viernes, 30 de septiembre de 2011

la momia 1932

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la momia, enorme película del año 1932, protagonizada por un gran boris karloff.
Continuando con la exitosa racha de la Universal en la década de 1930, el maestro de la fotografía Karl Freund (elemento clave con la cámara para gente tan importante como Fritz Lang, Todd Browning o F.W. Murnau) dirigió La momia, una cinta de terror, aventuras y amor protagonizada por uno de los actores del momento, Boris Karloff, que repetía su rol de villano en un filme de terror, tras películas como El doctor Frankenstein o La máscara de Fu-Manchú. Su personaje de momia vuelve a ser memorable, ya que debe desempeñar un complicado papel ecléctico: por un lado está el monstruo aterrador, pleno de magnetismo, de mirada inolvidable y, por otro, el romántico incurable capaz de llevar su amor hasta las últimas consecuencias.

El filme tiene su fuerte, además de en Karloff, en la magnífica ambientación, tanto en la época de 1932, como en el flash-back insertado en mitad de la película sobre el antiguo egipcio (el cual vio reducido su metraje por la censura de la época).

La película tiene momentos que podríamos calificar de sublimes, en los que el misterio y las sombras están utilizados de manera tal, que demuestran que en el cine, muchas veces, impresiona más lo que se sugiere que lo que se enseña al detalle. Desgraciadamente en el siglo XXI, los realizadores de cine de terror infravaloran hasta límites insospechados la capacidad imaginativa del espectador, lo que influye negativamente en la calidad de las películas.

Junto a Karloff aparecen rostros conocidos de la época como David Manners, Edward Van Sloan o Zita Johann, quienes mantienen el nivel interpretativo, de forma que ayudan a conferir el sentido dramático necesario a la obra.

En resumidas cuentas, La momia es uno de los mejores homenajes que el cine ha hecho al Antiguo Egipcio y a los mitos de momias, tumbas y pirámides, que tantas veces sería imitado a posteriori. De entre todos los remakes y similares habría que destacar las dos primeras partes de La momia de Stephen Sommers, aunque hablamos de un tipo de cine completamente distinto, que busca más entretener que crear arte. Al menos logró su propósito.
y al hilo de esta película, hay que comentar al que se encargo de la fotografia, el maestro karl freund.

grandes fotos

galicia da mucho juego, a los fotografos, nuestros grandes paisajes, nuestras miserias y virtudes, pero jamás dejamos indiferentes a nadie. En el blanco y negro, las fotografías, cobran más vida, más objetividad y más vida. Por eso, casi siempre suelo rescatarlas.

primera película en carrete fotográfico

En 1884 el americano George Eatsman fabricó la primera película en carrete de 24 exposiciones.

En 1888 lanzó al mercado otro aparato revolucionario de pequeñas dimensiones (18cm de largo) que estaba provisto de un cargador de 100 exposiciones. Dotado de un foco fijo y una velocidad de obturación de 1/25 segundos. Después de realizar el último disparo, se enviaba a la casa, que revelaba las 100 fotos y recargaba de nuevo la máquina con otro carrete.

Costaba alrededor de 25 dólares y se publicó con el eslogan "Usted apriete el botón, nosotros haremos el resto". Este nuevo invento recibió un nombre que se haría famoso en la historia de la fotografía: Kodak.

Eastman al crear la primera cámara fotográfica, fundó también en (1854-1932) la casa Kodak.

Eastman incluyó en 1891 la primera película intercambiable a la luz de día. De la película sobre papel se pasó en 1889 a la película celuloide, sistema que seguimos empleando hoy en día.

cámara sony

la entrada de la primavera Sony y Canon se han apuntado a ofrecer jugosos reembolsos a quien apueste por sus productos fotográficos. En el caso de Sony desde el 18 de Febrero y hasta el 15 de Abril los compradores de cámaras Alpha y Cyber-shot podrán solicitar con un cupón un interesante reembolso a la compañía nipona.

retoque fotográfico

El retoque fotográfico es una técnica que permite obtener otra imagen modificada, ya sea para lograr una mejor calidad o más realismo, o para obtener una composición totalmente diferente que distorsione la realidad. Para llevar a cabo dicho proceso, se utilizan mayoritariamente programas informáticos.
Utilizando distintas técnicas de retoque fotográfico es bastante simple mejorar la calidad de las imágenes originales procesadas, consiguiendo así un resultado notablemente superior en calidad con respecto a la imagen original. Además también pueden conseguirse efectos impactantes o simplemente corregir diversos errores en las imágenes originales. Antes de la existencia de la fotografia en color era muy frecuente emplear acuarelas líquidas u otros pigmentos para ofrecer la imagen coloreada. También se retocaban los negativos fotográficos para eliminar imperfecciones.
Las técnicas de retoque fotográfico digital son hoy en día muy utilizadas como método de post-producción, sobre todo en ámbitos donde la imagen es lo que vende. Se da mucho su utilización en las producciones de modelaje, ya que la perfección en las modelos debe ser alcanzada a toda costa.

