domingo, 30 de septiembre de 2012

MC5

MC5 (abreviatura de motor city Five) es un grupo de rock formado en detroit en 1964, y activo hasta 1972, conformado casi en su totalidad por Wayne Kramer y Fred "Sonic" Smith (en guitarras), Michael Davis (bajo), Rob Tyner (vocales), y Dennis Thompson (batería)
 Tuvieron un comienzo prometedor, conocido especialmente por sus energéticas presentaciones, las que los llevaron a aparecer en la portada de la revista rolling stone en 1968, antes incluso de haber grabado su primer disco. La carrera de los MC5 fue corta, debido a tensiones personales y políticas entre sus integrantes, y fueron largamente olvidados cuando se separaron. Años después de su disolución, sin embargo, los MC5 fueron citados frecuentemente como unas de las bandas americanas más importantes de hard rock de su era, sus tres discos son verdaderos clásicos, y fueron una gran influencia en el hard rock, el heavy metal , y especialmente, el punk rock. Kick Out The Jams, es probablemente su canción más conocida y la más interpretada por otros artistas.
 antes incluso de haber grabado su primer disco.Muy presentes y activos en los días de conflictos raciales de EEUU llegaron a crear su propia asociación denominada White Panthers paralela y hermanada con la mismísima Black Panthers. Aunque los libros datan su existencia hasta 1972, la hermandad y vida en común que ejercían (vivían todos bajo el mismo techo junto a sus mujeres) no se estiráría más allá de finales de década de los 60, de hecho, sus actuaciones en los dos últimos años están llenas de suplencias. La carrera de los MC5 fue corta, debido a tensiones personales y políticas entre sus integrantes, y fueron largamente olvidados cuando se separaron. Años después de su disolución, sin embargo, los MC5 fueron citados frecuentemente como unas de las bandas americanas más importantes de hard rock de su era, sus tres discos son verdaderos clásicos, y fueron una gran influencia en el hard rock, el heavy metal, y especialmente, el punk rock. Kick Out The Jams, es probablemente su canción más conocida y la más interpretada por otros artistas.

Su influencia es inmensa, especialmente en el punk, en el pop guitarrero, en el hard rock y en los sonidos garajeros más sucios y viscerales surgidos en décadas posteriores.
Pero esta fuerza sónica no nace así como así. En los mismos se encuentran reflejos de gente como hendrix, who, los rolling,cream, los troggs o los grandes maestros del rock de los 50, en especial el impetuoso little richard.
Los MC5, creados a mediados de los años 60 en Lincoln Park, estaban compuestos por el cantante y armonicista Rob Tyner (nacido Robert Derminer el 12 de diciembre de 1944, el apelativo de Tyner proviene de un homenaje al pianista de jazz McCoy Tyner), los guitarristas Wayne Kramer (nacido el 30 de abril de 1948) y Fred “Sonic” Smith (nacido el 13 de septiembre de 1949), el bajista Michael Davis y el batería Dennis Thompson.
Previamente, cuando todavían estaban pelándola en el instituto, por el grupo habían pasado el bajista Pat Burrows y el batería Bob Gaspar, quienes pronto abandonaron la banda.

Ya sin espinillas el grupo comenzó a llamar la atención con sus demoledoras actuaciones en vivo en el Grande Ballroom que no pasaron por alto a un tipo espabilado llamado John Sinclair, el de las Panteras Blancas.
Viendo el potencial de MC5, y dentro de su proyecto político anticultural y antisistema, se les ofreció como representante. La banda aceptó y poco después ya estaban metidos en los estudios de grabación para publicar en AMG su primer single en 1966, una versión del tema de los them, tocado también por los Troggs, compuesto por el productor Tommy Scott y Phil Coulter, “I Can Only Give You Everything”.
No tuvieron fortuna y el grupo, afincado ahora en Ann Arbor, una localidad a poco más de media hora de Detroit, tuvo que esperar hasta 1968 para que apareciese su segundo single, “Looking At You”, pieza editada en A2.
Su gran momento fue cuando Elektra contrató a la banda para la grabación de un LP, el mítico “Kick Out The Jams” (1969), disco que recogía sus actuaciones en vivo a finales de octubre de 1968 en el Grande Ballroom.
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Imprescindible su escucha, a todo volumen, para aprender lo que es la rabia, fiereza y catársis, música salvaje y excitante que deja en bragas a cualquier mindundi o mindundis actuales o pretéritos que se piensan que el rock ha comenzado hace dos días cuando lleva bastantes años en la UVI y financiado por multinacionales.
Torbellinos sónicos, guitarras estruendosas, baterías retumbantes, voces catárticas… Un auténtico festín de devastador rock en temas como “Ramblin’ Rose”, “Kick Out The Jams” (número 82 en el Billboard) o “I Want You Right Now”, pieza en la que se aprecian sus ascendencias de Troggs y Hendrix.
El LP (número 30 en los Estados Unidos) estaba producido por Bruce Botnik, conocido técnico colaborador de gente como los doors, love o losbeach boys.

 tlantic, y optaron por suavizar sus instintos políticos, adaptándose a las necesidades de la nueva generación de adolescentes. 'Back in the USA', que salió en 1970, producido por el crítico de rock John Landau, mostraba señales evidentes de que la operación se había convertido en un compromiso; gran parte de la carga demoledora de MC5 se había perdido y lo que quedaba era demasiado "cuidado" para sus viejos fans, pero todavía demasiado duro para las grandes masas. Aunque el disco no defraudó del todo, mostraba la autolimitación de los objetivos de MC5. Sin la tutela interesada pero atenta de Sinclair, MC5 parecían faltos de orientación. 'Hightime' (1971), su tercer y definitivo álbum, era una prueba tangible de ello: una sección de vientos en algunos temas resquebrajaba aun más su credibilidad. La gira europea del año siguiente resultó un desastre: el grupo se disolvió y todos sus componentes terminaron literalmente en el destierro. Rob Tyner se lanzó a algunos patéticos intentos de reconstruir una banda parecida a MC5; 

