jueves, 28 de febrero de 2013

fotos premiadas

la naturaleza nos deja fotografías impactantes, dos fotos del national geographic.

la cinta blanca

año 2009. 145 minutos. director: michael haneke. reparto: susane lothar, ulrich tukur, burgart klausner, marisa growaldst. alemania. ganadora del globo de oro, y nominada al oscar.
sinopsis: n 1913, en vísperas de la Gran Guerra (1914-1918), accidentes inexplicables perturban la tranquila vida de un pueblo protestante del norte de Alemania.

Veinte años después de sorprender con su fantástica y, aún hoy, insuperable primera película comercial (más allá de varios telefilms imposibles de localizar), "El séptimo continente" (Der siebente Kontinent, 1989), Michael Haneke puede sentirse orgulloso de haber alcanzado la categoría de maestro, un puesto privilegiado en la lista de cineastas no sólo a seguir (eso ya lo había logrado con Funny Games, La pianista o Caché, entre otras), sino también a apuntar a la lista de los mejores realizadores en activo.

"La cinta blanca" convence más por su lado técnico que por lo que cuenta, algo totalmente comprensible cuando la potencia de su nueva obra se basa no en el qué sino en el cómo. Una simple historia, casi una fábula, le sirve a Haneke para analizar a una sociedad corrupta, sin intención de cambiar, hipócrita y la vez cruel. Una serie de sucesos acaecidos en una ciudad antes de la primera guerra mundial son el detonante de una historia llena de mala baba, crítica social -como siempre en Haneke- pero sobre todo, realidad. Gracias a esta característica la obra pasa de ser buena a convertirse en excepcional. No hay nada que sobre en la historia, nada que falte. Como en "Caché", Haneke se sustenta en la ambigüedad, no da respuestas. No se necesitan.

Pero donde destaca es en su estética, su ambientación, una maravillosa fotografía en blanco y negro obra de Christian Berger, habitual del director en este campo y que aquí brilla con luz propia, pudiendo casi considerársele (por importancia y presencia) casi co-director del film. La ambientación remite a la obra de Bergman, la dirección, perfecta, lo hace al cine de Kubrick y de Tarkovski. Se trasmite a través de silencios, de miradas, y claro esta, de palabras. El perfecto equilibrio entre unas cosas y otras hace que "La cinta blanca" sea una cita ineludible, una de las mejores películas del año y que, junto a "El séptimo continente" y "La pianista" conforma la trilogía obligatoria, esencial, de un director único y personal.
Haneke intenta crear una obra maestra, más que sobre los origenes del nazismo, sobre el carácter alemán, estamos a unos meses antes de que estalle la primera guerra mundial en una aldea alemana. Dónde unos campesinos viven con lo justo, mientras arán las tierras del barón, vemos otros personajes muy bien trazados, como el cura, un ser asqueroso, que somete a sus hijos a su moralidad de inquisidor. Y un doctor, maltratador y violador, a todo esto suceden cosas en la villa que nadie se explica: como un accidente que sufre el doctor, la quema de un granero, o que le peguen palizas al hijo del conde.
esta compuesta por pequeñas historias personales, que juntas le dan carácter y personalidad a un pueblo, se puede considerar una obra maestra, porque es cómo la colmena pero con un fin, o es sobre todo como los santos inocentes, un retrato de una época, de la riqueza y la pobreza, y las ideas de la época. Aunque tiene unos grandes planos, algunos de ellos homenajes a hitchcock, a ratos para mí gusto, peca de pretenciosa.
aún así hay que admitir que a ratos es súblime, tiene escenas muy buenas, como el suicidio del granjero, el simbolismo del pajaro muerto sobre la mesa del cura, y un sin fin de planos, algunos como cuando el profesor va en carruaje con su novia, pues homenajes al cine mudo.
el espectador logra olvidarse de el fin del film, que es averiguar quién es el autor de las fechorías. Pero se olvida de ello, porque el director se encarga que te distraigas con cientos de pequeñas historias, y en esta película es muy sútil, y es más importante lo que se deja caer que lo que sucede en realidad. Así tenemos la historia del sacerdote y sus hijos que lo odian en secreto, tenemos la ridicula historia de amor entre el profesor y la institrutriz, la miseria de los campesinos, unos niños perdidos, el sadismo y odioso comportamiento del doctor , los cuernos del barón etc.
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 sólo le pondría un pero, a mí los finales abiertos no me gustan nada, y te quedas con las ganas de una explicación lógica de quién cometió todos esos crímenes, pero el director solo utiliza el trhiller como un breve hilo conductor para conseguir engancharnos, y contarnos la historia de un pueblo alemán. La cinta blanca, significa pureza, se la ponía el sacerdote a sus hijos cada vez que pecaban, para recordarles que camino deberían seguir, y para avergonzarles delante del pueblo, para que todos supieran que habían echo una mala acción. Y de eso va esta película, de la historia de alemania, y de pequeños secretos, de guardar las formas, de la envidia y odio que genera la miseria. Yo no la consideraría una obra maestra, pero si una muy buena película, y la utilización del blanco y negro, me parece muy acertada.

