viernes, 8 de abril de 2016


Efecto distorsionado

Crea un efecto onírico distorsionado utilizando un poco de vaselina en los bordes de tu objetivo. Su grasa dispersa la luz y forma sensaciones nebulosas creando fotografías que parecen sacadas de un sueño.
 Si es cierto que engrasar la cámara con vaselina no parece una buena idea, con el cuidado debido es inofensivo Con una cámara móvil puedes distribuir, con ayuda de un bastoncillo, un poco de vaselina sobre el cristal protector. En el caso de utilizar una reflex, nunca pongas la vaselina sobre el objetivo. Colócala sobre un filtro protector o utiliza un poco de papel film entre la lente y la vaselina.

Difusores del Flash

Los difusores de flash son muy útiles para levantar las sombras en aquellos lugares en los que el flash solo no puede, además de hacer que la luz sea más suave. Para crear uno, se puede utilizar un tupperware, film transparente y de aluminio y cinta para unirlo al flash externo.
 Hace un tiempo podía ser un "extra" y venir incorporado en sólo algunos flashes, pero de unos años para acá se ha convertido en un elemento imprescindible de todos los flashes externos. Caros, baratos, buenos, malos, de marca o no, todos traen este sistema para difuminar fácilmente la luz.
Son todo ventajas: es cómodo, está incorporado en el propio flash, logra un resultado muy bueno y es gratis (siempre y cuando tu flash lo incluya).

El único pero es, precisamente, ése. Que debe venir incorporado en tu flash. De lo contrario, tendrás que optar por una de las otras tres alternativas.
En cuanto al resultado que ofrece a tus fotos, júzgalo tu mismo, a continuación te dejo una toma realizada con éste para que valores el resultado.
Personalmente, considero que, salvo que la distancia a la escena sea tan elevada que requiera toda la potencia del flash sin difusión de por medio, es conveniente hacer uso siempre de difusor, o bien rebotar el flash.
 Éste es otro de los típicos difusores que es habitual ver montados en muchos flashes. Es básicamente una cajita de plástico que se antepone a la antorcha y que posibilita la difusión de la luz.
El resultado puede ser bastante similar al que se consigue con el difusor de tipo pestaña, pues el fundamento es bastante similar (quizás éste difumina un poco más la luz y ocasiona una mayor pérdida de la potencia de éste).
A su favor: económico (menos de 2 Euros puesto en casa a través de ebay), sencillo de utilizar, pequeño y manejable.
En contra: quizás que la difusión de la luz que logra no es tan buena como la que se podría lograr con las otras dos alternativas que a continuación te voy a mostrar.

domingo, 3 de abril de 2016

Konica Hexar

Sin ser una de las mejores compactas de los años 90, la Konica Hexar goza de cierto estatus de objeto de culto por la calidad de su objetivo fijo 35 mm f2, que recuerda (salvando las distancias) al Leica Summicron 35 mm f2. Con un diseño que ha aguantado perfectamente el paso de los años, esta interesante compacta cuenta con enfoque automático y manual, varios modos de exposición (automático, manual y con prioridad a la apertura) y una velocidad de obturación situada entre 30 y 1/250 segundos. Aunque siempre le ha tocado vivir a la sombra de las Konica Hexar RF con objetivos intercambiables y montura Leica M, se trata de un modelo muy cotizado (unos 800 euros) y difícil de encontrar.

Ni Zan

Él fue parte del grupo de pintores chinos conocidos después como los cuatro maestros de la dinastía Yuan los demás fueron wu zhen, huang gongwang, wang meng, . Aunque Ni Zan nació en la opulencia, decidió no servir a la extranjera  dinastía Yuan y en cambio vivió su vida en el retiro y la erudición.
Se caracterizó de sus contemporáneos por ser particularmente tranquilo y exigente, cualidades que quedaron plasmadas en su arte. En sus pinturas (generalmente paisajes) usó elementos moderadamente, dejando grandes áreas del lienzo intactas. Sus obras se distinguen por una sombría quietud y a menudo poseen una cabaña rústica, unos cuantos árboles u otros indicios de vegetación. Ni Zan fue muy imitado por artistas posteriores haciendo de sus originales algo difícil de autentificar.