Filtros

Brillo y Contraste.
Curva Tonal.
Tono, luminosidad y saturación.
Balance de Color.
Niveles de Color.
Colorización.
Umbral de color.
Los filtros mayormente son utilizados para hacer correcciones en los colores de las imágenes, aunque existe una variedad realmente amplia de ellos. Hay filtros de textura, de efectos como pintura, entre muchos otros. En esta sección solamente hablaremos sobre los filtros básicos que comparten la mayoría de los programas de retoque fotográfico.
Los filtros básicos de retoque fotográfico
  • Brillo y contraste.
  • Ajuste de curvas de color.
  • Tono, Saturación y luminosidad.
  • Balance de color.
  • Niveles de color.
  • Colorización
  • Umbral
La utilización de estos filtros presentes en la mayoría de los programas de retoque fotográfico representan el nivel básico de retoque que se puede dar a una imagen. Aunque puede variar el nombre del filtro dependiendo del editor usado photoshop normalmente están presentes en la mayoría de estos programas. También puede variar su funcionamiento y la calidad del trabajo final. Más abajo pueden verse ejemplos de estos filtros en el programagimpasí como una breve explicación sobre su uso

Brillo y contraste.

Este filtro permite corregir irregularidades en imágenes claras u obscuras, así como también realzar los colores de las mismas mediante el contraste. Es ideal para solventar problemas de iluminación. Además puede ser muy útil para crear efectos de gran dramatismo en algunas fotografías.

Ajuste de curvas de colores

Muy útil a la hora de solventar problemas de color en fotografías en las cuales un color predomina sobre el resto, normalmente por una iluminación inapropiada. Por ejemplo, la mayoría de las imágenes sacadas en interior donde hay luz incandescente tienden a ser amarillentas. Este filtro permite corregir la intensidad de los colores y de esta manera equilibrar la imagen.

Tono, saturación y luminosidad.

Este filtro sirve para corregir las imágenes que por una u otra razón presentan exceso o falta de color, así como tintes de colores que no son correctos. Así mismo, también se puede utilizar para cambiar completamente el rango de color (como se ve en la imagen de ejemplo) y así generar un efecto llamativo.

Balance de color.

Esta herramienta es muy similar en funcionamiento y función a las curvas de color, pero su forma de uso difiere bastante. Es ideal para corregir rápidamente tintes de color tanto en la luz, tonos medios y sombra de manera independiente entre sí y entre cada uno de los canales ya que permite aumentar y disminuir o aumentar la presencia de cada color.

Niveles de Color.

Su funcionamiento aunque similar al balance de color, difiere de este último porque permite regular no solo la fuerza de cada color, sino su luminosidad y gama en la imagen en general o en cada uno de los canales que la conforman. Es ideal para corregir imágenes muy oscuras o muy claras que además tengan problemas con el tinte en general.

Colorización.

Este filtro es ideal para dar un tinte general a toda la imagen. Ya sea para hacer una imagen sepiada o de cualquier otro color. Puede utilizarse, por ejemplo, si la imagen original es un campo de césped (casi en su totalidad de un color determinado), pero posee zonas donde hay colores no deseados como lo podría ser el pasto seco, etc.

Umbral

Este filtro trabaja separando la imagen en 2 colores plenos (negro y blanco) y gracias a la utilización del punto medio se puede definir donde esta el umbral de separación de ambos con respecto a la luminosidad original de la imagen. Es muy útil a la hora de limpiar (por ejemplo) dibujos hechos a lápiz, ya que realza los bordes y genera una imagen de alto contraste. También puede utilizarse en unión a otros filtros para generar distintos efectos.De esta manera como se explica anteriormente se podrá realizar una diferenciacion entre colores, la cual nos permite realizar una buena selección de diferencial.

jueves, 29 de septiembre de 2011

desnudo artístico

El cuerpo humano presenta su máxima belleza cuando se expone al natural.
La fotografía de desnudo artistico es una disciplina compleja, que intenta mostrar con la maxima sensibilidad y respeto a el/la modelo la belleza que todos y cada uno tenemos en nuestro cuerpo.
Una modelo desnuda es un reto para la cámara. El objetivo es buscar una imagen plástica, en donde las curvas, la luz y las sombras se combinen para producir unas fotos sensuales, en las que se insinua mucho más de lo que se muestra.
Cada foto se compone con sumo cuidado para que todos los elementos presenten una armonia plena con el cuerpo desnudo de la modelo.
Es fundamental crear el ambiente necesario para conseguir una complicidad entre la modelo y el fotografo que rompa el pudor de las primeras fotografías.
Para eso siempre se realizan poses normales, en la que el/la modelo posa vestida.
Tan solo cuando se ha establecido el vínculo necesario se pasa a realizar fotos de desnudo artistico, siempre de forma paulatina.
El respeto a las modelos y la sensibilidad guía toda la sesión.