caos calmo

2008. italia. 105 minutos. director: antonello grimaldi. reparto: nano moretti, valeria golino, isabella ferrari, alessandro gassman, hypollite girardot, roman polanski. drama. premio en el festival de berlín.
sinopsis: La mujer de Pietro (Nanni Moretti) muere de improviso un día de verano; en ese preciso momento él estaba en la playa, salvando la vida de una desconocida. Un día, Pietro lleva a la escuela a su hija Claudia (Blu Yoshimi) y, de repente, decide esperarla hasta que terminen las clases. Y, a partir de ese momento, hace lo mismo todos los días. Empieza entonces a observar el mundo desde otro punto de vista y, poco a poco, va descubriendo el lado oculto de los demás. Sus jefes, sus compañeros de trabajo, amigos y parientes, intentan consolarlo, pero acaban rindiéndose ante su incomprensible e inquietante calma.

jamás un título de una película fué tan acertado: caos calmo, dos palabras que reflejan a la perfección el animo del protagonista de la película. El caos se vive en su interior, pero lo disfraza de calma, y se sienta en un parque a contemplar la vida, mientras su batalla interna se libra.

 Después del fallecimiento de su mujer, Pietro Paladini (Nanni Moretti) alivia su caos interior con la calma que le transmite el esperar a su hija, diariamente, en un parque que se encuentra frente al colegio. El buen tiempo acompaña y el hecho de ser un alto ejecutivo de una importante empresa audiovisual no supone un obstáculo para Pietro, que hace de la calle su particular centro de operaciones, desde el que recibe a compañeros de su empresa, amigos y familiares.

Hace de la observación su principal pasatiempo, mientras a veces elabora mentalmente listados sobre cosas que debería hacer, ha hecho o no conoce, interrumpidos por su apetito que se ve saciado en un bar que se encuentra en el mismo parque y en el que se puede comer en su terraza.

Básicamente casi toda la trama se desarrolla en ese espacio, en el que ya empieza a ser conocido por los viandantes que le ven a diario sentado en un banco o paseando por sus alrededores. Es una película imperfecta, destacando quizá el fallo de la historia de la hija de Pietro, que no solo apenas nota algún sentimiento tras el fallecimiento de su madre, si no que recibe casi con alegría el acontecimiento. Pero la cinta no pretende reflejar el realismo de ese tipo de ramificaciones en su historia, ya que éstas solo son una excusa para permitir centrarnos en el personaje interpretado grandiosamente por Nanni Moretti, un hombre que logra transmitir al espectador la calma que él mismo quiere practicar, convirtiendo la película en una metáfora sobre esa paz interior que todos queremos y pocos logramos conseguir.