No muy conocido en la actualidad, fue repetidamente copiado a lo largo de los siglos. Destaca su naturalidad y fluidez en el trazo, su originalidad. Fue tildado como loco o excéntrico y pertenece a la categoría de pintor no clásico. Fue tan grande su influencia que pasó a ser un pintor "clásico" para los nuevos pintores modernos y alejados de la tradición.

Odesa Forsyth

Sinopsis:
La historia comienza el 22 de Noviembre  de 1963, el día en el que jhon F. Kennedy  fue asesinado. Un joven reportero alemán acierta a ver una ambulancia en una carretera. Persigue a la ambulancia y descubre que lleva a un anciano judío, sobreviviente del holocausto, que se acababa de suicidar. El reportero obtiene el diario del hombre, que contiene información sobre su vida en los campos de concentración de la Segunda Guerra Mundial, y los nombres de los miembros de las SS que controlaron los campos. Él se propone cazar a un Nazi que es mencionado en el diario, no solamente para tener tema para una portada sensacionalista, sino también por una razón personal más seria: su padre, un capitán sumamente condecorado de la Wehrmacht , fue muerto a tiros por un oficial de las SS durante un altercado de guerra. Él cree que el Nazi que figura en el diario es el que mató a su padre, lo cual comprueba ser verdadero lo interroga a punta de pistola.
Simon Wieshenthal , investigador histórico en la vida real de criminales de guerra Nazis, tiene una breve aparición como un personaje de la novela.

Opinión personal: Como todas las novelas de Frederick Forsyth, tiene un ritmo trepidante. El protagonista de esta novela es Miller un jóven periodista procedente de Hamburgo. Vive tranquilo con su novia Sigi, a la que siempre da largas para casarse y visita a su madre todos los fines de semana, su madre vive sola pues su padre falleció en acto de servicio, era militar y nazi.
Un suicidio se produce en la ciudad y Miller sigue su instinto y persigue a la ambulancia por si suena la flauta y hay una historia detrás. Un anciano judio se suicida con gas y deja un diario en el que cuenta como sobrevivió a un campo de concentración donde el nazi Roschmann ejerció de carnicero. Este diario caé en las manos de Miller que se adentra en un peligroso juego, Odessa.
La novela tiene tres focos de acción: 1) la investigación de Miller, muy bien elaborada por su autor, una investigación en toda regla, tendrá que llamar a muchas puertas y correr muchos peligros antes de poder penetrarse en el mundo de Odessa. 2) la misma Odessa. Una asociación de antiguos SS, que se encarga de otorgar a sus antiguos miembros documentación falsa y resolver cualquier problema legal que surjan. A su vez tratan de meter mano a la economía alemana y tratar de favorecer a régimenes que luchan contra Israel. Como por ejemplo tratar de movilizar a la opinión pública para que Alemania no envie armamento al ejercito israelí o facilitar cohetes al ejercito egipcio para que trate de aplastar a Israel. Es decir, la trama de Odessa le da un toque internacional. 3) La tercera trama es la del propio ejército israelí, más bien su servicio de inteligencia que vigilará de cerca a Miller, para salvarle de algún que otro peligro.
Cómo es habitual en Forsyth uno de los autores que mejor maneja los tiempos en una novela, es una lectura amena y fluida, donde la trama principal y las subtramas se mezclan habilmente. El personaje de Miller está muy bien elaborado, me gusto mucho su propia historia personal. Me pareció muy hábil por parte de Forsyth la idea del diario del suicida judio, es un truco que sirve para introducirnos en el Holocausto de forma breve y concisa y hacernos participe de la misión de Miller, un truco habilodoso. Forsyth escribió muchas novelas, pero puede que esta sea la mejor con Chacal.
Quiero destacar dos aspectos más. Primero la ambientación. Estamos en los años sesenta, el asesinato de Kennedy y la guerra fria, el mundo está cambiando. Me gustó el retrato de Alemania, pasamos por ciudades como Bonn o Hamburgo, el retrato de la sociedad alemana está logrado.... más que un retrato de la sociedad, lo que hace el autor es reflejar lo que las nuevas generaciones alemananas piensan sobre el holocausto y los nazis, tema tabú en Alemania... aún hoy es un tema tabú en esas tierras, y como las autoridades tapaban a los S.S, por miedo, a pesar de no estar en el poder, muchos de ellos amasaron una enorme poder y vivieron tranquilamente sin ser acosados por la justicia, precisamente por eso, por su poder económico. Quiero resaltar por último, las sorpresas que nos depara el autor en las últimas 20 páginas. Si en la primera parte de la novela estamos ante una mezcla de Thriller con investigación periodística y ramalazos de novela histórica con ese salto al pasado que nos proporciona el diario, en las últimas hojas tenemos acción, y un gran golpe de efecto como es la verdadera razón por la que Miller busca a Roschmann. Sin lugar a dudas una muy buena novela.