 Hay 3 tipos de desnudos en la fotografía: el artístico, el erótico y el pornográfico. Y el que más me interesa de todos, es el desnudo con personas reales, osea, no modelos, y os traere dentro de poco, un barrido de algunas fotos de este estilo. saludos.

miércoles, 28 de septiembre de 2011

greta garbo

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Cómo sabeis todos, cine y fotografía van unidos de la mano. Abró esta nueva sección, para buscar hasta debajo de las piedras, los momentos más mágicos del cine. No sé me ocurrió otra idea mejor, que empezar con la actriz con más personalidad, y fotogénica de todos los tiempos, no es otra que la grandisima greta garbo.
Fijaos bien en su mirada, te lo dice todo, y a la vez, no te dice nada. Increible su fuerza en la pantalla. Del cine podreis sacar buenisimas ideas para vuestras fotos, ya seais profesionales, o aficcionados, eso da igual, se trata de disfrutar de esta pasión, que tengo en común, con vosotros.
la película es ana karenina, la versión de la novela de tolstoi, por cierto, la peli es muy fiel al libro. es del año 1935. Y voy a analizar fragmentos mágicos del cine, sea cual sea la época. Este es uno de ellos, el momento en que ana karenina se tira a la vía del tren, tras su decepción amorosa. Tened en cuenta, que estamos en 1935. Por cierto, tolstoi acabó exactamente igual que su creación, ana karenina.
aprovecho, para darle las gracias a todos los que siguen el blog, especialemente a david, y la última parada. besos.

composición fotográfica

El fotógrafo debe educar su manera de mirar el entorno e incorporar a sus reflejos la mirada selectiva e instintiva, hacer y pensar sobre lo que se hace son actividades inseparables¨

El ser humano cuando percibe una imagen suele hacerlo de una determinada forma y en un determinado orden; además, existen ciertos aspectos en una imagen que ayudan a captar en general la atención del cerebro y que suelen evocar ciertas sensaciones o sentimientos.
Componer, en fotografía, es disponer los elementos en un determinado espacio. La composición da fuerza expresiva a la f
otografía, provoca sensaciones y sentimientos.
Para trabajar estos elementos, para moldear y transmitir mensajes en este lenguaje visual, el fotógrafo tiene a su disposici
ón múltiples herramientas:
• Colocación de los objetos dentro del encuadre.
• Encuadre y contenido
• Enfoque total o selectivo.
• Punto de vista, Perspectiva
• Iluminación de la escena.


Todos estos elementos s
abiamente combinados producen 
Robert Capa, que no se llamaba así en realidad, dijo en su día: “Si no estas satisfecho con tus fotos es que no te has acercado lo suficiente”.

Es una forma de decir lo que queremos conseguir con esta Segunda Regla de Composición: Hay que rellenar el encuadre.

Esta regla puede parecer bastante obvia, pero lo cierto es que muchas veces fallamos al aplicarla. Si queremos contar algo en una foto, ocupemos la mayor parte con ese "algo", asegurándonos que se convierte de este modo en el centro de atención. Además, de este modo eliminamos posibles elementos que resten atención.

Es un fallo demasiado común el querer sacar demasiadas cosas en una única foto. Al final, lo que conseguimos es que no quede demasiado claro qué es lo que queríamos enseñar. Ante la duda de si algo debe salir o no en la foto, quítalo.

Cuando el fondo carece de interés y puede distraer la atención, hay que ajustar el ángulo de la toma para eliminarlo del fotograma, de ahí la importancia de la angulación de la cámara, que vimos en su día, recordareis aquello de: picado, contrapicado, a nivel y cenital.

Acércate lo que necesites, con la cámara o con el zoom. Cuando mires a través del visor, pregúntate si todos los elementos que estás viendo deben salir en la foto. En caso de duda con alguno, sácalo del encuadre.

En ningún sitio está escrito que todas las fotografías deben ser apaisadas y de formato rectangular. Aunque la mayoría de fotos responden a ese formato, se puede mejorar una composición, realizando un cambio drástico del mismo. Si no tiene otro medio de mejorar un determinado encuadre, se recorta las zonas vacías de elementos importantes con un programa de diseño y se consigue una fotografía más dinámica.

Muchas fotografías no se interpretan como el autor esperaba o, simplemente, no se entienden, porque el exceso d elementos confunde.

El observador se limita a mirar y leer, de forma global, todo aquello que aparece en la fotografía. Si el fotógrafo, con los recursos a su alcance, no ha sabido dar el carácter adecuado a la imagen, ésta no producirá el efecto deseado. Sin una adecuada planificación o reflexión sobre el tema, es difícil poder determinar cuál es el mejor encuadre posible. Si se define qué se quiere contar, la selección del encuadre es mucho más rápida y sencilla.

El encuadre por tanto controla lo que se cuenta, pero ¿cómo se cuenta?, y eso es lo que se hace con el contenido de lo que hemos encuadrado.

cámaras de visión directa

Las cámaras de visión directa utilizan carretes de película de 120 mm, son muy manejables y ligeras como las compactas de 35 mm, al mismo tiempo que ofrecen una calidad superior al mayor tamaño de los fotogramas.

