año 63. Y si hablamos de la segunda parte, la historia de amor tierna, epistolar y casi infantil de dos ancianos en un hospicio, pues lo mismo, todo filmado con tanta naturalidad y tanto amor cómo el que quiso mostrarnos el director con su película, por que de eso debía tratarse, de darle reflejo al amor en estado puro... a mi juicio, Summers lo consiguió meritoriamente en esta película.


Con respecto a las interpretaciones, maravillosas. Los niños tienen mucha prisa por crecer, y los viejos corren para ser más jóvenes, y en ningún momento los actores, encaminados por un brillantísimo guión, me hacen dudar en lo más mínimo. Me lo creo todo.
¿Y el guión?, pues preciso, casi diría que perfecto. Quizás he de reconocer que la segunda parte, la historia de amor entre los dos ancianos, me resulta menos fluida, pero maravillosa igualmente, y con un final tan sencillo cómo fantástico.
Otra cosa que quería resaltar es el temprano uso que hizo Summers en esta película de la combinación del blanco y negro, junto con imágenes en color (o mejor dicho, filtros de color), algo muy poco frecuente en el cine de esa época, y aún menos en el español.


Por favor, vean esta película, de verdad que esta obra merece mucha más atención de la que me temo que tiene por estos fueros... y si alguien se arrepiente de mi consejo, pues que venga a tirarme un ladrillo a la cabeza, una moderna superproducción de Hollywood, por ejemplo.
https://www.youtube.com/watch?v=1CcrKFrr-9o 
trailer 

Papa Cadillac

Usa 1988 88 minutos. director: Greg Beeman. Guión: Neil Tokin. Música: Jay Ferguson. fotografia: Bruce Surtees. productora: 20 century Fox. comedia. Reparto: corey haim, corey feldman, carol kane, richard masur, heather graham, michael manasseri, harvey miller, nina siemaszmako, helen hanft, hames avery.
Sinopsis: Lex, un chico de dieciseis años a quien suspenden en un examen de conducir, decide mentir a todo el mundo y hacer creer a su familia y amigos que ya está listo para llevar el flamante Cadillac de su abuelo. La broma le cuesta dos semanas de castigo cuando es descubierto por sus padres.

 En esta comedia veraniega protagonizada por la pareja de adolescentes del momento en USA encontramos un producto bastante potable, ya que el argumento es bueno no pudiendo decir lo mismo de las interpretaciones de la mayor parte del reparto.

Se nota cierta desidia por parte del director ya que parece estar ausente , dejando a un grupo de actores mas o menos conocidos totalmente descoordinados sorprendiendo para mal una Carol Kane que años atrás trabajó con Woody Allen en Annie Hall y ahora nos muestra una pésima y sobreactuada interpretación para no desentonar con el resto del reparto adulto.


Solo se salva James Avery que con su magistral interpretación de examinador, sienta las bases del que años más tarde será su personaje más conocido en la serie el príncipe de Bell Air.

Sorprende que las interpretaciones más pasables sean las de los adolescente protagonistas de la trama sorprendiendo gratamente una Heather Graham que comenzaba en el mundo del cine , lástima que no supo evolucionar con los años quedando encasillada en un mismo rol.

El argumento es muy bueno y se presta a contar una muy buena historia, lástima que se confiara excesivamente en el tirón comercial de los protagonistas descuidando detalles tan básicos como crear un nombre para alguno de los personajes en lugar de usar el real.


Aun así el resultado es bastante llevadero haciendo al espectador sumergirse en el argumento y sentir la tensión de la trama desarrollada en unas pocas horas con un gran número de eventos que se encadenan de forma más o menos afortunada , recordando a la cinta coetánea de Scorsese ¡Jo, qué noche! pero en versión adolescente.


En cuanto a fotografía y exteriores puede decirse que han sabido reflejar la soleada california residencial, huyendo de los interiores de instituto tan normales en este tipo de comedias adolescentes.