Casa Manchada

1975 España 96 minutos. director: Jose nieves Conde. Guión: Andrés Velasco, Pedro Gil Paradela (Novela: Emilio Romero) música: Angel arteaga. fotografia: Manuel Rojas. PRoductora: Hidalgo Producciones Cinematográficas. reparto: Stephen Boyd, Sara Lezana, Carmen de la Maza, Paola Senatore, George Rigaud, Ricardo Merino, Chris Huerta, Mary Paz Pondal, Roberto Camardiel.
Sinopsis: Terminada la Guerra Civil (1936-1939), Álvaro, que ha luchado en el bando de los vencedores, regresa a Casa Manchada, la residencia de su familia. Es el último descendiente de una familia marcada por un destino inexorable. Elvira, su mujer, lo ha esperado con impaciencia, aunque con el dolor de no haberle dado hijos, que es uno de los motivos por los que Álvaro se siente frustrado. Un día, durante una cacería, encuentra en un barranco a una hermosa mujer herida y la lleva a su casa para cuidarla.
 Dos películas hizo en España el actor Stephen Boyd, aquel mismo que interpretó al romano malísimo-malo de Ben-Hur (William Wyler, USA 1969), y las dos las hizo a las órdenes de José Antonio Nieves Conde, "Historia de una traición (1971) y "Casa manchada" (1975).

En "Casa manchada", Stephen Boyd hace un papel elegante y firme, acompañado de notables y bellas actrices como Sara Lezana y Carmen de la Maza, y junto a actores españoles de enorme calidad como el gran Rafael Navarro.

El guión trata de un un terrateniente de la provincia de Cuenca (aunque las escenas de la gran casa de campo y sus alrededores están rodados en la finca de "El Quexigal", situada en Cebreros, provincia de Ávila) que vive con su esposa (Carmen de la Maza) en la enorme casa de campo herededa de sus antepasados, un lugar precioso pero marcado por la desgracia, pues ahí fueron asesinados su bisabuelo, su abuelo y su padre (todos interpretados por el mismo Stephen Boyd) en distintos momentos de la historia de España. Un día, cabalgando a caballo encuentra en sus tierras a una mujer preciosa (Sara Lezana) inconsciente sobre el suelo...

Madrid, 1987

2011 Director: David Trueba. Guión: David Trueba. Música: David Trueba, Irene Rodríguez Tremblay, Leonor Rodríguez. Reparto: Jose sacristán, María Valverde. Productora: Buenavida Producciones. Sinopsis: Miguel (José Sacristán), un veterano articulista, temido y respetado, y Ángela (María Valverde), una joven estudiante universitaria, se quedan encerrados en un baño, situación que da pie a un enfrentamiento generacional. Ella se encontró, en los ochenta, con una democracia ya consolidada, mientras que él forma parte de los privilegiados que lo habían conseguido todo.


Estamos ante el valiente relato de un pulso generacional narrado entre el presente y el pasado, que enfrenta lo viejo con lo nuevo, la vida que se va contra la que llega, y todo con el Madrid de los 80 actúando de presente. David Trueba ha dejado en un segundo plano la fotografía, la música e incluso la iluminación, para ponernos delante del espejo a dos voces en penumbras, marcadas por épocas diferentes y ahogadas en sus propios mares de sabiduría, curiosidad y deseo. Un deseo plasmado en la belleza de María Valverde, una actriz que aunque parecía encasillada en la moto de un cachitas demuestra que también vale para el cine más independiente y comprometido. Lo frágil y delicado de sus curvas se combinan con la firmeza de sus palabras, calladas tan solo por el discurso de su sabio compañero de diálogo. Y esta palabra que precede al punto debería ir escrita en mayúsculas, ya que es precisamente el diálogo lo que hace fuerte a esta historia.