Su enfoque es telemétrico, el sistema de enfoque que mide la distancia entre la cámara fotográfica y el motivo, evaluando el ángulo de convergencia con el que la luz alcanza el objetivo. El ángulo aumenta si el motivo se acerca y disminuye si el motivo se aleja.

cámaras panorámicas

Las cámaras panorámicas tienen unos mecanismos de rotación de forma circular, tanto para el objetivo como para toda la cámara, alcanzando los 360º.

Plasman la imagen entera sobre una larga tira de película de 24x224 milímetros, de formato universal. Producen verdaderas imágenes panorámicas. Usan un fotograma de mayor anchura

Durante su exposición la película se mueve sincronizando con la rotación giratoria de la cámara, realizando un barrido sobre la película.

Estas cámaras son de uso especializado para fotógrafos profesionales. Actualmente se encuentran pocos laboratorios que hagan copias de negativos tan largos, y pocos proyectores para las diapositivas de este tamaño.

La cámara réflex de 35 mm, es capaz de efectuar cinco tipos distintos de toma fotográfica, panorámica, lineal, de motivo rotatorio, etéreo y fotofinish

alberto garcía alix

Alberto García-Alix (n. León, 1956) es uno de los fotógrafos más representativos de la escena artística española de las últimas décadas y un artista que ha plasmado su vida a partir de retratos de la vida de los demás. Ganador del Premio Nacional de Fotografía en 1999 y uno de los protagonistas destacados de la llamada  movida madrileña.
En cuanto a su obra, desde su primera esposición en 1981 en la la Galería Buades, su obra ha recorre diversos países y es admirada en publicaciones como Vogue, British Journal of Photography o Vanity Fair. Destacan sus retratos en blanco y negro, con series dedicadas a las motos, los presos, las estrellas del porno (como Nacho Vidal), los yonquis y los tatuajes. Amante de las motocicletas y de los retratos sus cámaras Leica y Hasselblad han inmortalizado a importantes artistas nacionales e internacionales. Las motos Harley Davidson, los tatuajes, la música y la noche han sido sus musas de inspiración

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martes, 27 de septiembre de 2011

formato raw

El formato RAW sólo se encuentra disponible en cámaras digitales sofisticadas, indicadas para fotógrafos profesionales. Este formato ofrece la máxima calidad ya que contiene los píxeles en bruto tal y como se han adquirido.

Normalmente, en el funcionamiento del los otros formatos que utilizan las cámaras digitales (Tiff y JPEG) participa el sensor para transmitir la señal eléctrica y convertir los datos de analógicos a digitales. En cambio, en el caso del RAW, los píxeles no se procesan ni transforman, se mantiene brutos tal cual. A este proceso se le llama también negativo digital.
Los datos del archivo RAW, no han sufrido ninguna clase de compresión, lo que hace que este archivo mantenga el máximo detalle de la imagen. Estos archivos son de tipo ópticos para imágenes de especial importancia.

El peso del archivo, ocupa mucho espacio y no podremos guardar la misma cantidad de imágenes en nuestra tarjeta en este formato.

Este archivo RAW no se puede imprimir ni visualizar directamente. Precisa de un tratamiento informático y realizar la conversión a otro formato para que se pueda utilizar.

La gran ventaja es que los datos del formato RAW son puros, obtenidos directamente del sensor de la cámara.

Uno de los programas que trata los archivos RAW, es el Camera Raw de Adobe.

canon eos 50d

La Canon EOS 50D contará con un sensor APS-C de 15,1Mpx protegido de la suciedad como siempre por el sistema EOS Integrated Cleaning System.
Su procesador DIGIC 4 permitirá elevar la frecuencia de disparo hasta las 6,3 fps en series de hasta 90 fotos con una tarjeta UDMA (16 en formato RAW). Así mismo permitirá elegir valores de ISO 100-3200 incluyendo optar por valores forzados de 6400/12800.
En cuanto a formatos de guardado se implementan sRAW1 y sRAW2 que permiten guardar la misma información del RAW pero en la mitad de espacio.
La cámara presentará una pantalla LCD Clear View VGA de 3,0" (920,000 pixeles), con sistema "Live View Mode" y AF con Detección de la Cara en tiempo real.
A las conexiones de la cámara se suma una salida HDMI y se mantendrá total compatibilidad con objetivos Canon EF y EF-S.
El precio recomendado para este nuevo cuerpo, que podría venir acompañado de un objetivo EF 28-135mm f/3.5-5.6 IS, será de 1.289 euros (IVA incluído).

lunes, 26 de septiembre de 2011

imprimir en un laboratorio

Imprimir en un laboratorio fotográfico profesional tiene multitud de ventajas y de posibilidades frente a unas pocas desventajas.

