lunes, 24 de febrero de 2014

efectos fotográficos

video
video tutorial sobre los efectos fotográficos, ó cómo sacarle todo el jugo a tu cámara.

domingo, 23 de febrero de 2014

primera fotografia en color

La  fotografía en color  fue experimentada durante el siglo 19 , pero no tuvo aplicaciones comerciales, por su dificultad e imperfección. Los experimentos iniciales no fueron capaces de conseguir que los colores quedaran fijados en la fotografía. Una primera fotografía en color fue obtenida por el físicojames clerk maxwell en  1861 , realizando tres fotografías sucesivas, con la lente con un filtro diferente: rojo, verde y azul. Cada una de las tres imágenes se proyectaba sobre la misma pantalla con la luz del color del filtro que se había empleado para tomarla.
A lo largo del siglo XIX, y principios del XX, algunas fotografías se coloreaban a mano, con acuarelas, óleo, anilinas, u otros pigmentos. Pero este coloreado manual era artístico y no técnicamente fotográfico. Ya en la época del daguerrotipo se empezaron a colorear los retratos, pagando un suplemento. En algunos países, como Japón, se coloreaban la mayoría de las copias a la albúmina para su venta a extranjeros, especialmente los retratos de tipos populares y las vistas de paisajes y ciudades. kusakabe kimbei  destacó en el coloreado de fotografías, realizando verdaderas obras maestras, hasta el año 1912.
La auténtica primera placa fotográfica en color, conocida comercialmente como autocrhome , fue patentada en diciembre de  1903  por los hermanos lumiere pero no llegó a los mercados hasta 1907 . Esas placas autocromas se fabricaban en Francia, y eran transparencias o diapositivas en soporte de vidrio. Fueron utilizadas especialmente por fotógrafos aficionados de todo el mundo. La mayor colección de placas  se conserva en el museo albert.
La primera película fotográfica en color moderna, kodrachrome, fue utilizada por primera vez en 1935 , y dejó de fabricarse en 2009. Eran diapositivas en color, producidas y reveladas por la compañía eastman  Las demás películas modernas se han basado en la tecnología desarrollada por Agfacolor en 1936
a fotografía en colores fue estudiada a lo largo del siglo 19. Experimentos iniciales en color no pudieron fijar muy bien la fotografía ni prevenir que el color se desvaneciera. Además, hasta los  años 1870 las emulsiones disponibles no eran sensibles a la luz roja o verde.
La primera fotografía con color  permanente fue tomada en 1860 por el físico james clerk. Presentó su método aditivo de fotografía en color en londres , con la intención de demostrar que cualquier color podía obtenerse mezclando luces de los tres colores primarios (rojo, verde y azul) en diferentes proporciones. Probó la teoría haciendo pasar la luz a través de filtros coloreados combinados y proyectando el resultado en una pantalla. Fue el primer sistema aditivo aplicado a la fotografía en color y recibió el nombre de tricomía  La fotografía en color que realizó Maxwell fue a partir de tres fotografías sucesivas cada vez con la lente tras un filtro diferente: rojo, verde y azul. Cada una de las tres imágenes se proyectaba sobre la misma pantalla con la luz del color del filtro que se había empleado para tomarla. La fotografía se llamó ribbon  y está considerada como la primera fotografía de color permanente. Ésta todavía puede verse en la cambridge . El procedimiento tiene un fundamento científico, pero el experimento resultó por pura coincidencia, ya que la emulsión utilizada por Maxwell poseía una sensibilidad cromática insuficiente.
Varios métodos patentables para producir imágenes fueron ideados desde  1862  por dos inventores franceses (quienes trabajaban independientemente),  hauron y cros Basándose en el método sustractivo, utilizaron tres negativos del mismo tema a través de un filtro colocado entre la placa y el objetivo. Un selector apropiado interceptaba uno de los colores primarios para cada negativo. El positivo transparente se obtenía con la utilización del colorante correspondiente al color que representaba cada negativo. Luego las imágenes eran sobrepuestas y entregaban una fotografía única conteniendo todos los colores. La complejidad de este método, que requería, como el de Maxwell, la utilización de varios negativos, y la carencia en esa época de emulsiones sensibles, hicieron que la fotografía en color fuera muy difícil de realizar. No eran métodos prácticos ni comercializables.
 La primera fotografía obtenida en color fue en 1861,  por el físico británico maxwell, que obtuvo con éxito la primera fotografía en color mediante el procedimiento aditivo de color. Alrededor de 1884 el inventor estadounidense George Eastman patentó una película que consistía en una larga tira de papel recubierta con una emulsión sensible.

miércoles, 19 de febrero de 2014

la foto



el reportero gráfico, Daniel Rodrigues, consiguió el prestigioso Word press foto, con esta impactante fotografía, hay que saber captar el momento.

canon ixus 132

Sensor CCD de 16 MP, Gran angular de 28mm, Zoom Plus de 16x, IS inteligente, Con un zoom de 8x y un sensor de 16MP, la Canon IXUS 132 combina un estilo atractivo con un funcionamiento fácil para apuntar y disparar. Con su estabilizador IS Inteligente te permitirá obtener fotos y vídeos HD nítidos y llenos de detalle., otra cámara barata y sencilla la típica para fotos sin ambiciones, pero por algo se empieza, y que mejor que aficionarse a la fotografia empezando desde abajo, con una cámara sencilla.