La ilusión y la inocencia representada en Ángela (María Valverde) se funde con el cansancio, la ironía y la experiencia de Miguel (José Sacristán), un afamado periodista oxidado del whiskey y los cigarrillos que han acompañado a sus artículos durante el largo franquismo y la transición. Veterano como el papel que interpreta, Sacristán representa una forma de vivir haciendo un periodismo que hoy ya no existe, aquel de incansable lectura, lápiz y libreta. Aunque su vieja máquina de escribir ya no teclea al dictado de un caudillo bajito, las canas y la rutina le han convertido en un viejo erudito al que ya le pesan los años.

Bien por admiración u oportunismo, la joven Ángela acude a él en busca de los consejos que no recibe en la facultad, ingenua a la vez que intrigada por las verdaderas intenciones de su maestro. Pronto la desnudez de sus palabras cubren sus cuerpos y les encierra entre cuatro mugrientas paredes, despojándolos de la artificialidad del mundo exterior, al que solo se pueden asomar desde una pequeña ventana.


Ambos cuerpos se cruzan y pelean entre sí, a modo de un combate al desnudo sin vencedor ni vencido en el que solo importa la metáfora del mensaje, la lección que se esconde tras la retahíla hipnótica del bohemio escritor, que tanto desea a las carnes de su compañera de encierro como poseer su misma ilusión por la vida.

Palabras que bailan en torno al amor, la política, el sexo, la literatura, mezcladas con un brillante ejercicio de cámara a puerta cerrada, de planos íntimos y minimalistas que recorren cada rincón de tan pequeño escenario. Una puerta que tal vez represente esa brecha entre un pasado oscuro al que el presente no termina de perdonar, esas ganas de vivir y de romper la barreras que nos enfrentan y limitan a diario, sin importar la edad, la época o el lugar.
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Cranc alto voltaje

2009 96 minutos. Estados Unidos. acción. director. Brian Taylor. Guión: Mark Neveldine, Brian Taylor. música: mike Patton. fotografia: brandon Trost. Productora: Lakeshore Entertainment. reparto: Jason Statham, Amy Smart, Corey Haim, Bai Ling, Efren Ramirez, Dwight Yoakam, Glenn Howerton, Clifton Collins Jr, David Carradine, Geri Halliwell, Keith Jardine.
Sinopsis: Un mafioso chino se hará con el indestructible corazón de Chev Chelios (protagonista de la primera entrega), y lo sustituirá por una batería, la cual requiere de descargas de electricidad para seguir funcionando
En la primera entrega Chev Chelios (interpretado por Jason Statham) era un asesino a sueldo de Los Ángeles que estaba intentando dejar el negocio para llevar una existencia más normal con su novia Eve (Amy Smart), ajena a todo el asunto. Todo se complica una mañana cuando le inyectan veneno en su corazón. La única manera de sobrevivir era mantenerse en movimiento, es decir, mantener la adrenalina al máximo. En esta segunda parte pasamos de la adrenalina a la electricidad después de que un mafioso chino se haga con el indestructible corazón de Chev Chelios y lo sustituya por una batería, la cual requiere de descargas de electricidad para seguir funcionando.


'Crank 2' resulta tan adrenalítica como la primera parte, eso que nadie lo dude. La mayoría de las escenas -por no decir todas- transcurren dentro del marco de la acción: persecuciones, puñetazos, patadas, disparos, descargas eléctricas, etc. todo al servicio del entretenimiento del espectador. Las secuencias de acción son breves, aunque continuadas (no tardarás en darte cuenta en 2 minutos habrá otra) e intensas. No os preocupéis que si buscabais acción, ésta cumple. Sin embargo, aunque estéis concienciados de las inventadas que veréis después de ver la primera, agarraos los machos porque en ésta se pasan de rosca y media.