Dos de los principales contras son no controlar los dispositivos empleados y la falta de inmediatez en la obtención de las copias. En ocasiones el original difiere de la copia impresa. Esto se debe, normalmente, a la descoordinación entre los perfiles de color de nuestro monitor y los de la máquina de impresión del laboratorio.

Otra de las desventajas de revelar digitalmente en un laboratorio está prácticamente superada. El desplazamiento al negocio se puede evitar ordenando la impresión online.
Las ventajas son numerosas e importantes. La calidad de impresión es la que más destaca. Los laboratorios invierten en equipos específicos, en tintas especiales y en papeles fotográficos.

Todo esto hace que los resultados sean más nítidos, contrastados y perduren más en el tiempo. Además, el precio de cada foto se reduce considerablemente y encontrar ofertas no es difícil.

En el laboratorio fotográfico pueden obtener una imagen en papel bien por impresión o bien por revelado químico. El revelado digital químico es muy similar al analógico. A falta de negativo, la imagen digital es proyectada sobre el papel fotosensible.

Con este proceso se consiguen fotografías con una calidad superior y que se mantienen intactas durante mucho más tiempo.

alberto garcía-alix de photobolsillo

me encanta las ediciones que han sacado la fabrica, llamados de photobolsillo, todos en ediciones pequeñas, de un grisaceo plateado, a 10 euros cada una. Son libros gráficos, tras una breve presentación, nos presenta un barrido de sus mejores retratos en blanco y negro. Sin duda, uno de los mejores retratistas españoles, y de los más underground. Una edición, muy cuidada, que recomiendo abiertamente.
Dentro de poco, le daré su espacio a alberto garcía alix.

domingo, 25 de septiembre de 2011

fotos históricas

que algún día se acabe la locura del ser humano... que algún día, lo que mal llamamos mundo civilizado, deje de pensar en sus putos intereses, y no busquen conflictos y dejen de armar guerrillas y derrocar gobiernos, para poner a titeres, que velen por sus sucios intereses, mientras por detrás untan a las marionetas. viva el puto mundo libre... no existe. así que vivan las quimeras.

andreas franke

El buque estadounidense de transporte general vanderberg, que participó en la II Guerra Mundial, fue propiedad de la Marina, luego de las Fuerzas Aereas y en 1983 fue retirado del ejército.
 uince años más tarde se convirtió en el escenario de la película de ciencia ficción virus (John Bruno, 1999), protagonizada por Jamie Lee Curtis y William Baldwin y Donald Sutherland.

Hace dos años, tras ser subastado por un grupo inversor, lo llevaron a cayo hueso (Florida) para hundirlo y convertirlo en arrecife artificial en el santuario marino de cayo hueso Apenas cubierto por las plantas submarinas, la embarcación todavía está poco corrompida por el agua salada.
Ahora, bajo el agua, el barco, de 160 metros de eslora, juega un nuevo capítulo en su ajetreada vida: se ha convertido en galería de arte.
Cuando andreas franke , fotógrafo publicitario austriaco y aficionado al buceo, visitó y fotografió el Vandenberg, lo que vio le pareció un escenario que debía ser utilizado. Fue el principio del proyecto  Vida bajo la superficie).
Al volver a Viena eligió las mejores fotos submarinas de su expedición. Luego en el estudio hizo sesiones con modelos que escenificaban momentos de la vida diaria: bailarinas de ballet ensayando, unos niños sacando chicles de una máquina, un hombre tirado en el sofá viendo la tele...
ezcló las escenas con el escenario marino. La caracterización atemporal de los personajes unida al fondo azulado y habitado por diminutos peces daban a cada obra la sensación de haberse detenido en el tiempo, como el barco sumergido. Franke tenía claro que no había otro lugar para exhibirlas que no fuera el buque, hundido a 30 metros de profundidad.
difusaUn elemento conocido en nuestro mundo terrestre adquiría otro sentido bajo el agua, iluminado por una luz ténue y difusa. Franke quería sacarle partido al romanticismo borroso del mar: "La agudeza visual se desvanece bajo el agua, como pasa con la niebla".

Desde agosto de este año los submarinistas pueden visitar la galería. Las fotos están aisladas y selladas con silicona entre dos láminas de plexiglás y enmarcadas en acero inoxidable. Franke las ha asegurado al barco con potentes imanes que no perjudicarán a las obras cuando sean retiradas

minimalismo fotográfico

emáticas fotográficas es lo que más suele encontrarse, desde la tradicional fotografía de paisajes hasta la innovadora fotografía de dibujos creados por luces pasando por los cientos de efectos del estilo zooming que muchos han explicado tan bien en cientos de tutoriales que inundan la red.
Lo cierto es que todo, o casi todo, es fotografiable e incluso factible de ser catalogado en alguna de las tantas temáticas de las que hablábamos.
Hoy hablaremos de una de las más atractivas a la vista y, en apariencia, fácil de lograr; el minimalismo.