La banda sonora es un compendio de artistas de la época, con algunos de sus temas más conocidos, cabe destacar la presencia de varios temas de Sinatra que lo cierto es que son introducidos en la trama con un gran acierto dando como resultado un gran trabajo.

https://www.youtube.com/watch?v=a4KJtDxTqWQ
trailer

Kansas - The Prelude Implicit

Kansas - The Prelude Implicit  rock progresivo Usa 2016
Temas:
01. With This Heart
02. Visibility Zero
03. The Unsung Heroes
04. Rhythm in the Spirit
05. Refugee
06. The Voyage of Eight Eighteen
07. Camouflage
08. Summer
09. Crowded Isolation
10. Section 60
11. Home on the Range (Cover Version)
12. Oh Shenandoah (Cover Version)

Formación:
Phil Ehart: Batería
Dave Manion: Teclados
Billy Greer: Bajo
Ronnie Platt: Cantante, Teclados
Rich Williams: Guitarra
Zack Rizvi: Guitarra
David Rangsdale: Violín


Nueva obra de los Kansas que rompe un silencio que duraba ya 16 años. Vuelven a la carga por un sencillo motivo, el dinero. La banda está de aniversario y están reeditando todos sus álbumes clásicos, podrían limitarse a hacer una gira sin más pero han querido editar temas nuevos, lo cuál les honra.
Para la mayoría de los fans de la banda está es una vuelta descafeinada. Es el primer álbum sin Steve Walsh, la voz de esta banda y su alma mater, tampoco está su substituto durante un breve periodo de tiempo como fue Jhon Elefante, le sustituye Ronnie Platt y tengo que decir que es un calco de Steve Walsh y Elefante, así que su fichaje me parece todo un acierto.
Tampoco está el guitarrista y fundador de la banda, Kerry Livgren que ahora mismo vive alejado de la música y es pastor, una ausencia que ya estaba prevista y faltan su bajista Hope y su violinista Steinhardt. ¿ Quién queda aquí?  Rich Williams y Phil Ehart, guitarra y batería y nadie más.
Confieso que no daba ni un solo duro por esta formación pero al igual que los Riot V me tengo que tragar mis palabras y reconocerles que han sabido recojer el espiritu de los Kansas de toda la vida, al menos este The Prelude Implicit es un álbum mucho más interesante que los últimos tres trabajos de Kansas.
With This Heart es un tema vitalista que tiene mucha esencia de los Queen y mezclado con los aires clásicos del Leftoverture la piedra angular de los Kansas. Reaparece el violín y el piano para darle ese toque melódico a la composición. Visibility Zero es un corte mas dirigido hacia terrenos progresivos, me recuerda a los Deep Purple del Purplendicular. El cambio de ritmo y como introducen una intensidad en los riffs y en los arreglos orquestales rozando el Aor y con un momento top del violinista.
The Unsung Heroes arranca con el violín en un mediotiempo que te traslada a los setenta y a la era del rock progresivo, con similitudes a los Marillion solo que con una base rítmica más Jazz fussion y esas melodías Aor, con mucho estilo. De nuevo combinando violín y guitarra a partes iguales y con un solo de teclado muy progresivo sin perder nunca la melodía.
Rhythm in the Spirit es un corte algo mas contundente no se olvidan de rockear pero como suele ser habitual en ellos a medida que va avanzando el tema se adentran en una melodía Aor pero ojo con el riff a lo Blackmore en su época mas incendiaria en los Purple porque les queda realmente bien.
Refugee es una de las baladas del plástico es imposible no pensar en el Point of Known Return y el Monolith, te traslada a esa época de la banda. The Voyage of Eight Eighteen es un mediotiempo donde guitarra y violín unen fuerzas para recrear una atmósfera épica y progresiva. Es un corte de ocho minutos que no tiene el feeling de los anteriores cortes pero musicalmente trata de retomar la senda de gloria de los setenta, cuando los Kansas era una de las mejores bandas del planeta.
Camouflage es un cruce entre los Rainbow y Kansas, un tema melancólico y muy sentido que te traslada a otras dimensiones y ojo con su cambio de ritmo, no te lo esperas y es como entrar en otra dimensión con toque oriental y un riff pesado construyen algo completamente diferente.
Summer es un tema mas veloz y de los que mas gancho tienen. La velocidad es mas alta y es el violín quien substituye el papel del riff y lleva la melodía con un buen estribillo hacia territorios mas comerciales. Crowded Insolation me recuerda al Perfect Strangers de los Purple pero con ligero toque progresivo y finalizamos con la instrumental Section 60, el tema que contiene el mejor solo de guitarra. No me esperaba nada de los Kansas y me han sorprendido muy gratamente. Han logrado recuperar su esencia, este álbum es una mezcla de sus álbumes de los setenta y su etapa aor, sus fans estarán muy contentos.