thomas canet

nació en Berlín y hace fotos. Está especializado en fotografía musical y particularmente en retratos. Trabaja con discográficas (fotografía de promoción, portadas de discos), y en diferentes medios musicales como Rolling Stone, casi siempre orientado hacia el retrato. No se trata de fotografía de directo, es algo diferente.

thomas canet. retratista muy enraizado con la cultura española.


domingo, 16 de febrero de 2014

la foto


carrete 35 mm

La película de 35 mm  es el formato de negativo o película fotográfica más utilizado, tanto en cine  como en fotografia , que se mantiene relativamente sin cambios desde su introducción en  1892  por william dickson y thomas edison, que usaron material fotográfico proporcionado por george eastman. Su nombre viene de que el negativo es cortado en tiras que miden 35 milimetros de ancho  y, según la norma, debe llevar cuatro perforaciones por cuadro o  fotograma en ambos lados, para que la película se reproduzca a 24 fotogramas por segundo.
Una gran variedad de calibres, en su mayoría patentados, fueron usados en numerosas cámaras y sistemas de proyección desarrollados independientemente a finales delsiglo 19 y a principios del siglo 20  desde los 13 mm a los 75 mm. La película de 35 mm fue finalmente reconocida como la medida estándar internacional en 1909  y se ha mantenido largamente como el formato de película dominante para la creación y proyección de imágenes, a pesar de las amenazas de calibres más pequeños y más grandes, y de formatos novedosos, porque su tamaño permite una relativamente buena relación entre el costo del material fotográfico y la calidad de la imagen capturada. Adicionalmente, la amplia disponibilidad de los proyectores de 35 mm en las salas comerciales hace que sea el único formato de película que puede ser reproducido en casi cualquier cine en el mundo.
Este calibre es extraordinariamente versátil en sus aplicaciones. En los últimos cien años se ha modificado para incluir sonido, rediseñado para crear una base de la película más segura, formulado para capturar color; ha contenido multitud de formatos de pantalla ancha (widescreen) e incorporado información de sonido digital en casi todas sus áreas que no tienen marcos. Desde el comienzo del  siglo 21, la fabricación de la película de 35 mm se ha vuelto un duopolio entre eastman kodak  y  fujifilm

tilt shift photography

Una curiosa forma de procesar las imágenes para que estas parezcan maquetas en vez de imágenes reales. Aunque también hay lentes especiales que lo hacen directamente, aquí veréis la forma de lograrlo retocando la imagen en el editor.
 se trata de elegir la zona (en realidad es una banda horizontal) que va a quedar nítida en la imagen, por lo que se supone que es donde vamos a centrar nuestra atención, quedando el resto más o menos desenfocado en función de la intensidad del filtro que luego aplicaremos.
Para seleccionar dicha banda vamos a elegir la herramienta de relleno degradado (tecla ‘G’ o haciendo click sobre el icono que os he señalado en la imagen) configurándola en el modo de degradado “bilineal” para que la transición sea suave (cuarto modo comenzando por la izquierda en la barra de herramientas superior). Ahora, para elegir la zona de la imagen que quedará enfocada, pincharemos con el ratón justo en el centro de lo que será dicha banda y trazaremos una línea vertical que marcará el final de la misma.

pamplona en femenino

BASES:
1. Tema: Fotografías de Pamplona que recojan la presencia femenina en la historia, el arte, la arquitectura, la cultura, las tradiciones y costumbres, la modernidad y la vanguardia, en la educación y la formación, en el trabajo y en la vida social, familiar y cotidiana de la ciudad.
2. Se podrán presentar hasta un máximo de tres fotografías inéditas por concursante. No se admitirán a concurso fotografías ya publicadas o premiadas en otros certámenes.

3. Técnica libre. Las fotografías se presentarán obligatoriamente en papel fotográfico [medidas obligatorias del papel: 30 x 40 cm]. El tamaño de la mancha de la fotografía es libre pero será, como máximo, de 28 x 38 cm para coincidir con el material de enmarcación.
No se admitirán a concurso las fotografías que se presenten sobre soporte cartulina, passepartout, o similares. Para facilitar el trabajo del jurado técnico, quien presenta las fotografias se hace responsable de la autorizacion y/o consentimiento de la persona o personas que aparecen en las fotografías.
7. Premios. Primer premio: 500 €. Segundo premio: 300 €. Tercer premio: 200 €. Premio a determinar por el Jurado: 150 €. Además, si el Jurado lo considera oportuno, podrá conceder hasta un máximo de cinco menciones especiales. A estos importes se les aplicará la retención correspondiente en concepto de IRPF.

8. Las fotografías premiadas, sus negativos y/o el soporte digital y sus derechos de uso pasarán a ser propiedad del Ayuntamiento de Pamplona.