El minimalismo es, como su nombre lo indica, el arte de lo mínimo; lograr más con menos dirían algunos. Existe incluso como una filosofía de vida, ya que el punto de vista del verdadero minimalista es centrarse en unos pocos elementos esenciales de la vida ignorando todo lo demás.
Como pueden ver este tema ha sido explorado y explotado en varias ramas del arte, como la literatura, la música y la pintura.
Ahora bien, veamos lo que realmente nos interesa, esto es: el minimalismo en la fotografía.
En fotografía el minimalismo cuenta con varias escuelas de pensamiento que bien podríamos poner en discusión; algunos creen que tanto la definición como la ejecución del minimalismo en el resto de las artes plásticas debe ser llevado tal cuál está enunciado en éstas a la fotografía, mientras que otros coinciden en que en la fotografía el minimalismo está más abierto a la creatividad y que en tanto una imagen se encuentre centrada en un tema dejando de lado el entorno ya es minimalista. Esta última escuela de pensamiento incluiría entonces la fotografía macro.
Personalmente coincido con la primer corriente de opinión: menos información, un alto contraste con el entorno y, a menudo, el extremismo en la composición.
Otro punto de discusión que cobra gran importancia en este tema es el color, ya que este desempeña un papel fundamental en las fotografías minimalistas, aunque siempre la atención mayor está puesta en el objeto a retratar, el buen uso  del color suele ser una gran ayuda extra.
Esto quiere decir que, si bien una foto minimalista bien hecha, con un objeto central preciso, será tan minimalista si la presentamos en monocromo como si lo hacemos en color, es muy posible que con la ayuda de colores contrastantes logremos un mayor efecto visual. Pero eso no quita que ambas sean consideradas minimalistas.
El minimalismo no solo está enfocado a la fotografía de objetos sino que también puede ser explotado en un ciento por ciento en la fotografías de retratos. Aunque como ya hemos dicho, la fotografía de retratos es uno de los estilos más difíciles de dominar, a esta le estaremos sumando un plus de dificultad al intentar hacerla dentro de la temática del minimalismo.
En su mayoría las imágenes que mejor logran reflejar el minimalismo en retratos son aquellas en las que se juega con las luces y las sombras, ocultando gran parte del mismo en las sombras y dejando una bella fotografía, aunque debemos reconocer que son algo extremas.
Finalmente, miremos algunos tips imprescindibles a la hora de realizar fotografías minimalistas:

1- Quitar las distracciones.

Todo lo que pueda ser quitado de una escena, quítalo. Siempre debe haber un único tema principal en la composición.
2- Tener un claro objetivo.
Si quieres imprimir un toque de luz especial o de color a tu imagen siempre debe ser dado en el objetivo principal, nunca debes desviar la atención con elementos o retoques extras.
3- Provocar reacciones.
El arte fotográfico no siempre debe decirlo todo, las mejores imágenes suelen dejar un marco de interacción con aquellos que las observan. Provoca a tus espectadores.
4- Jugar con las luces.
Tanto para resaltar como para ocultar tras las sombras las luces son una herramienta fundamental en la fotografía, cuánto más en este estilo que es todo un desafío.

5- Aprender a ver los detalles

Si bien una fotografía plagada de información y colores puede ser preciosa, el gran secreto del minimalismo está en revelar los detalles que se pierden en el resto de los estilos fotográficos. Aprende a encontrar la belleza de los detalles.
Con esta información, tu creatividad, un poco de ingenio y tu cámara, ya puedes salir en busca de tus fotografías minimalistas.

sábado, 24 de septiembre de 2011

primeros objetivos

Los avances en las prestaciones de los objetivos, llegaron a partir del año 1903 con los objetivos fabricados por Zeiss. Otros progresos fueron aportados por el sistema réflex en 1828. La primera cámara réflex binocular con un objetivo para la toma, otro para el encuadre y el enfoque, fue construida por H.Cook en 1865


Polaroid Land, por Edwin Herbert Land

Polaroid Land, por Edwin Herbert Land Algunos investigadores se dedicaron a experimentar el método de fotografía instantánea, es decir, especularon con la posibilidad de revelar la película en el interior de la cámara fotográfica, en lugar de la cámara oscura (laboratorio).

La fotografía instantánea se hizo realidad en 1947, con la cámara Polaroid Land, basada en el sistema fotográfico descubierto por el físico estadounidense Edwin Herbert Land.

Este revolucionario invento añadió a la fotografía de aficionados el atractivo de conseguir fotos totalmente reveladas pocos minutos después de haberlas tomado.

leica de 1939

Cámara Leica 1929

Leica, considerada como la primera cámara fotográfica para películas de formato de 35 mm, utilizadas también para el cine. El primer modelo de uso privado lo fabricó Oscar Barnack en 1913. La cámara disponía de una óptica fija y de un obturador de cortinilla sobre el plano focal.