Michael Davis y Wayne Kramer terminaron en la cárcel por venta y posesión de estupefacientes. Fred "Sonic" Smith fue el único que intentó, sin mucha suerte, permanecer en el negocio del rock, con su Sonic Rendezvous Band; esta última y Destroy All Monsters pueden considerarse la herencia vital de MC5. En 1979 Fred Smith se casó con la poetisa del rock, Patti Smith, con la cual se fue a vivir fuera de Nueva York. La gran ola de interés causada por la llegada del punk y del propio rock duro, ha mantenido el interés por las apariciones de una banda que, se puede decir sin temor a mentir, ha entrado a formar parte de la historia del rock con un único álbum, sin duda, merecidamente. Otro testimonio, aposteriori, de MC5 es una cinta en directo editada por Roir y titulada 'Babes in arms'. En Francia, donde el culto por MC5 y TheStooges alcanza niveles insospechados, han tenido lugar dudosas operaciones en el límite de la legalidad, introduciendo en el mercado viejos hallazgos de Sonic Rendezvous Band. De Destroy AII Monster sólo hay catalogados tres singles y un álbum.

michael davis, falleció.  jhon sinclair, fundador del partido marxista Panteras Blancas- y lo trasladaron de forma directa y cruda a la atónita audiencia. El resultado de aquel concierto quedó plasmado para siempre en un disco de debut, Kick Out the Jams, en cuyos surcos se percibe como en pocos la peligrosidad que debería ser inherente a toda banda de rock. El grito de guerra que dio inicio al recital, “kick out the jams, motherfuckers!” provocó un veto salvaje al grupo por parte de las autoridades: su disco no se pudo vender en las grandes superficies y su carrera quedó marcada para siempre.


Michael davis, murió en el 2012.


Cuando fallece un artista al que admiras, como periodista experimentas una sensación agridulce y extraña: por una parte disfrutas escribiendo sobre su vida y su carrera; por otra, eres consciente de que se trata de una muy mala noticia. Cuando se juntan, como este fin de semana, dos pérdidas tan tristes como las de enrique sierra y la de michael davis  de mc5, uno se enfrenta además a un pequeño dilema: sobre cuál de los dos escribir. No hay duda de que la popularidad del primero es, en nuestro país, infinitamente superior, lo que provoca que su nombre haya inundado los medios españoles durante este fin de semana. Incluso es posible que muchos lectores no conozcan a MC5. Ambas cosas me han llevado en última instancia a decantarme por ellos. Entremos en materia, pues.
Haga el lector un esfuerzo de teletransportación para situarse a sí mismo en el Detroit de octubre 1969. Concretamente, en el estadio Grande Ballroom, donde una de las más prometedoras bandas del momento está a punto de hacer su aparición. Ni siquiera tienen un disco en la calle, pero ya han sido portada de la Rolling Stone por lo incendiario y salvaje de su sonido. El momento es singular: los Beatles acaban de hacer su última y memorable actuación sobre el tejado de Apple, las protestas contra la guerra de Vietnam crecen en número y el movimiento hippie toca techo con Woodstock, al tiempo que algunos de sus sectores comienzan a radicalizar sus postulados: sólo unos pocos días antes del concierto, la Familia ideada por
Charles Manson había asesinado a sharon tate y otras cuatro personas en Los Angeles. La contracultura florecía, afectando de manera muy especial a la creación artística, fuera cual fuera su naturaleza. Y la música, como no podía ser de otra manera, estaba allí para poner banda sonora a la historia.

MC5 era una salvaje banda de ryhtm and blues que se atrevió a llevar al límite su propuesta, anticipándose varios años a la explosión del punk en cuanto a actitud y sonido. Rob Tyner, Wayne Kramer, Fred Smith, Michael Davis y Dennis Thompson cargaron su música de contenido político -en parte, por la labor de su gurú, el poeta posteriormente encarcelado jhon sinclair, fundador del partido marxista Panteras Blancas- y lo trasladaron de forma directa y cruda a la atónita audiencia. El resultado de aquel concierto quedó plasmado para siempre en un disco de debut, Kick Out the Jams, en cuyos surcos se percibe como en pocos la peligrosidad que debería ser inherente a toda banda de rock. El grito de guerra que dio inicio al recital, “kick out the jams, motherfuckers!” provocó un veto salvaje al grupo por parte de las autoridades: su disco no se pudo vender en las grandes superficies y su carrera quedó marcada para siempre.

Personalmente, siempre me pareció una pena que no se llegase a grabar una versión de estudio de aquel álbum. Seguramente muchas de sus redondas canciones habrían marcado más aún si cabe a varias generaciones y hubieran sonado más en muchos reproductores. Pero el hecho es que escuchar Kick out the jams sigue siendo, hoy por  hoy,  un auténtico viaje en el tiempo:
Tan solo un año después de aquello, y ya desvinculados de John Sinclair, MC5 grabaron el que para un servidor es su mejor álbum, Back in the U.S.A. Mucho más domesticados en todos los sentidos -también en su sonido, lo que les hizo perder cierta pegada- MC5 presentaban una colección de canciones sobresaliente (high school, tonight, call me animal, teenage lust…) que, sin embargo, no obtuvo respuesta del público. Tampoco lo hizo el que se convirtió en su último trabajo, el igualmente influyente y algo más experimental High Times, que puso punto y final a su carrera.

Muchos años después, algunos tuvimos la suerte de disfrutar de su reunión -ya sin su vocalista, fallecido en 1994- como DKT/MC5, en la que volvieron a demostrar su buen estado de forma a pesar de los años junto a cantantes de la talla de Lisa Kekaula (Bellrays) o Handsome Dick Manitoba (The Dictators). Allí estaba también Michael Davis, que nos dejó el pasado viernes a los 68 años de edad, dejando tras de sí una corta pero espectacular carrera y unas frenéticas líneas de bajo.
sin duda una de las bandas malditas del rock, de las menos reconocidas, pero admitiendo que influyeron a muchas bandas, hasta el punto que se le consideran los que inventaron el heavy metal.

roadhouse " time"

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Os dejo con una balada, de la banda inglesa roadhouse. tan sólo sacarón este album en 1991. practican un hard rock muy comercial en la onda de los def leppard, de echo dos componentes de esta banda, proceden de def leppard.  Concretamente este tema sonó mucho por aquellos tiempos, en la mtv. Buen fin de semana.

samuel aranda entrevista

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entrevista con el fotografo samuel aranda, ganador del world express photo del 2012, con su foto realizada en Yemen.