Nota:
7,5/10

jueves, 1 de septiembre de 2016

Fotografia Estereostópica

La fotografía estereoscópica nace de la mano de la fotografía común. En 1838 Sir Charles Wheatstone publicó un artículo en el que describía la visión estereoscópica. Este descubrimiento pudo aplicarse pronto al nuevo invento de moda en la época.
Se basa en la visión humana y en la separación de, aproximadamente, 65 mm. que existe entre nuestros ojos. Éstos reciben cada uno una imagen diferente que el cerebro une creando el efecto de tridimensionalidad.
Las cámaras estereoscópicas de la época tenían dos objetivos que impresionaban las placas sensibles con dos imágenes diferentes. Este tipo de cámara fue perfeccionada y comercializada por Sir David Brewster en 1851.
Para conseguir la visión en tres dimensiones se inventó un aparato llamado estereoscopio. Con él se ponen las fotografías una al lado de otra y pueden ser vistas de manera que el cerebro las integre en una sola.
Los grandes estudios y fotógrafos como J. Laurent o Roger Fenton pusieron de moda este tipo de fotografía.
El grueso de estas imágenes data de finales del siglo XIX y llegan hasta 1910 aproximadamente. La mayoría de ellas muestra animales exóticos, mamíferos poco conocidos, paisajes, etc. Personajes como La Reina Victoria de Inglaterra fueron retratados con este sistema. La mayor producción de fotografías estereoscópicas estaba en Nueva York, Berlín y Londres.
Existen muchas técnicas distintas para lograr hacer llegar cada imagen al ojo que le corresponde. En la creación de estas sensaciones espaciales intervienen aspectos tanto de la visión monocular como de la visión binocular. Éstas características son potenciad artificialmente para conseguir "recrear" la denominada tercera dimensión.
Las técnicas básicas que no requieren ningún aparato son: la de ojos cruzados (cross eyed) y la de ojos paralelos (parallel eyed), en estas simplemente se ponen en la pantalla o papel las dos imágenes, correspondientes a cada ojo una al lado de la otra; para la técnica de los ojos cruzados la imagen izquierda corresponde al ojo derecho y viceversa, en la técnica de los ojos paralelos la imagen de la izquierda corresponde a ese mismo ojo y viceversa. Para lograr que cada ojo vea la imagen que le corresponde se requiere de algo de entrenamiento, que puede durar varios minutos, al principio se ve borroso porque el ojo usa un enfoque lejano, esto se puede mejorar alejándose de la imagen -pueden intentar con la imagen al inicio de esta página al lograrlo la mano que apunta pareciera salirse de la pantalla-. Ya con la vista entrenada se logra ver el efecto de forma instantantea y sin ninguna borrosidad, lo que en principio es banstante impresionante, claro que depende de lo que se esté viendo. Entre las ventajas de esta técnica están en que la imagen estereoscópica se ve en color verdadero y que se pueden ver imágenes o videos de cualquier tamaño.

Sin embargo, para el que no lo logre hay otras formas muy económicas para ver el efecto, se puede usando dos prismas como los que traen los binóculos por dentro, colocando los extremos de 90 grados en frente uno del otro y mirando con cada ojo a través de cada prisma, con los lados más largos perpendiculares a donde estén desplegadas las dos imágenes para cada ojo. Luego tratar de cambiar el ángulo de los primas de forma tal que las imagen de un lado quede sobrepuesta a la del otro, inicialmente se ven dos imágenes en cada ojo pero cuando se sobreponen a pesar de que el ajuste no sea exacto en sistema de corrección del ojo hace su trabajo y mantiene la sobreposición a pesar de que el ajuste tenga algo de error, como resultado se ven solo tres imágenes donde la del centro da la ilusión de salirse de la pantalla y de ser algo real. Lo mismo se puede hacer con dos espejos pequeños así: colocándose mirando alrededor de 45 grados de la pantalla y mirando a través de los espejos buscar la superposición para lograr el efecto. También se puede ver el efecto usando un solo espejo grande poniéndolo en la intersección de las imágenes correspondientes a cada ojo, y mirando directamente a una de las imágenes y a la otra a través del espejo, sin embargo se requiere que la una imagen este invertida para que al verla por el espejo se vea correctamente(en YouTube se pueden encontrar varios videos 3d que usan estas técnicas). Existe además un aparato basado en esta misma técnica pero algo más refinado llamado estereoscopio que consta de dos espejos para cada ojo, para que las imágenes no se vean invertidas, y que tiene un pivote de ajuste dependiendo de la distancia y el tamaño de las imágenes, construir un dispositivo de estos es bastante fácil.
Existen además otras tres técnicas principales que permiten simular el efecto estereoscópico (3D): método anaglifo, sistema Cromatek y efecto Pulfritch:

La pequeña comunista que no sonreía nunca de Lola Lafon


Sinopsis:  18 de julio de 1976, Juegos Olímpicos de Montreal. Nadia Comaneci, una jovencísima y desconocida gimnasta de un país remoto, Rumanía, ejecuta su ejercicio en las barras asimétricas. Un ejercicio perfecto. La niña de catorce años deja a todos patidifusos y hace saltar por los aires el marcador electrónico, que no preveía la posibilidad de que un ser humano alcanzara la perfección. Nadia obtiene el primer diez en gimnasia de la historia olímpica. A partir de ese momento epifánico, la historia de la pequeña Nadia es la de una criatura adorable que conquista el corazón del mundo entero: el «hada de Montreal». Pero también la de una niña que en poco tiempo se hace mujer y es sometida por ello a un juicio implacable: «la magia se ha esfumado», sentencia un titular de la época. Y la de una adolescente que vive bajo el régimen comunista de Ceaușescu, encumbrada a la categoría de héroe nacional. Y la de una chica sometida a la vigilancia de la Securitate y al asedio de Nicu, el siniestro hijo del dictador. O la de una mujer que, un mes antes de la revolución que derrocará y ejecutará al Conducator, protagoniza una fuga de película a través de la frontera con Hungría y llega a los Estados Unidos como refugiada política para descubrir que el sueño americano no es precisamente un cuento de hadas.