9. Entrega de premios. En el mes de marzo. En Civivox Condestable. Exposición de la selección de fotografías presentadas al concurso. Hasta el sábado 29 de marzo. En Civivox Condestable y San Jorge.
 

el paraíso de los creyentes

Aunque las fotografías corren al hilo de la vida del autor, su intención es siempre la de generar una nueva realidad donde el espectador tiene también cabida. La forma en que García-Alix se mira a través de la fotografía evoluciona a lo largo de los años y va adoptando diferentes variantes, dejando una estela que ahora se recompone con esta exposición.
ha traído a Galicia sus «pellizcos de realidad». Así describió ayer el contenido de su exposición el paraíso de los creyentes, que estará en A Coruña en el Kiosko Alfonso, hasta el próximo 16 de febrero. Se trata de 60 fotografías y una obra audiovisual en la que el artista muestra toda una galería de imágenes tan inquietantes como seductoras. Días antes aprovechó su periplo gallego para trabajar en Pontevedra. «He estado en Baiona fotografiando las motos de David el Solitario. Son las mejores de Europa. Una maravilla», proclama entusiasmado.
 

dzyan

dzyan " dzyan" 1972. progresive rock. alemania
temas:
Emptiness
the bud awakes
 The Wisdom
fohat work
 Hymn
dragon song
  Things We're Looking For
back to the earth
formación:
  Ludwig Braum / drums, percussion
- Gerd Ehrmann / saxophone
- Reinhard Karwatky / bass
- Harry Kramer / guitar
- Jochen Leuschner / percussion, lead vocals
album de debut de estos alemananes, formados en 1972, de progresive- rock.  Fueron evolucionando a lo largo de su carrera, una formación inestable, en el siguiente album de la formación sólo repite harry kramer, que recluta a cuatro miembros nuevos, para sacar un album al año siguiente, también cambiando por completo el sónido de la banda: se pasan al jazz rock.
electric silence del 74, fué el último album de la banda, pero todos consideran este disco, cómo su mejor obra.
Rock progresivo, mezclado con mucho de krautrok, rock acido, elementos jazzisticos en todos los temas. Para los amantes del rock psicodelico alemán setentero, este album es una obra indispensable, un album con alma de jam session.
http://www.youtube.com/watch?v=JbKoHJQyZ8Y
enlace con el album completo.

charles fazzino

Por subir algo completamente diferente a lo expuesto. Charles fazzino, italoamericano, artista de pop art en 3D.
A expuesto en cientos de galerias, nacido en 1955, su madre era escultora y finlandesa, y su padre era italiano, diseñador de zapatos.
estudio en la escuela de arte de Manhattan, un artista que espuso su obra en muchos lugares, de bastantes países y en los states, sus 3d son muy solicitados, que si gala de los emmy, que si la superbowl.... no soy muy fan de este arte de masas, pero hay que admitir que Fazzino se lo curra, dentro de lo suyo, claro está, muy enraizado con la cultura yankee. y por subir algo diferente


sin sangre alessandro baricco



sinopsis: Sin sangre es la historia de Nina, una niña que es testigo del asesinato de su padre y de su hermano, de su deseo de no olvidar lo ocurrido y de la búsqueda de los asesinos de su familia. Pero, sobre todo, es la crónica de un encuentro entre una Nina adulta y el único de los asesinos de sus seres queridos que sigue vivo.
opinión personal: decente sin más, son apenas 106 hojas, así que se lee en una tarde, o en un par de trayectos en bus. Trata sobre la guerra, pero no situa ni el país, ni habla del conflicto, así que eso lo deja a imaginación del lector, tan sólo trata de la huella que deja la guerra en la gente, y sobre todo en los niños, los niños de la guerra.
Está dividido en dos partes, la primera la guerra está acabada, pero cómo os decía las jodidas secuelas, 3 tios deciden vengarse de otro, y para eso lo asesinan en su propia casa, la queman y matan a su hijo, no matan a su hija porque esta se escapa. Esta es la parte más entretenida, de una brutalidad muy bien hilvanada, que es imposible que no te recuerde al mundo del spaguetti western.
La segunda parte ya es más coñazo, la niña se hace mujer, y en teoría por azar se encuentra con uno de los asesinos de su padre, el único que queda vivo.  El desenlace no os lo cuento, pero es algo sorprendente, no le va a pegar un tiro, que es lo que todos pensamos que haría, no busca venganza.  Decente trabajo, con la moralidad, de que algunas vidas se detienen en un determinado momento, cuando ocurre algo traumático, y que esa gente tiene la necesidad, no de pasar página, sino de revivir el momento en el que su vida cambio.... simplemente porque aún no consiguieron entender porque tuvo que pasar eso.
Escrito de una manera muy sencilla, publicado por anagrama, garantía de calidad, un libro muy ameno, y a otra cosa.

el sacerdote

1978. españa. 109 minutos. director: eloy de la iglesia. música. carmelo bernaola. reparto: simon andreu, emilio gutierrez caba, jose franco, ramon reparaz, queta claver, africa pratt, esperanza roy, jose vivo, fabian conde. drama.
sinopsis: El padre Miguel, un atractivo y tímido sacerdote de treinta y seis años, atraviesa una crisis de conciencia. Además, la continua presencia en su confesionario de Irene, una joven y bella mujer casada, a la vez piadosa y apasionada, va mermando su fe y sus convicciones religiosas.
esta película si la estrenasen ahora en pleno 2014, jamas vería a la luz por presiones del gobierno, y de la iglesia católica, el sector más reservado de este país... que es el que manda y oprime la cultura, jamás dejaría ver esta peli. Para su época es escandalosa a más no poder, y en pleno 2014, es imposible que la echen por la tv.... escándalosa, pero las verdades lo son, además de que es una peli bella. No es de lo mejor de eloy, pero si diría que es de sus pelis más intimas y comprometidas.