técnica fotografica

CNICA DL f/16
Para hacer exposiciones perfectas en días de pleno sol y cielo azul fija la apertura del diafragma en 16 y la velocidad de obturación que sea exactamente la misma que el valor de ISO.
Si tienes el ISO en 200 los valores de exposición serían 1/200 y f/16. Si tienes el ISO en 100, 1/100 y f/16. Así sucesivamente. ¡Verás que la exposición obtenida es perfecta!
OJO CON LA RELACIÓN ENTRE VELOCIDAD DE OBTURACIÓN Y DISTANCIA FOCAL
Debes saber que la mínima velocidad a la que puedes disparar con cualquier objetivo siempre responde a la fórmula 1/(distancia focal).
Si el sensor de tu cámara no es full-frame, deberás tenerlo en cuenta también. Si tienes un 300mm en una cámara con factor de conversión 1.5 podrás disparar a una velocidad de 1/450 (aceptando que tal velocidad de disparo exista en una cámara).
Esta regla es muy importante, aunque también lo son los estabilizadores de imagen y reductores de vibraciones que hoy en día incorporan los objetivos de gama alta o los cuerpos de algunas réflex.
Si eres afortunado y tienes un equipo estabilizado deberás tenerlo en cuenta, ya que además de jugar con la fórmula que acabamos de aportar juegas con la estabilización extra que aporta tu equipo.
Si necesitas disparar por debajo de la velocidad mínima a la que sabes que la foto no va a salir trepidada tienes dos opciones: usar un trípode o subir el ISO.

sábado, 29 de septiembre de 2012

samuel aranda

con esta foto samuel aranda ganó el world express photo del 2011.

las aventuras de barry lyndon thackeray

EL AUTOR: Thackeray es un inglés nacido en la india, que empleaba mucho el cinismo y la sátira, lo suyo más que la trama, era describir personajes, y que la personalidad o desventuras de estos les llevarán a la acción, quizas con su barry lyndon, sin duda su obra más famosa, creo un filón en la literatura como las sagas familiares. Es un escritor de la época victoriana, y después de dickens está considerado como el mejor escritor de esos tiempos.
Resumen: Memorias y aventuras de Barry Lyndon (1844) recibe una vivificante influencia de la novela picaresca española del Siglo de Oro, que la emparenta con otras memorables novelas biográficas como Moll Flanders, Tom Jones o Tristram Shandy, aunque el caballero Lyndon no es propiamente un pícaro del siglo XVIII, sino, como él mismo dice, «un hombre de mundo». Y un hombre de mundo es aquel que es diestro en disciplinas tan dispares como «la filosofía natural, o ciencia de la vida, la equitación, la música, el salto, el manejo de la espada, el conocimiento de un caballo, los modos de un caballero distinguido...», aunque sus enemigos, que son los nuestros, podrían perfectamente tacharle de ladrón, estafador, jugador de ventaja, duelista, matasiete, embustero, traidor, y, si la situación así lo requiere, de secuestrador e incluso asesino. La nostalgia, un tanto paródica, del Antiguo Régimen recorre estas memorias del caballero Barry Lyndon plagadas de lances, aventuras y viajes
Opinión personal: es una novela que en el 2012, se hace dificil de leer, nulo dialogo, todo el peso de la narración la lleva el protagonista que nos cuenta en primera persona la historia de su vida, con un farragoso lío de nombres que circulan por la novela, entre familiares, amigos, antepasados y enemigos, nos hacemos la picha un lío.
Es curioso que el protagonista de la novela sea un irlandes, el autor inglés de pura cepa, pues apesar de algún cliché, consigue imprimirle de carácter irlandes, al menos en sus principios al personaje, porque después ya vemos que quiere vivir como un inglés.
Es la historia de un trepa, un vividor que a base de golpes de suerte, mentiras y encantamientos de serpiente consigue ascender en el escalafón social y cuando está en la cumbre pues se cae con todo el aparato.
Por una vez es mejor la película que el libro, Kubrick, que siempre que hacía una película pues los autores de esos libros acababan enfadados con el, sobre todo anthony burguess al que le cambio por completo el final de su libro, pues acabó de kubrick hasta los cojones. Pero en el caso de thakeray pues le hizo un gra favor.

corot y el cliché- cristal

merece la pena citar la inesperada utilización que el pintor camille corot ( 1796- 1875) hizo del colodión.
un disciípulo del maestro, constantin dutilleux, tuvo la idea de dibujar las huuellas fotográficas con punta de acero en la emulsión de un negativo de cristal ( que se empezaba a llamar cliché) de esta forma se consiguía algo como una plancha de grabado, con la que se podía sacar copias fotográficas . este procedimiento le gustó a Corot, que realizó así 66 clichés- verre ( clichés de cristal) Otros artistas como delacroix y millet, se dedicaron un tiempo a esta fórmula que no fue más que una curiosidad sin porvernir.
El resultado obtenido sobre soporte fotográfico será el de un dibujo confeccionado con trazos negros sobre fondo blanco.
Téngase también en cuenta que el barniz, muy diluido, permite crear toda clase de veladuras, tan sutiles que tendrán la propiedad de filtrar la luz y que lo harán proporcionalmente a lo transparente que pueda ser la mancha. De ese modo puede también crearse toda una amalgama de claroscuros. La dificultad estriba en que la persona que ha de procesar el negativo se tome la molestia de imprimir la obra en el tiempo apropiado, han de hacerse pruebas con distintos tiempos de exposición, hasta resaltar todos esos matices, lo que exigirá una escala de valores tonales para obtener los tintes propios de una veladura. Al trabajar con veladuras semejantes a una aguada a la tinta china hemos de hacerlo siempre en negativo. 

viernes, 28 de septiembre de 2012

egon schiele

(Tullin, Austria, 1890 - Viena, 1918) Dibujante y pintor austriaco, una de las grandes figuras del expresionismo. Su existencia estuvo marcada por diversos sucesos de índole trágica: en su niñez perdió a su padre y más adelante vio morir a su esposa, embarazada de su primer hijo.
Considerado como uno de los dibujantes más dotados del siglo, sus primeras obras fueron deudoras de gustav klimt y del Jugendstil, aunque pronto afirmó un estilo personal de grafismo intenso y nervioso, de acusada sexualidad, que fue objeto de denuncia e incluso determinó su procesamiento y un breve período de reclusión en 1912. 