En cuanto a Amy Smart, pues qué decir de ella, que está de florero, aunque se la recordará por los siglos de los siglos por una escenita que se os quedará grabada cuando la veáis. Los malos siguen siendo los típicos extranjeros (es decir, latinoamericanos o asiáticos), con mucha pasta y con un grupillo de secuaces de tres al cuarto que Jason Statham juega con ellos como si fueran marionetas.


Lo malo viene cuando la cinta pierde el norte en tontas y aburridas conversaciones entre personajes segundones que no interesan lo más mínimo, escenas que dan vergüenza ajena al más atrevido (como la de los "Godzillas" al final...) y todo envuelto -importante recordar- en la ridícula premisa de que Chelios ha sobrevivido a una caída de 42 pisos y tiene una batería en el lugar de su corazón que requiere cada cierto tiempo alguna descarga que otra para seguir con vida.

En fin, no sé qué más contar de la cinta, lo único recomendarla a todo el mundo que quiera ver acción sin parar, quiera escuchar un montón de tacos, quiera ver de nuevo a Chester Bennington haciendo un cameo, le guste el GTA y se quiera echar unas risas, pero aviso chicos, el resultado final resulta absurdo y sin ninguna gana de una -seguramente desgastada- tercera parte...
https://www.youtube.com/watch?v=t2koYVqwzT4
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la vida ante sus ojos

2007 90 minutos. Director: Varil Pederman. Guión. Emil Stern (Novela: Laura Kasischke). música: james horner. fotografia: Pawel Edelman. productora: Magnolia Pictures / 2929 Productions. Reparto:  Uma Thurman, Evan Rachel Wood, Eva Amurri, Oscar Isaac, Bret Cullen, Gabrielle Brennan, Jack Gilpin, Maggie Lacey, John Magaro, Lynn Cohen, Nathalie Paulding, Molly Price.
Sinopsis: Un estudiante armado perpetra una matanza en un instituto de un barrio residencial de Conneticutt en la que arrincona a dos amigas en el baño y mata a una de ellas. 15 años más tarde, Diana (Uma Thurman), la superviviente, lleva una aparentemente feliz existencia al lado de su marido e hija, pero a medida que se acerca el aniversario de la tragedia su perfecta vida amenaza con irse al traste.

 Con constantes idas y vueltas temporales en la narración, Vadim Perelman nos sumerge en la vida de una mujer traumatizada por un suceso que ocurrió tiempo atrás. Por ende el filme se divide exactamente en dos tiempos: el presente y el pasado.
La cinta toca como trasfondo discursivo -a través de salpicones y sin adentrarse mucho- temas profundos dentro de la vida tales como:
* un pasado donde se desarrolla la rebeldía propia de la adolescencia de la protagonista en una ciudad con poco movimiento y de mentes conservadoras repletas de prejuicios, el noviazgo visto desde una perspectiva liberal y contrapuesta desde otra mirada más conservadora, la amistad de dos amigas inseparables, el colegio y los aprendizajes, el despertar sexual.

* un presente donde la familia cobra vital importancia, donde el rol de nuestra protagonista ahora pasa a ser el de madre que educa, de profesora que imparte clases, de esposa con supuestos problemas de pareja. Pero por sobre todas las cosas, esta etapa presente se caracteriza en la cinta por ser un periodo de miedos y traumas, de recuerdos que atormentan y remuerden la conciencia.
El nexo de ambos tiempos es un trágico acontecimiento que centra el nudo del conflicto narrativo.
Bien por Uma Thurman y Evan Rachel Wood en los respectivos roles protagónicos del mismo personaje en diferentes etapas temporales.
El filme tiene un ritmo lento, posee una muy cuidada presentación estética, y un carácter melancólico y nostálgico en sus variantes.