 simón andreu es un cura con dudas. Dudas de carácter sexual, y es que el intenta frenar su sexualidad, autocastigándose, hay escenas muy duras en esta peli, como autoflagelaciones del personaje central o su posterior castración, presa del pánico de haber caído en la tentación de la carne, decide autocastigarse de forma brutal. Y es que en esta peli están muy bien dibujadas,  las diferentes formas de pensar de los sacerdotes: los más puritanos, los más castos y de la vieja escuela, los que intentaron introducir algo de política en sus discursos, los llamados curas rojos, que para mí más que rojos, eran sociales.... pero ya se sabe cómo son los de extrema derecha poniendo etiquetas. Y los que son simplemente cómo simón andreu, cura pueblerino, que se metió a cura por prosperar y salir de su pueblo.... pero que no tiene vocación ninguna.
y está bien contada la historia. Porque no es la historia simplemente de un cura jovén de provincias con deseos carnales. Frente a sus dudas, simon andreu decide viajar a su pueblo, para volver a sus raíces y despejar la mente, pero allí sólo le asedian los recuerdos.  Un padre brutal, que le castigaba, zoofilia ,del  tema tabú, pero muy común en la España provinciana, y esa es la clave de la peli, que va derribando tabú tras tabú y hay que ser muy valiente, Eloy de la Iglesia lo era.
Padre violento, empujado a ser cura desde niño para escaparse de casa, sino quería trabajar en el campo con un padre al que odiaba, sin vocación, sin haber conocido jamás a una mujer...... y cuando se ordena sacerdote.... una mujer casada que es infiel, se le declarará y le asaltarán mil dudas diferentes. Caerá en los placeres de la carne, se sentirá culpable..... una tortura mental absoluta, un increible calvario por el que pasará el personaje de esta peli.
muy valiente la peli.... sobre todo si la ves por primera vez, ves belleza, porque tiene una banda sonora muy buena y unos planos globales y otros primeros planos muy logrados que resaltan todavía más el drama, y el dolor moral del prota. Además acabas comprendiendole y admitendo sus dudas.... porque nos cuenta su historia desde niño. Quizás hubiera estado mejor, que eloy no nos lo diera todo masticado, y sacar nosotros mismos las conclusiones, porque el relato está orientado para que tú comprendas al sacerdote, incluso que sientas lástima por él. La primera vez que la ves, cómo os decía es muy impactante, por las escenas de autocastigo que se impone simon andreu: clavarse alambre por el pecho, castrarse, etc.... de locos, pero en cierta manera es muy coherente, porque todos estos castigos vienen dados por las dudas de simón andreu.
el reparto de los habituales de la filmografía de eloy de la iglesia, su gente de confianza. Una peli que tiene muy buen ritmo, que sabes que va a acabar con fatalidad, pero te asombra con su esperanzador final, y la frase lapidaria que suelta un simón andreu, castrado y encima que tuvo que pasar por un psiquiatrico, que visita su antigua iglesia, y delante de jesús le dice" a tu manera tu también estás castrado", lapidaria frase, que tiene un gran final, con simón andreu saliendo de la sacristia, se enfoca desde lejos, y acaba el plano enfocando la cara del protagonista que empieza a esbozar una ligera sonrisa, al sentirse por fin liberado y sin comeduras de cabeza. enorme final, y uno de los mejores instantes de la filmografia de eloy de la iglesia, un director muy comprometido, tocando temas tabús, de una España que pedía a gritos una remodelación, el se atrevió con todo: iglesia, política, sexo, homosexualidad, y hablando de la nueva España, sin tocar ya su contribución genial al cine kinki, y descubrir talentos cómo manzano o pirri, el cine le debe muchísimo a eloy de la iglesia, que nunca fué tratado acorde su categoría. Y yo desde mi blog, tan sólo quiero ponerle en su verdadero sitio, desde mi humilde morada, que no es otro cómo el de los mejores directores que dió nuestro país.... y mira que dió grandes directores, pero por favor, Eloy de la Iglesia, era uno de ellos, para muestra está genial película.
http://www.youtube.com/watch?v=iu5SX6PEU3w
trailer de la peli

el club de los emperadores

2002. usa. 107 minutos. director: michael hoffman. reparto; kelvin kline, emile hirsh, rob morrow, edward hoffman, paul dano, jesse einberg, katherine osullivan, rishi mehta. drama-enseñanza.
sinopsis: En 1972, la apacible vida de William Hundert, profesor en el elitista colegio masculino de St. Benedict, se ve alterada con la llegada de un nuevo alumno, el carismático y rebelde Sedgewick Bell, hijo de un senador de Virginia. Veinte años después, volverán a mencontrarse, cuando el joven es ya un poderoso hombre de negocios.
para los que le gustó el club de los poetas muertos, pero en vez de verlo desde el punto de vista de los alumnos, desde el punto de vista del profesor. De nuevo colegio de ricachones, dónde van los hijos de senadores, banqueros y demás jet set, un colegio de estirados, cuyo colmo del estiramiento es el profesor de clase de historia grecoromana.
asistimos a la relación entre un alumno y su profesor, todos los alumnos comen de la mano de su profesor, menos el rebelde. el profe cree encauzarlo, y hace un ridiculo concurso para saber quién sabe más cultura clasica romana, el que sabe más le dan un laurel de cesar, en fin. Nuestro chaval hace trampas y el profe se lo echa en cara, apartir de ahí el chaval se convierte en la bala perdida del colegio, y el profesor siente toda la vida que le fallo.