Debido a su rapidez de acción y manejabilidad, la cámara leica fué considerada una verdadera referencia como símbolo de adaptación a todas las exigencias dentro del mundo fotográfico.

miércoles, 21 de septiembre de 2011

henri-cartier bresson

editado por editoriales salvat. recomendado para todos aquellos seguidores de bresson, no es ni el mejor libro ni el peor, sobre bresson, pero tiene curiosidades, que lo hacen apeticible, como fotos en alicante y madrid. y alguna que otra, atrevida, para la época.
de todas formas, cualquier libro gráfico, sobre este enorme fotógrafo, es muy apeticible, este libro salió con un coleccionable con un periódico, puede que lo encontreis en alguna tienda de segunda mano, así que mucha suerte.

martes, 20 de septiembre de 2011

fotografías nocturnas

ara conseguir unas buenas fotografías nocturnas tan sólo necesitas un trípode, una cámara que permita ajustar la velocidad de exposición para más de 4 segundos y un disparador remoto por cable o infrarrojos (esto se puede sustituir por el temporizador de la cámara).

Si tienes una cámara analógica, es mejor usar un filtros con colores cálidos para que las fotos no salgan verdosas o amarillentas (suele suceder esto si la exposición es mayor de 8 segundos). Con una cámara digital no tendrás este problema.

Siguiente regla: No intentes hacer fotos nocturnas cuando esté completamente oscuro. La mayor parte del tiempo no hay luz suficiente como para conseguir buenas fotos (Excepción: cielos de grandes ciudades, escenarios con muchas luces, etc…)
Intenta hacer las fotos durante la comúnmente llamada “hora azul” porque hay luz suficiente como para conseguir buenos resultados. La siguiente es un ejemplo de foto sacada en la hora azul



Siguiente: No uses la apertura (número f) más alta o más baja, usa una apertura media como 4 o 5.6 Haciendo esto reduces el halo de estrella alrededor de las luces que hace que se vean antinaturales. Esta también es una razón por la que es mejor sacar este tipo de fotos durante la hora azul; si la diferencia entre la oscuridad y las luces es muy grande dichas luces saldrán con esos halos estrellados a su alrededor como en el


No uses los modos de prioridad de apertura o exposición de tu cámara; usa el modo manual y haz una serie de fotografías con apertura f4 o f5.6 y tiempo de exposición con 4, 6, 8, 10 y 15 segundos (con cámara digital) y una serie con 6, 10, 15, 20 y 30 segundos (con cámara analógica). Si tu cámara no permite tiempos de exposición mayores de 10 segundos, pon el modo B (Bulb) y usa un disparador remoto o temporizador.
Intenta esto unas cuantas veces al principio, después de un tiempo sabrás cual es la velocidad más apropiada para tus fotos nocturnas (dependiendo de la luz ambiental). Ahora y siempre es necesario que hagas una serie de 3 a 5 fotos para conseguir los mejores resultados. Si tu tienes algo de experiencia entonces intenta usar un filtro gris o color tabaco. Muchos fotógrafos creen que los filtros son sólo útiles durante el día.

Truco: Intenta hacer fotografias nocturnas con el cielo lleno de nubes. El contraste de los edificios delante del cielo queda mucho mejor que haciendo la misma foto en un día despejado sin ninguna nube. Haciendo esto conseguirás preciosas fotografías dramáticas. Por ejemplo la siguiente



Truco2: Seguro que alguna vez estas delante de un cielo precioso y te dirás a ti mismo: “hmm, está demasiado oscuro para conseguir algo decente”. Esto no es así, las lentes de la cámara en combinación con exposiciones largas ven las cosas mejor de lo que puede hacerlo el ojo humano.
La catedral de Colonia y el puente en la foto anterior están muy poco iluminados durante la noche, muchos no le darían una oportunidad a este escenario pero un trípode y 15 segundos de exposición muestran toda la belleza de esta fabulosa catedral.

Post-procesamiento en photoshop?

Si tienes una cámara digital, normalmente no es necesario editar las fotografías nocturnas, pero si quieres puedes enfocar tus fotos en photoshop.
Sin embargo el photoshop es una poderosa herramienta para los usuarios de cámaras analógicas ya que como se ha dicho antes si el tiempo de exposición es mayor de 8 segundos a veces las fotos se ven un poco amarillentas o verdosas.

Una herramienta útil en photoshop es el equilibrio de color y/o variaciones (Imagen/Ajustes/Equilibrio de color…)
Tan sólo necesitas reducir la línea verde o amarilla; inténtalo es realmente fácil.

sony ciber shot

Empezando por las cámaras su principal novedad es la inclusión del sensor CMOS Exmor R, que promete mejorar el rendimiento del mismo en situaciones de baja luminosidad (un problema bastante notable para quien haya probado las cámaras de Sony) . Para ello Sony ha modificado la estructura de los sensores clásicos colocando los circuitos en la parte posterior de los fotodiodos en vez de delante con lo que se consigue un sensor retroiluminado que, en teoría, duplica la sensibilidad de un sensor clásico consiguiendo una fotografía mucho más nítida.