Esta película es reflexiva, intimista y sensible en el tratamiento de las relaciones interpersonales que se describen.
Busca en todo momento lograr la empatía del espectador por el extraño y traumático vivir de la protagonista en el presente y nos va dando pistas de que su estado actual tiene indudablemente causas en el pasado y en especial en un hecho.
Lamentablemente aunque la película quiera en determinado momento estremecer con algún que otro giro narrativo, el mismo no se deja de ser un tanto previsible en su factor sorpresa y deja baches lógicos que no dan un buen sabor de boca al final.
https://www.youtube.com/watch?v=JGbHCXeYVW0
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Culpable de Inocencia

1984 Usa  Inglaterra. director: Desmond Davis.  Guión: Alexander Stuart (Novela: Agatha Christie). música: Dave Bruveck. fotografia: Billy williams. productora: london cannon films. Reparto: Cassie stuart, faye dunaway, diane quick, ian mcshane, sarah miles, valerie witthington, donald suthernland, christopher plummer, annette crosbie, geroge innes.
Sinopsis: Adaptación de una novela de Agatha christie. Cuando el doctor Calgary visita a la familia Argyle para entregar la agenda que Jack Argyle había olvidado en su coche, se entera de que éste ha sido condenado y ejecutado por el asesinato de su madre.
 Película de intriga detectivesca que consta de todos los elementos necesarios: asesinatos, un investigador que no se detiene y un reparto lleno de sospechosos y todos ellos con motivos.

El punto de partida resulta bastante interesante, algo esperado naciendo de Agatha Christie, y vemos como Donald Sutherland va indagando en la historia, hablando con los familiares de su amigo injustamente acusado. A ninguno parece importarle demasiado que el asesino siga entre ellos y eso le complica las cosas.

El problema de esta película es que no está nada bien planificada. Nos ofrece una narración farragosa que hace que la historia no se entienda bien. Los sospechosos pasan fugazmente por pantalla y no nos da tiempo ni a elegir culpable, y lo que es peor, ni siquiera nos importa.
La ambientación oscura y los flashbacks en blanco y negro son geniales para crear una atmósfera oscura y de suspense, pero no sirven para nada porque se los carga la música, que no pega ni con cola.

Manuela

1976 España drama 105 minutos. Director: Gonzalo garcía pelayo. Guión: Pancho Bautista (Novela: Manuel Halcón) música: Lole y Manuel, Triana, Hilario Camacho, Goma, Gualberto, Granada, Joselero, Manuel de Paula. Fotografia: Raúl Artigot. productora: Galgo Films. Reparto:  Charo López, Fernando Rey, Máximo Valverde, Mario Pardo, Carmen Platero, Pilar Muñoz, Fernando Sánchez Polack, Carmen Albéniz, David Areu, Aurora Baldomero, Luis Barquero, Luís Barboo, Aurora Bautista, Vicente Bautista.
Sinopsis: Manuela, hija de un cazador furtivo, se casa con el criado del rico Don Ramón, quien está enamorado de ella. Su belleza natural y su sensualidad a flor de piel encienden pasiones que desencadenan toda clase de conflictos.

 Presiento que la nostalgia me va a jugar una mala pasada y no voy a ser muy objetivo en mi
análisis de ésta película (por lo que veo desconocida para "el gran público"), a la que el tiempo puede haber pasado factura y de la que tengo un buen recuerdo.

Yo llegué a Sevilla en 1977, en plena explosión del fenómeno "rock progresivo andaluz" con gente tan importante como Triana, Lole y Manuel, Gualberto, Alameda, Medina Azahara y muchos más. Eran tiempos de reivindicación del pueblo andaluz sobre sus raíces y su cultura, tras la muerte del dictador, vividos con gran pasión popular.


En el Imperial de la calle Sierpes estrenaban Manuela, dirigida por García Pelayo (curiosamente era el productor musical que descubrió a Triana, entre otros más). Me fuí a verla.

La película estaba impregnada del ambiente reivindicativo citado y su guión reflejaba la situación real en Andalucía, con los caciques y el clero controlando todos los poderes y con los obreros del campo sometidos a su voluntad (casi como ahora, curioso).

De toda la película, en mi opinión, merece una mención especial una escena de una intensidad y plasticidad genial: En el entierro del asesino de su padre, la venganza de la hija vestida de rojo y bailando un zapateado sobre la tumba de su emenigo muerto, mientras de fondo suena un tema impresionante de Triana. Magnífica secuencia difícil de olvidar.


Un gran reparto encabezado por Charo López, que está tremendamente guapa y sensual y nos regala una Manuela andaluza que nos enamora, llena de fuerza y dignidad. El resto de actores cumplen muy bién con sus personajes, destacando Mario Pardo y Fernando Rey en su papel de cacique andaluz.