la vida le pone una segunda oportunidad al profe, apunto de retirarse años después. Y es que el chaval rebelde se hace mayor, y no le fué nada mal, es senador. Para recaudar fondos para su antigua escuela, y ganar votos de cara a las proximas elecciones, hace una gala benéfica para ampliar la biblioteca del colegio, y vuelven a hacer el ridiculo concurso de los cesares, dónde vuelve a hacer trampas y su profesor le vuelve a descubrir y a reñir de nuevo, aunque el niño ya es un hombre, y no admite criticas. Ahi le echa en cara a su profesor que vive en un mundo paralelo, que para conseguir lo que quiere está dispuesto a todo.
pero la vida le da una segunda oportunidad al profesor, que en su último año antes de retirarse, le dará clases al hijo del senador, al que considera que le fallo. Es una peli bien echa, vista desde el punto de vista del profesor, su amor por la enseñanza, cómo trata de encauzar a los chavales..... la importancia de la enseñanza, el conflicto hombre-niño, y cómo las cosas de nuestra infancia se quedan grabadas a fuego. Pero es una peli completamente desfasada, sin pizca de acción, sin que nos decantemos ni sintamos conexión con ninguno de los alumnos o profesores, y cuyo profesor a mi, me parece un clasista, pero no me hagais caso porque yo estoy completamente en contra de la educación privada.
Pero la idea es clara y está bien ejecutada, aunque tiene cierto tufo al club de los poetas muertos, y obviamente sale perdiendo.
http://www.youtube.com/watch?v=RKNNWK5p5Uk
enlace con la película completa en castellano

soldados de salamina

2003- españa. 119 minutos. drama. director: david trueba. Reparto: ariadna gil, ramon fontseré, joan dalmau,, diego luna, vahina giocante, luís cuenca, maría botto.
sinopsis:
Una novelista que ha dejado de escribir rastrea una historia real sucedida en los últimos días de la Guerra Civil: el escritor y falangista Rafael Sánchez Mazas fue fusilado junto a otros cincuenta prisioneros, pero logró huir y esconderse en un bosque. Al parecer, un soldado de los que peinaban la zona para capturarlo lo encontró, pero lo dejó escapar. La escritora recompone las piezas de este rompecabezas plagado de contradicciones y personajes enigmáticos. Con sus investigaciones, aunque no sea consciente de ello, no sólo busca la verdad de esa historia, sino encontrarse a sí misma.
una escritora sin ideas, cae en sus manos un artículo sobre la historia del fascista sánchez mazas, preso de los repúblicanos, va a ser fusilado en medio del bosque, pero consigue escaparse momentanaemente. Un soldado repúblicano lo veo escondido en la maleza, pero el no le dispara y lo deje huir. Sánchez mazas está ocho días vagando por el bosque, hasta que se encuentra a 3 repúblicanos, que le ayudan a sobrevivir.... repúblicanos, si.
una escritora sin fe en lo que hace, con todos los vicios del escritor, reescribiendo todo mil veces, a medida que va construyendo la historia, hay saltos al pasado en blanco y negro y color, dónde nos cuenta la historia del soldado y de sánchez mazas, muy buena la reconstrucción.


 tambíen es la historia de la escritora, completamente perdida tanto con su novela, cómo su vida, que se encuentra a una serie curiosa de personajes por el camino, que le ayudan a construir la novela: una vidente lesbiana, un curioso lector empedernido, y un estudiante enamoradizo, que le ponen casi sin querer en la pista del soldado misterioso.
y eso es precisamente lo mejor, el final. Cuando por una carambola, encuentran a un viejo repúblicano que estuvo en el lugar de los echos, ella piensa que fué el soldado que le salvó la vida a sánchez mazas. Me gusta el final abierto, el viejo no suelta prenda, genialmente interpretado por Dalmau. Puede ser que sea él, puede ser que no, y aunque no sea... que más da? lo comprendes si ves la peli.
Ella está obsesionada por conocer la identidad del soldado, busca un héroe para su novela, el le da una lección que no olvidará jamás, los héroes no tienen nombres en las calles, los héroes no hablan porque están todos muertos, sus compañeros de armas, que se fueron sin conocer lo poco bueno de la vida. También habla sobre la vejez, que es un constante adiós, y la sabiduria acumulada. Además respeta mucho la novela de javier cercas, es una buena película.
http://www.youtube.com/watch?v=7qjYo2hSbUY
trailer de la peli

retrato y auterretra


video
video didáctico sobre el retrato y el autoretrato.