Un film agradable, con un resultado general notable y bonito, ideal para gente tranquila. Atentos a la aparición estelar de un tal Roman Polanksi en el rol de Steiner, dirigente de la compañía audiovisual que se fusionará con la empresa en la que trabaja Pietro.
caos calmo, es un drama, pero con pinceladas de humor. Podiamos califacarla de bonita, de un cuento hermoso dentro de una tragedia. En el parque, digamos que su protagonista mientras espera a su hija para ofrecerle seguridad, y de que el no desaparecera, y de paso poner orden a sus ideas, valora las pequeñas cosas, que le ofrece la rutina. una rubia paseando un perro, un niño que siempre se le queda mirando al coche, los spaguettis del bar de allado, y mientras unos lo toman por locos, y otros lo toman por un sabio, al cúal consultar sus dudas.
esta es la rubia del perro, clave en la película, pues es una pequeñisima pieza del puzzle, sin la cual no encajarian el resto, no os revelo nada. Digamos que caos calmo, nos cuenta un conflicto interno, el de un hombre que tiene que recuperar de nuevo la normalidad después de un trauma. y aparte pequeñas historias, como todos los que pasan por el parque a pedirle consejo.
lo que más me gusta es el principio: pietro y su hermano juegan al tenis en la playa, escuchan gritos, son dos bañistas ahogandose, se tiran al agua a salvarlas, mientras los maridos de las ahogadas se cruzan de brazos, y las salvan, ni le dan las gracias. van comentando las incidencias en el coche, dicen que no merece la pena salvar a nadie, y llegan a su casa, y se encuentran que la mujer de pietro se cayó por la ventana y se murió. Original principio, que nos da que pensar, pietro salva una vida, pero no puede evitar que la suya vaya a la deriva.
en cuanto al reparto, están todos muy bien, nano moretti, es el adecuado para el papel, tio tranquilo, y alessandro gassman, le da algo de cuerda. La peli está bien, con algún altibajo, pero se deja ver.

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 el cine italiano goza de buena salud, caos calmo fué acojida con ilusión y aplausos por crítica y pública, es un drama con pequeñas dósis de humor, con comienzo original, que nos hará pensar sobre el valor real de la vida, y el peso real que tenemos sobre la vida, con nuestras decisiones, lo inesperado, que nos amenaza con llegar en cualquier momento, y cómo intentamos en la sociedad moderna, disfrazar de rutina y calma, lo anormal y lo duro de la vida, interesante.

tiempo de silencio

1986. 111 minutos. españa. director: vicente aranda. reparto: victoria abril, imanol arias, charo lópez, paco rabal, juan echanove, joaquín hinojosa, queta claver. drama
sinopsis: Madrid, años 40. Pedro es un médico joven que trabaja en un centro oficial de investigación sobre el cáncer utilizando cobayas procedentes de Norteamérica. Cuando se queda sin los conejillos de Indias, el conserje del centro le aconseja que recurra a "El Muecas", un amigo suyo que ha criado una pareja de cobayas con el fin de venderla.

Película basada en la novela homónima de Luis Martin Santos.

En la España de los 40 un investigador, Pedro(Imanol Arias) está a punto de dejar un estudio sobre el cáncer porque se le mueren las cobayas por el frío del laboratorio. Pero el conserje le ha dado una pareja a "El Muecas", un patriarca gitano, que ha conseguido que críen entre los pechos de las mujeres de su familia, las que tiene más abundancia. Este hecho hará que pueda seguir con sus investigaciones, pero el conocerles le traerá problemas legales.

El film describe las diferentes clases sociales y su forma de actuar: la clase alta, representada por Charo López y su hijo, llevan una vida vacía y sin aspiraciones; la clase media: Dorita(Victoria Abril), su madre y su abuela, aspiran a ascender socialmente, sin reparar en medios, conseguir incorporar a un médico a la familia da mucho prestigio; las clases más bajas, los gitanos del poblado chabolista: incultos, incivilizados y violentos, solo pueden aspirar a sobrevivir.

Un gran guion, muy buena dirección y grandes actores en estado de gracia: Paco Rabal, "El Muecas" igual de bien que haciendo de "Azarías" en los "Santos Inocentes"; Imanol Arias, con una dicción impecable; Victoria Abril, más bella que nunca...Todos fantásticos.