Manuela tal vez sea una de esas películas malditas, yo la he buscado en todo tipo de soporte y no la encuentro. Tengo un DVD casero que me fabriqué utilizando la captura en vídeo de una proyección que hizo Canal Sur TV de la película hace varios años, algo es algo.


Mención especial para su extraordinaria banda sonora, merecedora de varios Goyas (pero en esos años aún no existían). Ha pasado mucho tiempo para todos, aunque para el tema de la película parece que no tantos.

Bueno Manuela, ya tienes tu primera crítica. Creo que te la merecías. Otras pelis mucho peores que tú están por ahí llenas de elogios excesivos. De nada
https://www.youtube.com/watch?v=aO9buy8YYpE
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Tanger

2004 España 100 minutos. Thriller. Director: Juan Madrid. Guión: Juan Madrid (Novela: Juan Madrid). música: Jesús Gluck. Fotografía: Federico Ribes. Productora: Aurum Producciones. Reparto:  Jorge Perugorria, Ana Fernández, Jose Manuel Cervino, Fele Martínez, Inma del Moral, Antonio Resines, Marián Aguilera, Pablo Puyol, Juan Ferrnández, Myriam Mezieres, Pablo Viña.
Sinopsis: Abdul Kader Torres (Jorge Perugorría), hijo de Ricardo Torres (Cervino), antiguo comisario de la Brigada Político Social, y de Fátima, una bella tangerina, acaba de volver a Madrid para trabajar en los turbios negocios de su padre, "Ejecutivas Tánger". En Tánger, Abdul era maestro, pero debido a su adicción al alcohol fue expulsado de la enseñanza. Cuando conoce a Lidia (Ana Fernández), la joven novia de su padre, siente una atracción irresistible que lo obligará a elegir entre ella y su progenitor. Durante su estancia en Madrid descubre que ni su padre, ni su hermanastro Fanfán (Fele Martínez), ni la agencia en la que trabaja son lo que parecen. La investigación de un doble asesinato pondrá al descubierto la corrupción policial y la implicación de algunos políticos


Abdul Kader Torres (jorge perugorria) es el hijo ilegítimo de un antiguo comisario de la Brigada Político Social, Ricardo Torres (josé manuel cervino), y de una bella tangerina. Este hombre serio y elegante vuelve a Madrid con el encargo de ocuparse del negocio de su padre, llamado "Ejecutivas Tánger". Desconociendo que el negocio tiene una actividad social bastante dudosa, Abdul accede ilusionado a ponerse al frente de él. Además de la responsabilidad que conlleva, es una forma de acercarse y conseguir el cariño de su distante padre. También significa una segunda oportunidad profesional, ya que en su Tánger natal perdió su profesión de maestro por culpa a su adicción al alcohol.
En Madrid conoce a Lidia (ana fernández), la joven novia de su padre, una mujer influenciada por las drogas, la degradación y las malas compañías que siempre la han rodeado. Por ella sentirá una atracción irresistible que le obligará a elegir entre ella y su progenitor. Con el día a día, Abdul descubrirá que nada es lo que parece: ni su padre, ni su hermanastro Fanfán (fele martinez), ni la agencia en la que trabaja. Un doble asesinato en la ciudad y la investigación de ese crimen destapará la corrupción que existe en algunos miembros del cuerpo de policía.
La historia daba para mucho más, pero es una película sin ritmo, flojísima y llena de topicazos con unas actuaciones sin ninguna fuerza.
https://www.youtube.com/watch?v=9GvjI41xa8w
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Orca, la ballena asesina

1977 Usa 92 minutos. director: Michael Anderson. Guión: Luciano Vicenzoni & Sergio Donati. música: Ennio Morricone. fotografia: Ted Moore, J. Barry Herron, Ron Taylor. productora: Paramount Pictures presenta una producción Dino de Laurentiis Cinematografica. reparto: Richard Harris, Charlotte Rampling, Bo Derek, Will Sampson, Keenan Wynn, Scott Walker, Robert Carradine.
sinopsis: Durante años, el capitán Nolan ha vivido obsesionado con la idea de cazar un peligroso ejemplar de orca, la reina de los mares. En una de sus expediciones se encuentra con un grupo de esas gigantescas criaturas y decide cazarlas con la ayuda de su tripulación. Consigue capturar a una hembra embarazada que lucha desesperadamente por liberarse, pero, al acercarse demasiado a la hélice del barco, queda mortalmente herida y pierde al ballenato que esperaba. Aunque el macho se ve obligado a observar impotente la tragedia, desde ese momento la venganza será el único objetivo de su vida.