martes, 11 de febrero de 2014

george eastman y la fundación de la Kodak

En Rochester, estado de nueva York, george eastman empleado de banda, se dedicaba por la noche a experimentar la aplicación de gelatina sensible sobre placas de cristal. En 1878m patentó en Inglaterra una máquina de su invención que aplicaba el gelatino-bromuro de manera homogénea. En 1880 patentó su invento en usa. La casa Antony empezó a distribuir las placas secas de eastman y el precio de las cámaras bajó sensiblemente: una cámara de formato cuatro por cinco inches, con trípode, objetivo y 12 placas Eastman se vendía por doce dolares y veinticinco centavos.
En 1881, Eastman abandono su puesto en la banca para dedicarse por entero a su incipiente industria fotográfica. Sustituto la placa de cristal por el papel y, en 1888, sacó la primera cámara kodak 100 vistas con rollo de papel, los fotogramas circulares medían unos cinco centimetros de diámetro. la máquina se entregaba cargada y, una vez impresionadas las cien vistas, el fotógrafo aficionado mandaba la cámara a la fábrica donde se procesaba el rollo y se devolvía al cliente la cámara nuevamente cargada, acompañada del negativo revelado y de las copias positivas todo por 10 dolares. La máquina costaba 25 dolares.
El slogan era " you press the botton, we do the rest". el lema de la nueva marca resumía la gran idea comercial que ponía la fotografía al alcance de todos. En 1889, el rollo de papel fue sistuido por uno de celuloide el carrete de película había nacido.
En 1890, la Kodak número 2 permitía sacar 140 vistas de 9 cm por diametro, en 1895, salió la kodak pocket, que se podía cargar y descargar a la luz con un carrete de 12 vistas, costaba cinco dolares. En 1900 kodak número 5, plegable contaba con un objetivo de 3 diafragmas y varias velocidades, el mismo año apareció la kodak brownie, con seis vistas, que valía un dólar e iba destinada a los niños.
Con el siglo xx, ya funcionaba a gran escala, la mayor industria fotográfica anunciando la multinacional que es en la actualidad. El gran acierto de Eastman, fue jugar la baza del aficionado; su dedicación ala divulgación popular permitió más adelante a la firma figurar en la vanguardia de las investigaciones más sofisticaidas, costeaddas por la seguridad de disponer de un inmenso mercado.

domingo, 9 de febrero de 2014

fotografiar la luna

video
un video que te enseña unos truquillos.

rufino tamayo

Pintor mexicano. Figura capital en el panorama de la pintura mexicana del siglo XX, Rufino Tamayo fue uno de los primeros artistas latinoamericanos que, junto con los representantes del conocido "grupo de los tres" (Rivera, Siqueiros y Orozco), alcanzó un relieve y una difusión auténticamente internacionales. Como ellos, participó en el importante movimiento muralista que floreció en el período comprendido entre las dos guerras mundiales. Sus obras, sin embargo, por su voluntad creadora y sus características, tienen una dimensión distinta y se distinguen claramente de las del mencionado grupo y sus epígonos.