La extremada elocuencia del descarnado expresionismo de Egon Schiele constituyó una bofetada a los ojos de la oficialidad de su época, al mismo tiempo que los cuerpos demacrados y el erotismo (a menudo rayano en la pornografía) que dominan su producción le valieron el desprecio y la incomprensión generalizados del público.

En El abrazo (1917), los cuerpos desnudos y deformes de la pareja de amantes se fusionan en un abrazo amoroso, intenso y desesperado. La figura del hombre no es otra que la del mismo pintor, quien, a lo largo de su breve pero intensa carrera, hizo de su propia persona el protagonista principal de su obra. La gama cromática, de tonos ocres, terrosos y amarillentos, es la habitual en las creaciones de esta tortuosa personalidad. Las duras críticas contra este género de imágenes de gran dureza visual no frenaron al artista, que prosiguió su labor en esta línea de explícito erotismo.

Pese a su muerte prematura, legó una obra relativamente abundante que expresa, de forma desgarradora, el sufrimiento humano. Se le asocia sobre todo con cuerpos desnudos (a veces autorretratos, como Con los dedos separados, 1911), de perfil muy marcado y carnes mortificadas, aunque también cultivó el paisajismo y el retrato convencional (Mujer con sombrero, 1910). En sus últimas obras, entre las que destaca La familia (1918), atenuó la violencia de su estilo.

Egon Schiele murió durante la devastadora epidemia de gripe de 1918, cuando comenzaba a alcanzar la celebridad. Sus creaciones, que gozan hoy de reconocimiento universal, constituyen una magnífica muestra del estilo expresionista.

 Las pinturas de Egon Schiele muestran el tormento del solitario, la necesidad de las caras de los afligidos, del dolor y de la desesperación del que padece, así como del desconsuelo del desamparado. Schiele también fue capaz, sin embargo, de elevar los aspectos subjetivos hasta la validez general. En él, el otoño se transforma en un símbolo de lo perecedero en los hombres y en las cosas. No sólo la materia animada, sino también la naturaleza inanimada se dotan de espíritu.


Tanto en las composiciones de figuras de Schiele, como también en los paisajes con árboles y casas, sin olvidar tampoco sus cuadros de ciudades, la forma de presentación es sustituida por una forma de experiencia extremadamente inusual; los estados de ánimo y los sentimientos se transforman en dioramas visionarios de trascendencia humana global que se dirigen directamente al espectador que los contempla.


Schiele consigue dar un nuevo contenido a lo más inusual. Era un colorista importante, un pintor y un artista de la pintura.

Su temática asume una altísima tensión emotiva en la sensualidad que se vuelve obsesión erótica, junto al tema de la soledad angustiosa. Schiele utiliza una línea cortante e incisiva para expresar su propia realidad y para mostrar impetuosamente la dramática destrucción física y moral del ser humano.
El color adquiere un valor autónomo, no naturalístico, resultando particularmente eficaz en sus muchas acuarelas y en sus diseños de alucinada tensión.

rocky 4

1985. usa. boxeo. director: sylvester stallone. 90 minutos. reparto: sylvester stallone, talia shire, burt young, carl weathers, brigitte nielsen, tony burton, michael pataki, ralph lundgren.
sinopsis: Stallone, intentando "actualizar" la serie, decide buscar el contrincante de Balboa en tierras comunistas para enfrentarle con un luchador ruso entrenado para ser implacable, insensible e indoloro. Más de lo mismo con un toque patriótico.
Stallone brinda otro gran entretenimiento pero se complica la vida en exceso con esta cuarta parte. La visión que hace de la URSS y de su relación con los Estados Unidos es penosa. Y cuando digo que el tufillo de patriota barato no es lo peor es porque lo otro es muy malo. El discurso final es de lo más vomitivo y estúpido de toda la saga, y eso que en la quinta hay cosas que vaya tela, pero verle decir a Rocky en plan Miss España que los rusos son muy buenos y que es mejor que nos peleemos 2 en el ring que 20 millones fuera y ver la posterior reacción del público y de los supuestos mandatarios soviéticos es dantesca. Que ni Leonardo Dantes lo hace peor vaya.

Tratando de olvidar esto, aunque ya se que es difícil, la película es puro espectáculo. Ese Apollo Creed apareciendo en el ring a ritmo de Living in América de James Brown (descanse en paz) da ganas hasta de bailar, pena que el joputa de Drago hiciera lo que hace. Aunque cuando abre la boca el ruso las risas son impagables, habla poco, pero merece la pena oirle. Total, que Rocky se quiere vengar y se marcha a Rusia a pelear contra Gurpegui. Allí entrena duramente en la nieve, probablemente el mejor entrenamiento de la saga, para poder superar a la bestia parda rusa. Todos sabeis lo que pasará al final, pero la cera que se reparten en el ring es bestial, aunque sea falso duele sólo verlo.

El robot-novia que le regalan a Paulie tambien es otro cachondeo. Es curioso y entrañable este Paulie que poco a poco ha ido evolucionando, al principio cae bastante mal porque se comporta casi sin quererlo y completamente frustrado como un verdadero imbécil, pero se va transformando en ese simpático tio cascarrabias que tiene mucho corazón pero al que no le salen las cosas del todo bien y que siempre sin mala intención la acaba liando. Además tiene salidas bastante buenas. Su aportación es muy importante.

Otro de los puntos fuertes es la música, una muy acertada selección musical que ameniza bastante el entrenamiento y que provoca momentos videocliperos bastante decentes y medianamente emotivos. Cuando suenan "War", "Burning Heart" y "No Easy Way out" simplemente subo el volumen de la tele al máximo y a disfrutar.

Rocky IV entretiene mucho, Stallone aún está en forma y la acción es cojonuda, hay espectáculo, buena música y aunque haya tambien varias gilipolleces es mejor olvidarlas cuanto antes y no darle demasiada importancia, porque serían hasta denunciables y todo.