Opinión Personal: Ahora que estamos en plenos juegos de Rio, imbuidos por el espiritú olímpico, hambrientos de épica, nada mejor que leer a Lola Lafon que nos propone una historia apetecible como es una de las mayores hazañas del deporte como es el 10, la perfección de una gimnasta de 14 años como era Nadia Comaneci que desafio primero el imperio de las gimnastas soviéticas y luego el límite de la capacidad de entrenamiento de un ser humano, hasta alcanzar la perfección.
El tema es sugerente pero la novela en sí, es un gran jarro de agua fria, no se cumplieron ni una de mis espectativas leyendo esta novela y lo que es peor, después de leer esta novela, tengo que decir que hasta pinchando en la wikipedia me hago una idea más acercada de lo que fué Nadia Comaneci.
Podríamos decir que es una biografia novelada pues no existen los diálogos, salvo los que mantiene la escritora con la gimnasta por teléfono, es lo poco interesante. Lo es, porque Nadia le ofrece una visión que desdramatiza por completo lo que intenta crear Lafon, que es la típica visión que tendría alguién criado en una sociedad capitalista de un regimen comunista como era la Rumania de Ceacescu.
Empecemos por la forma de escribir de Lola. Es una escritora agil, con una prosa que roza lo poético por momentos, pero que no atrapa en ningún momento, y eso que tenía una historia de lo más potente entre manos, suficientes elementos dramáticos como para ofrecer algo realmente potente que se queda en nada.
Lola quiere hacer especial hincapié en el método de trabajo de Nadia y en general de las gimnastas rumanas de la época. Para ella es como una especie de niña soldado sin niñez que sirve para alimentar al gran público, hambriento de nuevos héroes al que parecerse. Como bien dice la propia Nadia, nadie le puso una pistola en la cabeza para que se dedicará a la gimnasia y ella cree que en realidad no se perdió nada interesante como jugar a las muñecas.
Es más protagonista en la novela Bela, su entrenador que la propia Nadia, el primer gran error de la novela. Bela se acabó pasando a Estados Unidos y acabaría ganando una medalla de oro con su país de acogida entrenando a una nueva gimnasta.  A medida que avanza el relato se va olvidando de Nadia y se centra tan solo en Bela, con el consecuente bajón de la novela.
Se centra en Montreal 1976 que es cuando paralizo al mundo con ese 10 y trata de forma general Moscú 1980. Donde Nadia no tuvo una buena preparación pero aún así alcanzó el éxito de nuevo, pese al jurado soviético. Lola Lafon se centra en la prensa y el espectador y quizás en la presión que sentia la niña, olvidándose por completo de los éxitos deportivos que alcanzó la Comaneci, algo de lo que la propia Nadia Comaneci siempre se mostró de lo más orgullosa.
En cuanto a su ocaso como deportista, pasa de puntillas. Pero tampoco quiere tocar todas las destinciones que recibió la Comaneci por sus hazañas deportivas y como fué su posterior vida en los Estados Unidos, se caso con un gimnasta y sigue ligada a este deporte, tanto en Rumania como en Estados Unidos.
La contraportada nos dice que van a tratar de temas como la Rumania de Ceacescu... sobre el dictador, tan solo breves pinceladas. Sobre la Rumanía de aquellos años, auténticos clichés de propaganda anticomunista, es decir, los ojos de alguién criado en un sistema capitalista, haciendo especial mella en la falta de libertad, la Securité que lo controlaba todo.... nada que ver en todo caso con régimenes mucho más terroríficos como era la Albania de Hoxha.
De todas formas, al menos Lola Lafon utiliza entrevistas con otras gimnastas y gente rumana, que ofrece otro punto de vista de la Rumania del dictador y sirve de contrapunto a la visión capitalista.... pero nunca es una visión acertada en ninguno de los casos. Más bien, simplemente es una visión de como eran los setenta y ochenta en cualquier parte del mundo y como es ahora el mundo con su sistema capitalista global, en eso queda reducida la novela.
Nos dice la contraportada que tratara el supuesto romance entre Nicu Ceacescu ( el hijo del dictador) y Nadia... tres líneas. Nos promete hablar de la espectacular huída de Nadia de Rumania, 15 días antes de que el dictador fuera fusilado junto a su mujer... vaguedades.... eso es toda la novela, puro humo y vaguedades con diferentes puntos de vista.
Para construir el personaje de Bela y de Nadia, utiliza sus autobiografias y una documentación muy buena, incluso viajando al propio Bucarest, es innegable la dedicación de la autora al tema. Pero el libro no cumple con ninguno de sus cometidos y a mi por lo menos, me decepcionó mucho.

El arte de amar

1965 Usa comedia. 99 minutos. director: norman Jewison. guión: carl reiner. música: cy coleman. fotografia: rusell mitty. productora: universal pictures. Reparto: james garner, dick van dyke, elke sommer, angie dickinson ethel merman, carl reiner, pierre olaf, louis mercier, naomi stevens, rolfe sedan, victoria carroll.
Sinopsis: Paul (Dick Van Dyke) y Casey (James Garner), dos artistas estadounidenses, llevan una vida bohemia en París, pero no consiguen el éxito. La novia de Paul (Elke Sommer) confía en su talento y, desde América, le manda dinero para pagar el alquiler de la casa; pero Paul no soporta esta situación de dependencia y decide volver a su país. A Casey se le ocurre entonces un plan para hacer triunfar a su compañero: se trata de fingir que Paul ha muerto para que así aumente el valor de sus cuadros. Al principio todo marcha bien, pero después el plan se vuelve en contra de Casey, al que acusan del asesinato de Paul.

 Lo de plácidos es un decir; simplemente, no nos enterábamos. Bien, pues, Norman Jewison fue un director que reventó taquillas y concitó las alabanzas de público y crítica durante los años 60 y principios de los 70. ¿Quién no se acuerda de El rey del juego, En el calor de la noche, El violinista en el tejado, Rollerball o Jesucristo Superstar? Empezó haciendo comedietas para la pareja Tony Curtis/Suzanne Pleshette y para Doris Day. El arte de amar es una tontorrona comedia ambientada en un París de pacotilla, con una trama juguetona de Carl Reiner que pone en escena a dos amigos enfrentados por el amor de la curvilínea Angie Dickinson (no me extraña). Van Dyke consigue disfrazarse una vez más, una de sus especialidades, Garner pone su cara de chico sano made in USA, y Elke Sommer, que había empezado en Bahía de Palma, pues eso, tan mona ella.