Supongo que la crudeza de la escena del aborto hace que esta película no sea repuesta en los diferentes canales de televisión. Para mí, el mejor film de Vicente Aranda, superior a Amantes.
tiempo de silencio tiene un problema, hay novelas que son inadpatables en el cine, y esta es una dellas, tiempo de silencio de santos, es un crítica vedada contra la sociedad franquista, una novela que disfrazada de psicodelia, algo de fantasía, esconde la historia de un aborto. Películas como está, o adaptar novelas como la colmena, luces de bohemia, pues se hacen complejas de adaptar a la gran pantalla, aunque aranda todo hay que decirlo, le dió su toque personal.
si quitamos la historia de los ratones que despista algo, nos queda la historia de un médico, que tiene que practicar un aborto en un poblado gitano para salvarle la vida a una chica, cuando llega ya está muerta. Y le acusan a el, de haberla embarazado tb, cosa que es mentira. Por medio, los celos y el palurdismo del novio de la gitana, y su famosa frase de hembra por hembra. El personaje de echanove, nos despista un tanto, con tanta fraseria culta, y es algo de psicodelia del cine español, pero la historia central es tremendamente agria, inhumana, y relata a la perfección, la cutrisima sociedad española,de aquellos tiempos, y sobre todo, los grises y la dictadura opresora. La estúpida frase de con franco viviamos mejor, queda desmontanda, algunos vivían mejor. Aranda se rodea de sus dos actores fetiches, como son imanol arias y victoria abril, que repetirian en el lute. El cine de aranda tiene dos fases, uno más reinvindicativo, cómo es crimen en el comité central, el lute o tiempo de silencio, y  otro más personal, como pasiones, quizás su mejor película. Toda su obra esta plagada de 3 cosas: la muerte, el erotismo, y la pasión, la pasión como algo destructivo o constructivo según la película, pero como único vínculo que lleva a sus personajes a cometer todo tipo de acciones por arrebatos personales, también su obra, la mujer tiene un papel importante, es ella quién lleva siempre los pantalones, e influye al hombre en todas sus decisiones, y con victoria abril, hizo sus mejores papeles, porque cómo el dice, ella es muy decidida y transmite seguridad, aparte de ser camaleónica y hacer desde monja a prostituta.
El film, cuenta con la presencia estelar de paco rabal haciendo del muecas, como siempre la clava, y es que para mí gusto es el mejor actor español de todos los tiempos.
pero es una película sin ritmo ninguno, con minutaje psicolico, propio del subrealismo español con transfondo intelectual, propio de autores como ramón j sender, o santos, para escapar de la censura. Y es que en la literatura queda muy bien, pero en el cine no. Me quedó con la media hora final, o las apariciones de rabal. el final, es muy triste, y me recuerda a esa película de hitchcock, dónde dos hombres deciden intercambiarse asesinatos, extraños en el tren. Que también se resuelve tragicamente en una feria, contrapunto ideal, es la magia del cine, hembra por hembra.... es una película muy interesante, pero cómo dije hay novelas que son inadaptables y para mi, esta es una de ellas, la novela es una obra maestra, la peli no, y se cumple el axioma de hithcock, no se pueden llevar grandes novelas a la pantalla. No encontré trailer de la película.

watchmen

2009. usa. 169 minutos. superheroes. director: zack snyder. reparto: jackie halley, malin akerman, billy crudupp, mathew goode, jefrey dean, carla gugino, matt frewer. basada en el comic de alan moore, tb autor de v de vendetta, from hell o la cosa del pantano. 8 nominaciones como mejor película fantástica.
sinopsis: Estados Unidos, años 80. La Guerra Fría está en su apogeo, y los superhéroes, que antes habían sido admirados, ahora son perseguidos por la ley. Un día aparece muerto uno de ellos, "El Comediante", que trabajaba para la CIA. Su amigo Rorschach, el único héroe enmascarado en activo, emprenderá la investigación de su muerte, tras la que se oculta algo muy importante. Esperadísima adaptación del cómic de Alan Moore y Dave Gibbons
 Hiperviolento, de marcadas connotaciones sexuales, corrompido, inmoral, de personajes fascistas y misóginos... difícil lo tenía Snyder para confabular un mundo tan explícito como el que construye en "Watchmen", sin parecer burdo o desmesurado y, pese a ello, incluso empleando sus habituales herramientas de trabajo (estética de tintes modernos, aun conteniendo ese sombrío halo en todo momento, secuencias realentizadas marca de la casa, pero lejos del ampuloso ejercicio que resultaba "300", mucho más contenido aquí, etc...), sale airoso de una jugarreta que ya le vale más de la mitad del mérito. Porque pocas veces habré visto una cinta que, empleando elementos tan rotundos como los que confluyen en ésta, se adecue a los cánones actuales de una generación de cineastas radicalmente distintos, y salga tan bien parada como lo logra aquí Zack Snyder.

Su vertiente narrativa, otro de los grandes apuntalamientos de la, para mi, mayor sorpresa de este nuevo año, resulta fantástica a todas luces, pues no sólo logra que presente y pasado vayan intercalándose con total fluidez y naturalidad añadiendo así información adicional sobre los personajes presentados desde un buen comienzo, sino también sabe ofrecer todos esos datos sin necesidad de usar esquemas repetitivos en cuanto a la introducción de los distintos Flashbacks que nos cuentan qué fue de El comediante, Rorschach o Búho nocturno.