 El catecismo del americano profundo y descerebrado se unifica en este intento impagable de catequizar al mundo y de guiarle por la senda buena, la senda de ese gran hombre llamado Rocky, y su lucha justa por eliminar al ruso ese tan malo y tan despiadado.
América es la caña y Rusia es un sitio muy malo con mucho frío y gente robótica y sin sentido del humor. En cambio en USA se tiene a ese gran James Brown, chicas en tanga, humoristas de calidad y mucho sentido del humor y de la responsabilidad. De hecho Rocky no quería luchar, le obligó el ruso al matar a Apollo, él era ya el mejor de los maridos y de los padres, pero mal le pese, el ser tan gran persona le obligó a volver a enfundarse los guantes...y así empieza una de las grandes epopeyas del cine de todos los tiempos.
Primero, empieza con los mejores entrenamientos del mundo con mucho frío para aclimatarse, como iban a luchar en plena calle y no en un pabellón...luego las impresentables provocaciones de ese ruso malo y lo peor de lo peor : ¡¡¡El público en contra!!!!.
En fin, como se decía por ahí, la mejor comedia involuntaria de los ochenta, el cúlmen de Stallone, una película muy digna de verse.
 Rocky es más que un reflejo de nuestra fuerza de voluntad; mucho más que el vivo retrato de un viejo boxeador, Rocky Marciano, y su resistencia sobrehumana: Rocky es uno de los productos más legítimos, espectaculares y hasta delirantes de esta factoría norteamericana que parece no tener fin.

Si Ivan Drago representa la frialdad comunista, entonces Balboa decide entrenar no con las nuevas tecnologías sino utilizando a su favor la nieve, la montaña, lo que natura nos da. Si Ivan Drago se revela contra el politicucho de turno, y Rocky produce aplausos repentinos en medio de un ambiente tan "hostil" como el de la Unión Soviética, entonces el mensaje resulta claro: el futuro recae sobre el capitalismo. 1981, año en el que Hollywood da batalla contra el germen comunista, ¿Qué mejor forma de hacerlo que utilizando a la leyenda con guantes, nacida en y por Norteamérica?
Yendo a la película en sí, alejada de cualquier bajada de linea política, Rocky IV es la fruta del postre tremebundo y superinflado que ya se nos avecinaba en la tercera y segunda parte. El código de la peli es notorio: se exacerban las imágenes, existen sobredimensiones remarcables tanto en la música como en las escenas de acción, impecablemente rodadas. Nada puede evitar, ni siquiera la presencia imponente del ruso, esa proyección triunfalista que lo acapara todo. Parece una crítica negativa: y es que Rocky IV resulta tan transparente en sus intenciones como demoledora desde su eficacia. Es una peli tan degenerada como estupenda desde su concepción.
Este capítulo ha tenido la desgraciada fortuna de realizarse en el peor de los momentos, en los cuales Stallone se ha dejado llevar por las tendencias políticas del momento. Así podemos resumir que “Rocky IV” es un artificioso video clip propagandístico de las mentiras políticas que intentaban vender los norteamericanos en la decadente y penosa guerra fría contra los rusos. Es por ello que el atropellado montaje de esta “falsa” historia sobre Rocky concluya con un ridículo y vergonzante discurso moral que abre los ojos a unos despistados rusos trazados de la manera más torpe y fugaz como unos fríos y sumisos individuos de su cruel régimen, en contraposición del glorificado y cálido hogar norteamericano. La lucha del coraje natural contra el hombre tecnológico centran un relato superficial en el que sólo importa como Rocky le zurra al Ruso entre júbilo de los propios ciudadanos de este. Aún así y suspicacias a parte, si uno quiere disfrutar de esta película debe abstraerse de su insípido y quimérico mensaje lejos del cual se puede encontrar un entretenido producto de consumo de apenas 80 minutos en el un incondicional de Stallone puede encontrar un divertido rato de recreo.
 No sé si seré yo que a lo mejor soy un tipo patriota (que raro, para alguien nacido en Cataluña eh), pero a mí esta cuarta entrega de "Rocky" (1976) no me ha parecido para nada peor que la anterior. Una película realizada en el periodo de la Guerra Fría con un alto contenido propagandístico en el que, como no, Estados Unidos y la URSS son las principales protagonistas.

Y para dejar claro que los soviéticos son los que siempre tocan las narices, serán los primeros en llamar a la puerta de Rocky (Sylvester Stallone) para ofrecerle un combate. Para ello, una compañía rusa la propondrá una pelea con Ivan Dragó (Dolph Lundgren), un joven boxeador que posé el record invicto de 100 victorias amateurs y que tratará de disputarle el título al Potro Italiano. Sin embargo, es Apollo Creed quien muestra interés en combatir con el púgil soviético, ya que acabará retándolo en un combate para así poder recuperar la imagen de campeón que antaño perdió.

Sylvester Stallone se mete en el papel de Rocky Balboa de nuevo, con una mentalidad más vengativa, agresiva y luchadora. Demostrando, que es el mejor boxeador de todos los tiempos. A pesar de que se echa en falta la humildad que caracterizaba Rocky, que lo convertía en un hombre cercano y con el que podías sentir cierta identificación, en esta nueva entrega y mejor que en ninguna de las anteriores, pose esa “mirada del tigre” en su estado puro cuando lucha con el púgil soviético. La otra cara de la moneda será Dolph Lundgren, quien da vida al soviético Ivan Dragó, un hombre de pocas palabras y de sangre fría. Es el prototipo de atleta perfecto creado por la URSS. Para conseguirlo, monitorean su rendimiento constante y le inyectan asteroides para potenciar aún más su fuerza, lo que da a entender de forma indirecta que la URSS para demostrar que eran los mejores, tenían que jugar sucio.
 ¿Por donde empezar?. La película no es buena, es más, puede herir la sensibilidad de muchos, pero tiene algo y es que es especialmente entretenida. Los mensajes políticos son hirientes a mi capacidad de razón ya que el mensaje del film se podría dejar en un simple: ¡VIVA LOS AMERICANOS!.