Y eso es la película: mona. Estoy de acuerdo contigo, Fantomas. Cuando uno tiene debilidades, se las ha de permitir. Ya sé que no es gran cosa, que el guión chirría, que los sets dan grima, pero... De vez en cuando se echa en falta un poco de amabilidad, entre tantas cosas terribles como vemos (Amor, La noche más oscura...). Durante hora y media, soñemos que el mundo fue inocente hace un millón de años.
https://www.youtube.com/watch?v=Km-nQGexhSw 
película completa en inglés 

Elf " Elf "

Elf " Elf "  1972 Blues Rock Usa
Temas:
1. Hoochie Koochie Lady
2. First Avenue
3. Never More
4.  I'm Coming Back for You
5.  Sit Down Honey (Everything Will Be Alright)
6.  Dixie Lee Junction
7. Love Me Like a Woman
8.  Gambler, Gambler

Formación:
Dio: Cantante
David Fenstein: Guitarra
Mickey Lee Soule: Piano, órgano
Gary Driscoll: Batería


Elf fué la primera incursión de Dio en el mundillo del Rock y lo hizo de la mano de su primo David Feinstein. Como curiosidad os diré que Dio firmó este álbum como Ronald  Padovana, su verdadero nombre, según el propio Dio, utilizo su verdadero nombre para rendirle tributo a sus padres.
Al finalizar este segundo álbum, David Feintein dejó la banda para montarse su propio grupo, The Rods, Steve Edwards fué su sustituto. Este fué el paso previo de Dio para dar el salto definitivo a la élite del Rock con los Rainbow.
Hoochie Koochie Lady es el tema que abre el álbum. Una mezcla entre Boogie Rock y Blues construido a base de teclado. Muy setentero, con buen sabor de boca y poco más. Siguen apostando por el clasicismo absoluto con First Avenue. Otro corte lento y construido a base de teclado que tiran de un Blues alegre y elegante echo con la gorra. El único interés de Elf radica en ver a Dio en otros registros. Nunca quiso volver a sus raíces Blueseras y lo cierto es que no se le daba nada mal.
Never More  es mi tema favorito de todo el trabajo. Arranca con el teclado y con aires de balada hasta que se produce un buen cambio de ritmo donde surge la guitarra de Feinstein y le dota al tema de unos aires funkie, interesante la parte final con esos riffs en cascada.
I'm Coming Back for You es el clásico tema comercial con un estribillo comercial y machacón que curiosamente recuperaria Dio para Rainbow, estos aires de rock suave y comercial para algunos temas del Long Live Rock and Roll.
Seguimos con este viaje al pasado para descubrir los orígenes de una de las estrellas del metal y lo hacemos de la mano de  Sit Down Honey (Everything Will Be Alright), otro tema sin ningún interés, elegante y digerible pero poco más. Es el clásico Blues neoyorkino de los setenta, emulando a los grandes y con esa alegría que despide cada nota.
El protagonismo siempre recae en Mickey Lee Soule y su teclado, en realidad, el es el cerebro de esta banda.  Con este Dixie Lee Junction rozan el Aor y el pop Rock. Una balada con mucho de los Elo, Eagles.... eran unos novatos y emulaban a las bandas que les motivaban sin más. Incluso el tema tiene un aire a Ufo y a Scorpions.... en cuanto al solo, suena a Led Zeppelin de aquí a Lima.
  Lo malo de los Blues de este álbum es que suenan todos igual como Love Me Like a Woman, que es un simple corte en el cual emulan a las grandes inspiraciones del Blues del momento y poco más. En el último corte, Gambler hay una clara influencia de los Cream y su maestro de ceremonias, el señor Clapton, apodado Slowhand.
Es un álbum muy agradable de escuchar, para que lo vamos a negar. El Blues son las raíces de nuestro Rock y futuro Metal, en el Blues está el corazón de esta música y es lo que explotan los Elf en su primer trabajo. Nada destacable, muy influenciado por grandes bandas pero descubriendo a uno de los mejores cantantes que dio la historia del metal.
https://www.youtube.com/watch?v=bEBX9LG5fjQ&list=PLWbEGpLhac0H1WI9ZrTmRlbfMe1_FErK7&index=1
álbum completo