Además, sus protagonistas resultan palpables, tanto que, sin necesidad de llegar a sentirte identificado con todo lo que idealizan y representan (cada uno a su modo), terminas comprendiendo cada una de sus palabras y sus gestos como un grano de arena más del todo, sin necesidad de pararte a analizar si su discursiva es la más adecuada dentro de ese mundo en el que las consideraciones parecen haber tocado fondo y la degradación de todo aquello políticamente correcto está a la orden del día.
Para ello, no sólo ayudan los ya mentados Flashbacks que nos descubren el caracter de unos y de otros sin tener que recurrir a largos periplos de tiempo, siendo breve pero absolutamente preciso el análisis, sino también pone su parte una voz en off conformada por los escritos salidos del diario de Rorschach, que no sólo habla sobre la situación de la que pasaron a formar parte los antiguos Watchmen, sino sabe suministrar información de la forma más inteligente posible, haciendo que en ningún momento se vea resentido el hilo narrativo.

admito que no me suelen gustar las películas basadas en comics, por una simple razón, hollywood todo lo pervierte. Y me temía que pervirtieran uno de los mejores comics de toda la historia, watchmen del superdotado alan moore. Para mi sorpresa no es así, el director es completamente fiel al comic, tal es así que no cambia nada. Y siento lo mismo leyendo el comic que viendo la peli, odio al buhó nocturno por birlarle la chorva al doctor manhattan, entiendo la desesperación del comediante, rocharch, me parece un amargado y ozzymandias me parece un capullo.
watchmen es quijotesca, es una burla total contra el mundo de los superheroes americanos, aqui los superhereos le roban la novia a otro hero, unos se jubilan, los otros encerrados en manicomios, otros alcoholicos... todo en la época de Nixon, con telón bajó fondo de la guerra fría. Los heróes de comics, casi todos sobre todo los de marvel y dc, tienen el mismo transfondo: el sueño americano. Watchmen es una meada absoluta al sueño américano, y demuestra que el sueño americano se monta a base de violencia, y que desvían la atención buscando un enemigo común, como los soviéticos, cuando el enemigo de usa, es la propia usa, el enemigo está en casa. De esto trata este violéntisimo film, con unos descarnados dialógos, y muy reflexivos, el control de las materias primas, para dominar el mundo.
en cuanto a la película, sobresale que es fiel al cómic, que es visualmente una pasada, sobre todo la primera hora es impactante. Después se diluye poco a poco, cuando el buho cobra protagonismo, que para mí es un personaje patético al igual que su novia, que nada aportan a la historia. No así las reflexiones del doctor manhattan, el esquizoide de wartchar y el comediante.
me gusta el transfondo de Nixon, tocando sabiamente el tema de la corrupción, watchmen es un golpe al estómago de la mentira sobre la que se funda un país, es un cómic completamente complejo, que resultaba muy dificil de adaptar a la gran pantalla, sin caer en el error fácil: tias guapas, acción, I love u,s.a, lo de siempre, que tanto nos aburre, pero no, conserva la frescura del cómic, y la denuncia de alan moore.
si tuviera que elegir entre cómic y película, obviamente elijo la magia del cómic, quizás en la peli, rochscharch no tiene tanto protagonismo y tiene más del que debiera el hortera del buho. Pero es un aprobado general muy grande.
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de lo mejor de superheroes, yo sólo hay 3 películas que puedo tragar: la primera de superman, y porque sale marlon brando, sin city y esta muy buena, watchmen. Gran película, por sus efectos especiales, y muy buenas porque es visualmente atractiva y fiel al cómic. En cuanto al reparto, la verdad es que nadie resalta, es una peli coral, de actores, que no son ninguna maravilla, pero la historia es atrapante.