En 1926, en su primera exposición pública, se hicieron ya ostensibles algunas de las características de su obra y la evolución de su pensamiento artístico, puesta de relieve por el paso de un primitivismo de voluntad indigenista (patente en obras tan emblemáticas como su Autorretrato de 1931) a la influencia del constructivismo (evidente en sus cuadros posteriores, especialmente en Barquillo de fresa, pintado en el año 1938). Una evolución que había de llevarlo, también, a ciertos ensayos vinculados al surrealismo.
Paralelamente, Tamayo desempeñó cargos administrativos y se entregó a una tarea didáctica. En 1921 consiguió la titularidad del Departamento de Dibujo Etnográfico del Museo Nacional de Arqueología de México, hecho que para algunos críticos fue decisivo en su toma de conciencia de las fuentes del arte mexicano. Gracias al éxito conseguido en aquella primer exposición de 1926, fue invitado a exponer sus obras en el Art Center de Nueva York. Más tarde, en 1928, ejerció como profesor en la Escuela Nacional de Bellas Artes y, en 1932, fue nombrado director del Departamento de Artes Plásticas de la Secretaría de Educación Pública.
En 1938 recibió y aceptó una oferta para enseñar en la Dalton School of Art de Nueva York, ciudad en la que permanecería casi veinte años y que sería decisiva en el proceso artístico del pintor. Allí, en efecto, dio por concluido el período formativo de su vida y se fue desprendiendo lentamente de su interés por el arte europeo para iniciar una trayectoria artística marcada por la originalidad y por una exploración absolutamente personal del universo pictórico. En Nueva York se definió, también, su inconfundible lenguaje plástico, caracterizado por el rigor estético, la perfección de la técnica y una imaginación que transfigura los objetos, apoyándose en las formas de la cultura prehispánica y en el simbolismo del arte precolombino para dar libre curso a una poderosa inspiración poética que bebe en las fuentes de una lírica visionaria.
Su obra como muralista, ciclópea y hecha en el más puro «mexicanismo», culmina en el mural El Día y la Noche. Realizado en 1964 para el Museo Nacional de Antropología e Historia de México, simboliza la lucha entre el día (serpiente emplumada) y la noche (tigre). Ese mismo año recibió el Premio Nacional de Artes. Sus últimos trabajos monumentales datan de 1967 y 1968, cuando por encargo gubernamental realizó los frescos para los pabellones de México en la Exposición de Montreal y en la Feria Internacional de San Antonio (Texas). A partir de entonces, retirado casi, se dedicó de lleno a transmitir el saber acumulado en su larga e intensa vida artística.
Pero, como ya se ha dicho, la parte más significativa de su obra corresponde a su pintura de caballete, que no abandonó hasta poco antes de su muerte. Entre sus numerosas obras hay que citar Hippy en blanco (1972), expuesto en el Museo de Arte Moderno, o Dos mujeres (1981), en el Museo Rufino Tamayo. Su interés por el arte precolombino cristalizó al inaugurarse en 1974, en la ciudad de Oaxaca, el Museo de Arte Prehispánico Rufino Tamayo, con 1.300 piezas arqueológicas coleccionadas, catalogadas y donadas por el artista.
Casado en 1934  con la pianista Olga Flores Zárate, el matrimonió duró hasta la muerte de él, pero no tuvieron hijos.
En la última entrevista que permitió a Miguel Ángel Ávila, consideró que el no haber tenido hijos era una huella que había marcado profundamente su existencia, en su casa San Ángel pasó sus últimos tres años de su vida en la nostalgia de los hijos, buscó y compró el cuadro titulado "Niño", que era el busto en colores marrón de su primera época, pintado en su juventud, fue en esa época en que inició sus últimos trabajos, como el de La Familia, donde aparecen dos padres y un pequeño, cuadro que el entrevistador no sólo vio pintar, sino que colaboró con él, su último estudio en vida, fue tomado por el mismo periodista, una semana antes de su fallecimiento, pidió aparecer con su esposa Olga, y ella que siempre se mantuvo reticente en estos casos, aceptó posar con sus fieles acompañantes, dos perrillos que les fueron su única familia al final de su vida.
«Yo soy yo y mi circunstancia, pero si no la salvo a ella no me salvo yo», estableció Ortega y Gasset en Meditaciones del Quijote (1914); a partir de ese discernimiento desarrolló su filosofía. Leído en Latinoamérica con amplitud, Ortega y Gasset influyó grandemente en Tamayo, quien, desde joven y hasta el final de sus días, remarcó la importancia de percatarse de todo lo que gira en torno de la persona, así como comprometerse con el presente de lleno. Además de pintor notable, Tamayo observó gran compromiso social, lo que se confirma de distintas maneras: con los dos museos y los dos asilos que fundó en México; con muchas obras sociales realizadas en silencio; con la creación de la Bienal de pintura que lleva su nombre; con el apoyo a chicanos y mexicanos indocumentados en Los Ángeles. La lista es mucho más extensa y en cada uno de esos rubros está presente Olga Tamayo, su compañera. La vocación de servicio de ambos nació de su amor por México.

La obra de Tamayo evolucionó desde el uso de perspectiva lineal e influencias cubistas hasta desarrollar un estilo propio. Su trabajo goza de gran reconocimiento internacional y ha sido expuesto prácticamente en todo el orbe, incluyéndose en colecciones de museos con prestigio internacional. Sus murales también decoran los más diversos lugares como el edificio de la UNESCO en parís
El erotismo es un tema medular en la producción plástica de Rufino Tamayo, quien afirmaba que su obra no era erótica sino sensual, con lo que hacía alusión a la sofisticada comunicación espiritual que se funde entre quienes se atraen. Ponía énfasis al explicar que su obra no era erótica porque «el sexo puede ser mecánico y lo que yo busco —aclaraba—, es mostrar el sentimiento». Esto sin dejar de lado cuadros como el particularmente complejo "Desnudo blanco" (o "Desnudo en blanco") (1943) en el que la razón y los sentimientos se multiplican y revelan el celo íntimo de los dos personajes: una mujer en primer plano y atrás de ella una figura masculina difuminada; Eros y Tánatos desplegándose y penetrándose entre sí, como buscando ambos, trascender en el cuerpo que los contiene.



Conocida también es la entrañable relación que Tamayo tuvo hacia todo lo relacionado con el cosmos. A través de su obra queda de manifiesto cómo lo percibía: comunión de conocimiento, sensualidad, asombro e incluso temor ante lo desconocido. En gran cantidad de cuadros Tamayo plasmó elementos que hacen eco en aportaciones de la ciencia y la tecnología relacionadas con la exploración del Universo; son extensas las entrevistas en las que explicó su profunda expectativa sobre lo que sucedía en el cosmos. A veces, sus declaraciones fueron metafísicas: expandía su admiración por el espacio; en otras, hizo afirmaciones apuntaladas en hallazgos científicos que conjugaba con su forma de entender determinados hechos precisos. El discurso con que Tamayo ingresó al Colegio Nacional el 21 de mayo de 1991, aborda temas diversos que marcaron su vida. En alusión a cómo el ser humano debía volcarse al humanismo a fin de que los avances tecnológicos y científicos estén al servicio de la humanidad y no al contrario, manifestó: «Para mi, esta realidad ha sido clara desde el término de la Segunda Guerra Mundial, cuando se hizo evidente la urgencia de que los artistas reflexionáramos sobre las consecuencias de los cambios inherentes al inicio de una nueva era. El arte debe reflejar los cambios originados por la ciencia y el desarrollo tecnológico precisamente porque debe continuar su evolución y su evolución es la del hombre y sus problemas». Con aquella disertación, Rufino Tamayo, de 91 años y próximo a morir, plasmó una síntesis de la gran importancia que la ciencia y la tecnología tuvieron en su obra.