bruce percy

Bruce Percy es un fotógrafo escocés, nacido en 1967 en Sutherland y que vive actualmente en Edimburgo. Es un fotógrafo freelance de viajes y paisaje. Sus imágenes se han publicado en National Geographic así como en otras publicaciones. Entre sus clientes se encuentran American Express, The Sir Edmund Hillary Foundation y la Icelandic Post Office (Stamp).
Siempre ha tenido un estrecho contacto con las artes: dibujando y pintando de niño, componiendo música de adolescente y fotografiando como adulto.
Su interés por la fotografía le llegó en los 80 por un amigo de la escuela secundaria que se compró una Pentax ME Super y que le introdujo en el trabajo de ansel adams.
Con la edad se ha encontrado con que le atraen mucho los parajes desolados y yermos y la gente que vive en ellos. Para él, la fotografía es el medio perfecto para estar más próximo a la tierra y a las culturas que la habitan.
esta última foto en los arrozales de camboya. un paisajista tremendo, que sabe sacarle el mayor jugo a la naturaleza, muy valorado por la national geographic.

lunes, 19 de septiembre de 2011

hola

no todo es fría información que almacenar, para que me conozcais algo. me llamo alba, tengo 29 años, y soy fotografa, y pintora, en mi blog, el berce da bolboreta tengo expuesto mis cuadros. que vendo a un módico precio, a convenir, con el interesado.

Otra de mis pasiones, es la fotografia, lo que más me gusta es el retrato en blanco y negro. Nací en Ourense, tierra en dónde encuentro la inspiración en mis cuadros y fotografias. también tengo muchas fotografias mías, en el berce da bolboreta, y trabajos con el photoshop.
hice bellas artes, y tengo fp de grado superior de fotografía. mis gustos son de lo más variado, desde lo musical, hasta el cine... que por cierto, inaguraré una nueva sección sobre fotogramas de cine en breve.
quiero daros las gracias a todos los que entrais en este blog. y pediros por favor, que si algo os gusta o no os gusta, o os gustaria que hablara sobre algún tema específico, me mandarais un mensaje en el blog, el mundo del blog, es por amor al arte, y vivimos de sus visitas y comentarios, eso es lo que alimenta un blog, no su número de entradas. Gracias y hasta otra.

eastman

En 1884 el americano George Eatsman fabricó la primera película en carrete de 24 exposiciones.

En 1888 lanzó al mercado otro aparato revolucionario de pequeñas dimensiones (18cm de largo) que estaba provisto de un cargador de 100 exposiciones. Dotado de un foco fijo y una velocidad de obturación de 1/25 segundos. Después de realizar el último disparo, se enviaba a la casa, que revelaba las 100 fotos y recargaba de nuevo la máquina con otro carrete.

Costaba alrededor de 25 dólares y se publicó con el eslogan "Usted apriete el botón, nosotros haremos el resto". Este nuevo invento recibió un nombre que se haría famoso en la historia de la fotografía: Kodak.

Eastman al crear la primera cámara fotográfica, fundó también en (1854-1932) la casa Kodak.

Eastman incluyó en 1891 la primera película intercambiable a la luz de día. De la película sobre papel se pasó en 1889 a la película celuloide, sistema que seguimos empleando hoy en día.

memoria interna y tarjetas

a cámara digital tratada en este manual cuenta con 16 MB de memoria interna que le permiten almacenar un número bastante limitado imágenes y videoclips en la cámara. Es recomendable utilizar una tarjeta de memoria opcional (adquirida por separado) en lugar de almacenar las imágenes y los videoclips en la esta memoria.

Para obtener más información sobre las tarjetas de memoria que admite la cámara, consulte Adquisición de accesorios de la cámara y su fabricante.

Si la tarjeta de memoria está instalada en la cámara, todas las imágenes y videoclips nuevos sólo se almacenarán en la tarjeta de memoria. La memoria interna y el sistema de archivos no están disponibles cuando se instala una tarjeta de memoria en la cámara.


Instalación de la tarjeta de memoria

Instalación de la tarjeta de memoria

1.- Con la cámara apagada y la parte posterior de la cámara orientada hacia usted, abra la puerta del compartimento de la tarjeta de memoria deslizándola hacia la derecha.

2.- Inserte la tarjeta de memoria y asegúrese de que ésta encaja en su sitio.

3.- Cierre la puerta de la tarjeta.

Para extraer una tarjeta de memoria, presione el borde superior de la misma y ésta saltará fuera de la ranura

uganda

buen retrato de una familia ugandesa. La cruda realidad se destapa ante nuestros ojos, el hambre, la miseria y como a lo que llamamos el primer mundo (en cuanto a moral, somos tercermundistas) Le da la espalda a los más necesitados. En esta fotografia, no se puede trampear, es la realidad, al desnudo, y aveces nos sirve, una cámara, para darnos cuenta de lo que estamos haciendo, y que estamos haciendo con nuestro planeta, fotos que invitan a la reflexión.