lunes, 25 de febrero de 2013

the flying hat band

de esta banda nació judas priest. Se crearon en 1970 en Birminghan,  incluso llegarón a ser teleneros de deep purple en sus giras. Hasta 1973, no pudieron sacar disco, un ep, con una música que a muchos les recordaba a black sabbath. En 1992 se reeditó el album, y salió conjunto con otra banda de berminghan que tuvo también poca vida, los antrophus.
Originariamente los the flying hat band, se llamaban Merlín, pero pronto cambiaron de nombre, y la banda la conformaban: glenn tipton: guitarra y voces. peter cowling: bajo. steve palmer: batería.
Después de formar parte de distintos grupos durante el principio de los años 70, como la "Flying Hat Band", donde grabó un álbum de estudio, que la disquera vertigo no lanzó nunca porque mostraba cierto parecido con los anteriores álbumes de black sabbath. Glenn Tipton se unió a Judas priest en 1974 iba a ser solamente algo temporal, hasta que encontrase algo mejor, unos meses antes de la grabación del primer álbum, rocka rolla , y desde entonces no ha dejado la banda, como tampoco lo ha hecho su compañero ian hill.
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  y precisamente fué eso lo que mató a la flying hat band, su parecido razonable con black sabbath, lo que hizo que vertigo se echará para atrás. Decían que el rocka rolla tenía un tufillo a black sabbath, lo cúal a mi me parece inebitable, imaginaos si echasen atrás a judas de aquella, nos quedariamos sin leyenda, el mejor grupo de la historia del metal, y estos fueron los inicios de glenn tipton.

me parece injusto solo subir un tema, así que os pongo los enlaces de todos, la verdad es que tienen calidad por arrobas:
 http://www.youtube.com/watch?v=MH9_tW737yc
http://www.youtube.com/watch?v=v_tTddM_bpQ
http://www.youtube.com/watch?v=eGzDYHvG1KQ
http://www.youtube.com/watch?v=v_tTddM_bpQ
aquí teneis 4 temas más de este glorioso ep.

giacomo balla

Giacomo Balla (turín , 18 de julio de 1871  - roma , 1º de marzo de 1958), pintor y escultor italiano, uno de los fundadores del movimientos futuristas. Estudió en la escuela nocturna de dibujo de Turín. Más tarde se traslada a Roma, trabajando con éxito como retratista. Inicialmente su pintura impresionista muestra luego interés por el análisis cromático. Adopta la disolución de lo visible en puntos de color. Es también partidario de ideas anarquistas como algunos puntillistas como Pisarro. Utiliza la técnica puntillista para pintar temas del futurismo: la dinámica y la velocidad.
En 1900 se traslada a París, donde descubre y es muy influenciado por los puntillistas parísinos, desde 1909 lo estuvo en particular por la obra del poeta filippo marinetti, con él publicó el manifiesto futurista.
Al contrario de otros de su mismo género, Balla fue un pintor lírico, ajeno a la violencia. Sus obras más reconocidas tratan la dinamicidad de la luz y el movimiento simultáneo, como "Dinamismo de perro con correa" 1912
En octubre de 1918 publicó su "Manifiesto del color" ("Manifesto del colore"), un análisis del color en la pintura de vanguardia.
En la década de 1930 se distanció del futurismo del cual fue uno de sus exponentes más destacados.
 en la primera década de 1900, en roma, poetas y pintores, se unían para lanzar un manifiesto, el futurista, y giacomo balla, aunque acabó renunciando a este estilo, fué de los más destacados.

olympus vg610

una cámara barata, 70 euros, compacta, no apta para profesionales, pero si para ir de viaje, y hacerte fotos en familia.

domingo, 24 de febrero de 2013

lectura de exposición

la exposición correcta es una idea relativa, bajo condiciones de iluminación normales, la película reporducira una imagen dentro de un intervalo de exposiciones muy amplio, dependiendo en gran parte del aspecto que se quiera dar al resultado la de que de ellas escoja como correcta. Por lo que en general lo que se persigue es que haya la mayor cantidad de detalle en toda la imagen pero en ocasiones se quiere destacar unazona del resto mediante una exposición selectiva.
La amplitud de la escala de luminosidades de la imagen que forma el objetivo depende de los tonos y de la luz de la escena. Si la luz es dura, la amplitud de la escala tonal será mayor, desde sombras densas hasta luces intensas, que si la luz es plana y sifusa. Por lo general la película no es capaz de responder a una amplitud tonal muy grande y si la exposición es suficiente para las sombras, las luces resultarán quemadas y viceversa.
Las tabalas de exposición son utiles para sujetos medios en unas condiciones de ilumaniación determinadas pero un exposimetro resulta mucho más versátil y permite calcular la exposición en cualquier tipo de escena. En un caso como el de la derecha una lectura general dará un buen resultado pero en ocasiones las indicaciones del exposimetro pueden ser erróneas.