Pero si pasamos por alto el patriotismo desmesurado de Stallone y tenemos en cuenta que es una película ochentera que cae irremediablemente en todos los clichés de la época, podemos pasar un buen rato viendo como se dan mamporros uno detrás de otro (increible como el enanito de Stallone le atiza a Dolph Lundgren).
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Lundgren es un comunista que viene a pelear a Usa. A Apolo creek, que lleva 5 años retirado, le parece el colmo de los colmos. Cómo un jodido comunista llega a Usa a pelear, y le propone una pelea. Cómo apolo le dice a rocky, no es nada personal, es un " nosotros contra ellos". Lundgren mata en el ring a Apolo, y rocky que está ya pensando más en la retirada y la buena vida que otra cosa, pues quiere venganza, y para ello viajará hasta la unión soviética para pelear contra Lundgren. Lo mejor del film pues el entreno, aunque es lo de siempre, en vez de subir escaleras, o entrenarse con apolo, lo vemos en siberia, gritando no existe el dolor. Eso sí el combate mola un huevo, Lundgren, no era un cualquiera, fué boxeador aunque no profesional, y practica una modalidad de karate. Total que al final le gana, discurso patriotico vergonzante de stallone que se dejó llevar por la tensión del momento y queda definitivamente sonado para la quinta parte. Lo peor de todo es el discursito, hollywood se encargaba de bombardear con la imagen de unos rusos demonizados en la guerra fría.

rocky 5

Usa. boxeo. 1990. 104 minutos. Director: sly. reparto: sly, talia shire, burgess meredith, burt young, sage stallone, tommy morrison, richard grant, george washington duke.
sinopsis: Rocky Balboa regresa de la Unión Soviética convertido en un héroe, pero arruinado económicamente debido a la mala gestión de su cuñado Paulie -Burt Young-. Última entrega [nota actualizada: en el 2006 volvería con "Rocky Balboa"] de la exitosa saga, que finaliza por el desgaste de sus repetitivos argumentos y con un público saturado tras cuatro interminables películas. La primera fue un OK, el resto un KO -la segunda y tercera a los puntos, las dos últimas en el primer asalto-.

 Esta película es una de las más incomprendidas de toda la serie y tal vez su error radique en que cuando nos hemos acostumbrado a ver a Rocky como una persona sobrehumana nos vuelven a sus orígenes de persona sencilla y humilde de los Rocky I y II.

Si en Rocky III y IV veíamos a un Rocky más culto, sofisticado y educado, en esta película vemos al mismo Rocky medio loco y medio sonado de las dos primeras películas.

El gran fallo de la película es lo mal que se cuenta el paso de estar en lo más alto a caer en lo más bajo. No te llegas a creer que eso pueda pasar, aunque visto lo que ha pasado últimamente con las estrellas del boxeo da que pensar.

La pelea final es original al realizarse fuera del ring y está muy bien.

Si bien esta película parece que no ha gustado a los aficionados ni al propio Stallone, la considero un digno broche a la serie.
 Rocky V cerró de forma temporal la magnífica saga del boxeador más entrañable de todos los tiempos. Es la película menos valorada de todas aunque en mi opinión no es tan mala como la describen. Es una más de Rocky y como todas ellas, es emocionante y muy buena, entrañable. En esta ocasión Rocky se ve obligado a regresar al sitio de donde salió, a su antiguo barrio. Su hijo obtendrá bastante protagonismo en esta entrega y se verá aislado de su padre por culpa de Tommy Gunn, un joven boxeador que quiere llegar a donde ha llegado Rocky y quiere ser su pupilo.

A partir de aquí, del encuentro entre Rocky y Tommy se desarrollará toda la trama. Rocky recobrará la ilusión y se sentirá de nuevo un campeón gracias a Tommy pero todo cambiará para ambos. La lucha final es sorprendente en esta ocasión, para aquellos que no la hayais visto, rompe todos los pronósticos, no te esperas que sea así pero es realmente buena y emocionante, todos deseamos durante la película que llegue por todo lo que ha sufrido Rocky y su familia, por la ingratitud de un hombre que no tiene corazón y ahí esta la diferencia con el potro italiano, no tiene su corazón.

La película tiene momentos entrañables como el recuerdo de Micky en el gimnasio, cuando Rocky observa que el gimnasio está destruido, se me saltan las lágrimas con esa imagen. Una muy buena quinta parte, como todas las de Rocky aunque sí es verdad que no es de las mejores, pero a mi me encanta como todas las del boxeador, genial.
Del reparto, el único que se salva de la quema es Sylvester Stallone, y muy por los pelos. Volverá a dar vida a un Rocky, que lejos del estereotipo del personaje que representa, lo vuelve a hacer bien. Absurda y más que bochornosa me parece la actuación de Sage Stallone, interpretando al hijo de Rocky. Quizás sea cruel lo que mencionaré, pero la calidad de la cinta hubiera aumentado mucho más si la presencia de su hijo se hubiera obviado. Por último, la interpretación de Tommy Morrison en el papel de Tommy Gunn, un chico que intentará aprender del Potro Italiano para convertirse en un gran boxeador.


La peli es mala. Pero le tengo tanto cariño a Rocky que me veo incapaz de ponerle una nota baja. Aunque sea por esos diálogos que nunca cambian (porque Rocky siempre es Rocky), vale la pena verla. Pero sólo si eres fan de la saga, como yo lo soy.

Esta peli viene a ser lo mismo de siempre, pero pierde mucho al no ser Rocky el que se prepara para un combate. El chaval aprendiz es un memo absoluto, un palurdo que pega fuerte y ya está. El mensaje que nos venden vendría a ser este: Rocky puede ser un poco memo también, y pega muy fuerte, con lo cual en teoría es igual que cualquier idiota que sepa boxear. Pero no señores, no se engañen, porque Rocky tiene un gran corazón y eso lo hace especial. Y aunque ese es sin duda un mensaje simplón, ñoño y cursi, es lo que hay, porque todas las pelis de Rocky se basan en eso: en que, a pesar de ser un tío bastante lento de entendederas, es especial por algo más que por su técnica. Y ese mensaje funcionó desde la película uno hasta la cinco, aunque deteriorándose progresivamente hasta ésta que nos ocupa (yo soy muy fanática de las pelis 1 a 4). Y esa misma esencia fue la que recuperaron con bastante acierto en la entrega 6, con un Stallone artrítico pero que sigue siendo Rocky, con sus frases cutres y sus razonamientos lineales, un poquito más elaborados, pero no mucho. Y a mí me gusta así.