memorias del general escobar


1984. drama- guerra civil. autibiografica. 101 minutos. Director: jose luís Madrid. reparto: antonio ferrandis, elisa ramirez, luís prendes, fernando guillen,  jesús puente, jose antonio ceinos, africa pratt, francisco piquer, pedro valentín.
Sinopsis: El general Escobar escribe sus memorias desde su encierro en la cárcel. Su historia comienza con los hechos desencadenantes de la Guerra Civil española.
no coincido en que jose luís Madrid sea un pésimo director, es cierto que no tiene sentido del ritmo, que le falta más técnica en la labor de la cámara, y que algunas pelis suyas son flojas, le dió a todo: spaguetti, acción, comedía, y pelis de actualidad cómo hacer esta peli sobre el gran general antonio escobar huerta, o comando txikia sobre la operación ogro. Esta es la última peli que hizo, y para mí la mejor.
el gran escritor Olaizola, se llevó el planeta con una novela sobre el general Escobar, que ya leí dos veces y viendo la peli me dan ganas de releer. Es increible, no sabía ni de la existencia de esta peli, y la ví en alcampo a 1 euro, y para la buchaca, admiro la enorme figura del general escobar.
el general Escobar era un guardia civil, viudo, padre de 3 hijos, que estaba destinado en Barcelona, fué clave para que las hordas fascistas no tomarán Barcelona. El fué fiel a la república, simplemente porque hizo un juramento siendo guardia civil en el que juró lealtad al poder establecido. Un hombre comedido pero muy sagaz, que se ganó rapidamente ascensos, al que el presidente Manuel Azaña tenía en alta estima, y fué con el general Rojo, los dos generales que más daño hicieron en el frente, con los pocos recursos que disponían.
Por esta peli circulan muchos personajes: desde el presidente Azaña, buenaventura durruti, el general rojo, Godet, Negrín.... muchos actores secundarios que le dan riqueza a la peli.
Breve esbozo sobre el General Escobar. Un hombre legendario.  Era muy religioso, y trató de salvar de la ejecución a muchos curas, en una ocasión llegó tarde y lloró sobre sus cadáveres pidiendoles perdón. Aún encima  su hija era monja, y uno de sus hijos, se escapó de casa, para luchar en el bando fascista, muriendo en el frente. Perfectamente podría haber desertado, pero su código de honor se lo impedía. Era un general muy respetado por los fascistas, de echo cuando la república perdió la guerra, le llamó el general de los fascistas, para que se escapará y así evitar la ejecución, pero el no quiso, quiso quedarse con sus hombres, primero porque le acusaban de traidor, y el sabiamente consideraba que no había traicionado a nadie, sólo hizo un juramento de lealtad, y defendió los derechos del poder establecido votado democraticamente por los ciudadanos, la república, es así la historia, los traidores eran los fascistas.
la edición del dvd está guapa que te trae extras con las biografias del general escobar y de la guerra civil, año a año. La peli está bien, es sobria, quizás eche en falta escenas bélicas, y es que sólo hay una, más bien la peli transcurre en los despachos y reuniones que el general escobar mantuvo con los jerifantes del momento. Dicen los extras de la peli, que el ayudante de campo del General Escobar colaboró en el guión, para darle veracidad, también la novela de Olaizola, tiene mucho que ver.
Tan sólo hay un pasaje inventando, en la peli el general escobar se enamorá de una monja, y a su vez nos dejá caer que la monja también lo está de el. Eso no fué cierto, escobar tenía una hija monja, sin más. Quitando el pasaje amoroso, que es una simple historia dentro de la historia, la peli está muy bien.
Yo creo completamente injusto que al bueno de ferrandiz, siempre se le recuerde por Chanquete, es un actor muy bueno, aquí lo clava, esa religiosidad, ese buen corazón, ese juicio, ese ir por delante de los demás, más que un general, un padre para sus hombres. El resto del reparto también muy bien, al igual que la cronología va poco a poco. Una película muy recomendable, para los interesados en la guerra civil, y en la figura de este admirado por mí, General Antonio Escobar Huerta. Me despidó con lo que escribió antes que lo fusilasen, sin rencor ninguno hacia el enemigo, siempre entendió que la guerra civil era un sinsentido que enfrentaba a hermanos contra hermanos, perdió a un hijo en el frente: " Dios escribe Derecho con renglones torcidos... Sin mi vida y la de todos los que han caído, sirve para que no vuelva a repetirse, nuestra sangre no habrá sido estéril". buenísima peli.
http://www.youtube.com/watch?v=Zm-0Tu5KrG4
enlace con el trailer de la peli