jueves, 21 de febrero de 2013

zemotion video

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video de la fotografa china apodada zemotion

zemotion

Jingna Zhang (zemotion) es una joven fotógrafa china (nacida en Pekín el 4 de mayo de 1988, creció en Singapur, vive en Los Ángeles) cuyo trabajo es etéreo, romántico y sensual. Sus imágenes emanan una tranquila confianza y madurez.
  • Con 8 años, su familia se trasladó a Singapur.
  • A la edad de catorce años, nueve meses después de iniciarse en el rifle de aire, logró un récord nacional, y posteriormente se unió al equipo de tiro nacional y obtuvo importantes logros.
  • Con 16 años salió del prestigioso Raffles Girls' School para obtener un título de diseño de moda en la LASALLE College of the Arts.
  • A los 18 años coge su primera cámara y deja los estudios de diseño de moda en 2007 para dedicarse a la fotografía a tiempo completo.
  • A los 3 años de empezar a publicar sus fotografía  se pasó a la fotografía profesional (Mercedes Benz, Ogilvy & Mather Advertising (Taiwan), Architecture International, Wacom y The Arts House).
  • También ha publicado artículos en revistas como Harper's Bazaar, L'Officiel, Cleo, Blaze, Men's Folio y Luxury.
  • En 2007 se convirtió en la más joven de la Masters Photographers Association y recibió el premio Singapore Master Photographer.
  • En 2008 realizó su primera exposición en solitario en The Arts House de Singapore y lanzó su libro "something beautiful
  • Trabaja actualmente en Los Ángeles, trabajando para importantes empresas. 
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miércoles, 20 de febrero de 2013

flash andante

esta técnica se emplñea también en fotografia nocturna para fotografiar edificios que carence de iluminación propia, usando tiempos de exposición prolongados e iluminando el edificio con varios destellos de dlash. Se utilizan a menudo papeles de celofán coloreado o filtros en la antorcha del flash para imitar la luz de los focos.
Tanto en interiores como en exteriores se procede colocando la cámara sobre un trípode, el obturador de programa en pose b o t, el diafragma debe abrirse en función de la distancia a que situemeos el flash de las paredes.
Conviene planificar las zonas que se iluminarán con el flash, para ello, dividi el espacio en cuadrados imaginarios de unos diez metros- de lado si os situais a unos seis metros de la pared.
Una vez todo dispuesto, paretáis y fiajis el cable disparador para dejar el obturador abierto y os desplazis con el flash en la mano iluminando a medida que vaya reciclando, las zonas más oscuras del encuadre accionando el disparador manual del flash.
Procurad no interponeros entre la cámara y el fondo iluminado puesto que os delataría vuestra silueta. Escondeos detrás de las columnas, etc tratando de pasar inadvertidos, ya que según en qué lugares os encontreis, pasareis inmediatamente a ser centro de atención.
La duración de la exposición varía en función de la luz ambiental, del recorrido que os haís propuesto cubrir y del tiempo de reciclaje del flash. Una catedral, os puede permitir exposiciones de hasta varios minutos sin que salga sobreexpuesta la fotografía. Ootrs interiores arquitéctonics más iluminados no admitirán tiempos de pose superiores a 10 o 15 segundos en los cuales sólo podreis efectuar un par o tres de destellos. En cualquier caso, siempre sea posible, evitad en el encuadre, motivos muy luminosos como vidrieras, ventanales, puertas etc.
Prever también que las zonas próximas a los ventanales quedarán ya bien iluminadas como resultado de la larga exposición y dirigid vuestros esfuerzos a zonas muy oscura, procurad que sean nuevas las baterías del flash.

martes, 19 de febrero de 2013

raoul dufy

Nació en le havre , en una familia de nueve miembros. Dejó la escuela a los catorce años para trabajar en una compañía importadora de café. En 1895, cuando tenía dieciocho años, comenzó a recibir clases de arte por la tarde en la Escuela de Bellas Artes de Le Havre. Él y  othon friesz , un amigo de la escuela, estudiaron las obras de eugene boudin en el museo de Le Havre.