Pero volviendo a esta quinta entrega, ¿tiene algo destacable? A nivel de entrenamiento no me gusta (hay poco), pero la pelea final tiene su gracia por ser distinta. Pero no puedo ponerle más de un 6 aunque quiera hacerlo, porque en todas las otras pelis de la saga sufrí e incluso sudé en los combates sentada en mi sofá o en la butaca del cine... en ésta, en cambio, mi nivel de adrenalina se quedó bajo cero. Aun así, se lo perdono.
 a película es un viaje a los inicios de Rocky en Filadelfia. Éste vuelve de su viaje a Rusia, de enfrentarse a Iván Drago pero se encuentra con que una mala gestión de su cuñado Poli ha dejado a la familia en bancarrota.
La película, aparte de ser floja, es totalmente distinta a las demás. No hay entrenamiento, no hay esa música que te erizaba los pelos, incluso por no haber, Rocky ni siquiera sube a un cuadrilátero. En su lugar podríamos decir que encontramos un drama familiar que se tendrá que adaptar a la nueva situación de pobreza. El problema está en que el guión es bastante flojo que hace incluso, que Stallone reniegue de esta película.
Las actuaciones son normales salvo la del hijo de Rocky (Sage Stallone, hijo de Sly en la vida real) que verdaderamente sobra.
Lo mejor: Aunque pese decirlo, es Rocky
Lo peor: La historia que nos cuenta y la actuación de Sage Stallone
El fallo: La película comienza con el regreso desde Rusia de Rocky. Su hijo parece que ha crecido 4 o 5 años durante las semanas que estuvo su padre fuera
 "Rocky V" trata de ser un digno epílogo a una saga muy popular de los 80, la del Potro italiano. Sylvester Stallone vuelve a enfundarse los guantes del boxeador fajador y acostumbrado a superar adversidades, aunque la trama no aporta grandes novedades, buena parte del reparto original repite, por lo que muchos aficionados de la franquicia disfrutarán ese aspecto.

John G. Avildsen maneja algún concepto interesante, en primer lugar, una clara parodia/crítica de las figuras como Don King, esos mánagers que explotan y sacan la sangre de sus criaturas deportivas, para luego dejarlas en la estacada. El segundo, que todo vuelva en esta entrega final (mantengamos "Rocky Balboa" al margen) a las malas calles donde se inició la carrera del protagonista, incluyendo la pelea final.

Perdonando sus defectos, es una cinta entretenida y amena, aunque tiene una repetición de moldes que ya todos conocemos de la tetrarquía anterior, pero que siempre le ha dado a Stallone una buena repercusión en taquilla, probablemente porque Balboa sabe tocar la fibra del gran público de una forma efectista. 
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Rocky vuelve sonado de Rusia, tanto que los médicos le obligan a dejar el boxeo. Arruinado vuelve a su philadelphia natal. es la peli donde sly mejor actua, lo cúal es todo un logro para él. es la peli más familiar de la saga, como siempre cuando rocky más hundido está pues su mujer da un discurso y lo levanta, también sage stallone el hijo real de sly, pues tiene su cota de protagonismo, malograda la carrera del ya fallecido sage.
En cuanto a la acción, pues rocky entrena a tommy gunn ( tommy morrison en la vida real, sobrino de jhon wayne, y boxeador de pesos pesados en la realidad) pero washington duke, se encarga de captarlo y hacerle ver que pierde el tiempo entrenando para rocky el lo que quiere es un enfrentamiento entre gunn y rocky. Es una paradia de don king.
Pero rocky pasa ya de todo, está sonado perdido sólo juega al pimball. y tommy gunn ya que no quiere pelear pues lo busca en el bar, y se lian a leches. Tommy gunn acabá de ganar el campeonato y ahora es el número 1, pero la prensa le dice que no vale nada al lado de rocky. así que cabreado se pelea con rocky en el bar delante de sus vecinos. No está en juego nada, pero es cómo si se disputase el cinturón de campeón, y cómo no, rocky encaja sus golpes pidiendole más y acaba por darle una soberana paliza, tiene sus cosillas esta parte, pero no es gran cosa.

jueves, 27 de septiembre de 2012

bernard pras

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bernard pras es un fotografo comteporaneo francés de lo más interesante. El se dedica a retocar fotos míticas, con material de desecho, el resultando y la elaboración para hacer estas fotografias es sorprendente. Es un artista diferente.

bruno bisang

es un fotógrafo suizo (nacido en 1952) dedicado a la fotografía de moda y publicidad. La sensualidad es una de las constantes de sus imágenes, el culto al cuerpo femenino y a la belleza.
  • Pasó gran parte de su juventud en Ascona, una pequeña ciudad en la parte de habla italiana de Suiza.
  • Cuando tenía 19 años asistió a la Escuela de Artes Aplicadas de la Fotografía en Zurich. 
  • Desde 1979, Bruno Bisang ha trabajado como fotógrafo independiente, primero en Zurich, y luego durante un tiempo en Milán y Múnich.
  • Ahora trabaja entre Milán, Nueva York, París y Zurich para una clientela de renombre tanto en revistas (Cosmopolitan, Femme, GQ, Max, Men’s, Health, Madame, Madame Figaro, Vogue German, Vogue Hommes, etc…), como en publicidad para clientes como Avon, Cacharel, Chanel, Ford, Givenchy, Heinecken, Louis Widmer, Rochas, Sergio Rossi, Toni Gard o Yamaha entre otros muchos.
  • También ha fotografiado celebridades como Tyra Banks, Paz Vega, Carla Bruni, Monica Belluci, Claudia Shiffer y Naomy Cambell.
  • La sensualidad es una de las constantes de sus imágenes, el culto al cuerpo femenino y a la belleza. 
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miércoles, 26 de septiembre de 2012

coven

Coven es un grupo bastante conocido. Hombre, digo, mujer, las radiofórmulas y la gente que le importa bien poco el rock y menos su historia, y que se mueven con lo que suena en los mass media o con la música coyuntural pues no te van a comentar nada de ellos a no ser que copien porque no conocen ni su música ni su significación. Si sólamente supieran que el rollo ese de levantar la manita y enseñar los cuernos parte de Coven (que fueron los primeros en el rock en plasmarlo en varias fotografías en disco en su álbum debut), pues serían, por esa bobada, pues más conocidos. No fue dio ni black sabbath como dicen algunos ignorantes (por cierto hablando de "Black Sabbath" -curiosamente el nombre de la canción que abre su disco debut-, que el bajista del grupo Coven se llamaba Oz Osborne, pero nada que ver con Ozzy).
Con la guapa y rubia Jinx Dawson al frente, fue (en principio) un grupo hard rock psicodélico estadounidense pionero del heavy metal. Su primer disco es lo más recomendable de lo que conocemos.
Editado en Mercury en 1969, "Witchcraft destroys minds and reaps souls", es casi un álbum conceptual en torno a rollos de brujería y culto satánico. Tiene atmosferas estupendas y merece bastante la pena. Se ha convertido en un disco de culto, y sí se puede encontrar en catálogos internacionales, ferias de coleccionista de vinilos o tiendas de discos que intenten recuperar álbums de la época clásica. Muy recomendable. En el correo te damos algunas direcciones.
Después hemos escuchado el segundo, "Coven", un disco del 72 e inferior a su debut. Ahí viene el "One Tin Soldier" y versionan el "Jailhouse Rock". En este álbum se alejan un tanto de los sonidos de su debut y su música tiene ecos de la  janis joplin. Del tercero. "Blood on the Snow" (1974)

En resumen, un gran disco por lo exótico que es para el año, si bien no es Metal como tal, ya que el primer tema de Metal es considerado "Summertime Blues" (el cover de Eddie Cochran hecho por Blue Cheer), tal como documentara Sam Dunn en Global Metal. Jinx Dawson y su banda síi aportaron gran cantidad de contenido a la estética metalera, no por nada la frontwoman es referida actualmente como la "Metal Goth Queen", porque si hubo alguien que supiera mostrar la vestimenta gótica que usan las mujeres hoy en día fue ella, si hubo una banda que impusiera el gesto de la mano con cuernos fue Coven, la prueba irrefutable está cuando abres el cd/vinilo, en el interior puedes encontrar la primera imagen de una ceremonia en la cual todos los miembros hacen el gesto de los cuernos con la mano, que por cierto, la mujer que sale desnuda no es Jinx, ella desmiente esto al contar que estaba un poco "pasada de peso" al momento que fueron a tomar la foto, de todas formas la imagen muestra que el símbolo característico fue hecho mucho antes que lo impusiera Ronnie James Dio.
A diferencia de Black Sabbath, que sólo hacían las cosas por algo más teatral, Coven se tomaba las cosas en serio, muy en serio, como lo hizo Venom en su tiempo y después todas las bandas que siguieron, Possessed, Bathory, Dimmu Borgir, Slayer, incluso bandas retro actuales como Ghost y un largo etcétera que no pararíamos nunca de mencionar agrupaciones influenciadas por estos norteamericanos, "Witchcraft: Destroy Minds & Reaps Souls" es todo un clásico, no puede ser ignorado por los metaleros y los que gustan del Rock clásico ya que está en el origen de toda la música que escuchamos los chascones hoy en día. Una banda que compartió escenario con grandes como Rolling Stones, Pink Floyd y otros, pero que lamentablemente pasa desapercibida por cosas del destino, diluida como el absenta en el agua pero que si la tomas pega igual de fuerte. Una vez que escuchas a Coven dudo que quedes indiferente
su primer album, destroys minds and reaps souls. Se formaron en 1960, con la vocalista jinx dawson, cris nielsen a las guitarras eran sus líderes. Provienen de chicago. de su primer album consiguieron colocar un tema entre la lista de temas más escuchados de la radio. Su cantante femenina provenía de indiana y estudiaba para cantar en la opera, pero sin ocultar su verdadera pasión: el ocultismo. Metiendose tan de lleno en ese mundillo, que creo una sociedad secreta llamada footstep.  rodaron con los mejores, led zeppelin, alice cooper o vanilla fudge.
firmaron con mercury records y grabaron este su primer album y el más logrado. Es underground rock, com pasajes que podiamos tildar de heavy metal, puede que sean los precursores. Muy ocultista todas las letras incluso con una misa negra integra como intro. quitando el tema del ocultismo, te puede gustar o no, pero musicalmente eran muy buenos. En la primera foto veis la portada prohibida con la cruz invertida y los cuernos que invetaron ellos, no dio ni kiss. Se quedaron con la segunda portada. La leyenda dice, que jill dawson firmó su contrato con mercury records con su propia sangre como tinta.... bueno, lo más seguro es que lo firmará con un boli bic.
incomprensiblemente coven cambio de estilo musical en este su segundo album, blood on the snow. El album tiene mucha más calidad, pero no tiene la fuerza del primero, es más comercial.
su tercera entrega tiene raíces más blueseras, sigue en la onda más comercial, lo que supuso su separación.
hasta 1990 no se volvieron a tener noticias de coven, en ese año, jnix dawson la líder del grupo, hacia la música para la película heaven can help.  Aparte que ella, intentó una fallida carrera como actriz.  En noviembre del 2007, dawson avisa que va a reunir a la banda original para editar un nuevo album. En realidad es material antiguo, sobre todo colaboraciones con otros grandes músicos como tony bolin, que nunca vió la luz y que se editó en el 2007.
El título del primer álbum de Coven habla por si solo, La brujería destruye las mentes y cosecha almas. Mientras en Woodstock predicaban “Haz el amor y no la guerra”, Jinx Dawson, la rubia vocalista de Coven, concluía cada concierto de la banda, con la señal de los cuernos, es decir, extendiendo la mano derecha con el puño cerrado y los dedos índice y meñique hacia el frente, años antes de que fuera popularizado por Ronnie James Dio y las bandas de rock pesado lo utilizaran como saludo oficial de ese género musical.
 El lado A del álbum está compuesto de potentes canciones de rock psicodelico acompañadas por la voz de su vocalista. Es en el lado B donde aparece la controversia, ya que bajo el título de "Black Mass" grabaron una supuesta Misa Negra, de hecho, advertían de su reproducción a aquellos no iniciados en las artes ocultas. Cierto o no, este detalle y un articulo aparecido en la revista Esquire ese mismo año, que hablaba sobre la contracultura juvenil haciendo énfasis en el mundo de lo oculto, justo después de la tragedia ocurrida en California, perpetrada por la tristemente celebre familia Manson.En el mencionado texto se hacía referencia a la escena de psicodelia y satanismo que se había vuelto una moda local. Y es en la portada de este articulo donde aparece Charles Manson afuera de una tienda con un disco bajo su brazo y ese era la ópera prima de Coven, Witchraft Destroys Minds and Reaps Souls.



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seguimos recorriendo los años 60, en busca de los pioneros del rock and roll. Proxima banda MC5.