En 1900, después de un año de servicio militar, Raoul obtuvo una beca que le permitió estudiar durante un corto periodo en la Escuela de Bellas Artes de París, donde fue compañero de georges braque .
En un principio Dufy estuvo sometido a la influencia de los paisajistas impresionistas, como claude monet y camille pisarro.
En 1902 conoció a Berthe Weill, quien expuso la obra de Dufy en su galería. La obra de henri matisse Luxe, Calme et Volupté (Lujo, calma y voluptuosidad), que Dufy vio en el Salon des Indépendants en 1905 fue una revelación para el joven artista, quien dirigió su interés hacia el fauvismo. Los fauves (que significa «fieras», «bestias salvajes») trabajaban con colores llamativos e irreales y atrevidas formas; ricos contornos marcaban su obra. Dufy adoptó este estilo al que añadió un trazo vigoroso y espontáneo. La pintura de Dufy refleja este enfoque hasta alrededor de 1909, cuando el contacto con la obra de paul cezanne le lleva a adoptar una técnica algo más sutil. No fue hasta el año 1920, después de haber hecho sus ensayos con otro estilo, el cubismo, cuando Dufy desarrolló su propio enfoque distintivo que implicabla estructuras esqueléticas, colocadas en una perspectiva disminuida, y el uso de baños ligeros de color dispuestos mediante veloces pinceladas de una manera que llegó a conocerse como taquigráfica.
Poco a poco su obra se hizo más amable, alegre y luminosa, mostrando un predominio cada vez mayor de la línea, características que fueron más evidentes en sus acuarelas.


Los temas favoritos de Dufy eran los barcos de vela, con brillantes vistas de la riviera francesa ; fiestas elegantes, acontecimientos musicales, las carreras de caballos y otras actividades al aire libre en lugares de moda, como Carreras de caballos en Deauville (1931, Colección particular, París), L'Opéra (Phillips Collection, Washington). También pintó flores, instrumentos musicales y desnudos.
La naturaleza ilustrativa y decorativa, optimista y a la moda, de gran parte de su obra, ha hecho que su producción sea valorada menos por la crítica que la de aquellos otros artistas que tratan un tema más amplio de asuntos sociales.
Realizó murales, como los del  palacio de chaillot  en París. En 1938, Dufy acabó una de las pinturas más grandes que se hayan hecho nunca, un canto enorme e inmensamente popular a la electricidad, el fresco  La Fée Electricité para la exposición internacional de París.
Hizo pinturas de caballete.
Dufy también cobró fama por su obra gráfica y en las artes aplicadas. Destacan sus ilustraciones para El bestiario (1911) deguillaume apollinaire. Ilustró también obras de mallarmé  y andré gide
Cambió la cara de la moda y el diseño de telas con su obra para Paul Poiret. En 1909 , Raoul Dufy recibió el encargo de Poiret de que diseñara ropa para el hogar, y también modelos  textiles para la ropa de Poiret. También realizó xilografias  y produjo un número prodigioso de tapices  y diseños de cerámica
Su hermano Jean Dufy, que también era pintor, desarrolló un estilo similar.
Dufy murió cerca de forcalquier , Francia, el 23 de marzo del 53 , y fue enterrado no lejos de matisse  en el cementerio monacal de cimiez , un suburbio de la ciudad de niza , Francia.

lunes, 18 de febrero de 2013

robert frank

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robert frank presentó este trabajo en el family of man, la mejor exposición fotográfica de la historia, y su trabajo fué muy valorado.

family of man

en 1955, edward steichen organiza en el moma, museum of modern art, la gran exposición  the family of man, selección de unos dos milñlones de fotografias recopiladas en el mundo entero, relfejando todo lo que constituye la vida humana, del nacimiento a la muerte y en todas las latitudes. Esta muestra diez años después de terminar la guerra, tuvo un eco más amplio que el ámbito fotográfico, porque tocaba lo más hondo de la humanidad. La exposición pasó luego a las principales ciudades de usa y al extranjero. Una selección de esas fotos se publicó en un libro que tuvo varias ediciones.
Robert frank, fotografo, americano, nacido en suiza en 1924, es uno de los exponentes de la fotografia de la segunda mitad del siglo, corriente desarrollada después de family of man, su reportaje sobre los americanos es un conjunto de imágenes, al tiempo documentales e irónicas nunca indiferentes. William klein se ha dado a conocer ampliamente su reportaje sobre la vida en Moscú.
Puede que la exposición fotográfica más importante de todos los tiempos. Y al que entenderlo, en la posguerra, recopilación de imágenes de todo el mundo, después de la que había caído, era más que importante, imprescindible, poner un punto y aparte y empezar de nuevo, y nada mejor que una exposición fotográfica, para no volver a cometer los errores de antaño.