 “Orca” por un lado pretende “enseñarnos” algo de las ballenas orca, por tanto hay partes en donde indirectamente este filme parece un documental (hay una voz en off de la protagonista principal que va aportando detalles sobre el comportamiento y las características principales de ese mamífero acuático).

Pero por otro lado este filme pretende ser un intenso pasatiempo repleto de intriga, horror, acción y tensión. Para lograr ello, el director Michael Anderson debe exagerar bastante el carácter de las situaciones que aparecen en pantalla, dando lugar así a un filme que propone una aventura licenciosa e inverosímil en varios pasajes.


Es allí donde encontré la principal falencia de esta cinta, es muy exagerada y ridícula a la hora de plantear el conflicto narrativo. Pensemos que se nos quiere hacer creer que una orca macho es tan inteligente que busca vengarse de un ser humano que ha matado a su pareja y a su cría. Es como ver un western en escenarios marítimos.

Y también se nos quiere hacer creer que este ser humano no tiene otra opción que ir y hacerle frente precisamente en el mar, cuando sabemos que la posibilidad más creíble es irse del lugar donde la ballena está acechando y nunca más pisar un barco o estar cerca de una costa por las dudas. Claro que si el personaje principal opta por ello no teníamos película.


Pero más allá de ello es una oferta entretenida e intensa, siempre y cuando hagamos la vista gorda al problema de la inverosimilitud, y de algunos comportamientos un tanto ingenuos e ilógicos de los personajes que realizan justo lo que todos sabemos que no deben hacer.

La puesta en escena está muy bien conseguida, está genial la forma en que la ballena le desafía al protagonista a un duelo (si no la pensamos desde la lógica). Hay secuencias de acción muy bien logradas, y además la cinta posee una férrea y vibrante puesta en escena.
Ambos elementos logran dar vida a momentos emocionantes en el filme, lo cual junto con los bellos escenarios naturales de fondo hacen que esta cinta sea cautivante más que nada por lo visual y por la intensidad de las alternativas.


No puedo decir que sea una película creíble, se nota que está forzada hasta el hartazgo en sus circunstancias para poder emocionar al espectador. Es obvio que parece más una cinta de género fantástico que una simple película de acción realista.

Pero también debo reconocer que es un producto bien rodado, dignamente interpretado y magníficamente presentado a nivel dirección y factura técnica. Todo esto sumado a la apropiada utilización de melodías por parte del compositor Ennio Morricone para expresar los sentimientos y motivaciones del animal vengativo, logran que la cinta nos entretenga, nos estimule si nos olvidamos del sentido común y nos divierta durante hora y media con variantes repletas de mucho ritmo y nervio.
https://www.youtube.com/watch?v=KRX5A1y3Er8
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Cristina Guzman

 1968 España 101 minutos. comedia. director: Luís César Amadori. Guión: Jesús María de Arozamena, Rafael J. Salvia (Novela: Carmen de Icaza)- Fotografia: Antonio Ballesteros. Productora: Cesáreo González Producciones Cinematográficas / Cámara Producciones Cinematográficas S.A. Reparto:  Rocio Dúrcal, Arturo Fernández, Isabel Garcés, Emilio Gutiérrez Caba, Mónica Randall, Rafaela Aparicio, Skippy Martin, Francisco Guijar, Rafael Alcántara, Pedro Mari Sánchez, Jose Maria Caffarel, Luis Morris, Lola Herrera, José Morales, Miguel ángel Puerto.
Sinopsis:Los familiares y amigos de una chica muy formal y discreta ignoran que, en realidad, puede transformarse en una mujer de gran sensualidad cuando se pone una atrevida minifalta y pestañas postizas


 La mejor película de Rocío Dúrcal y por muchas cosas. En ella se aprecia una evolución notable como actriz respecto a sus primeras películas sensibleras donde el tono interpretativo iba marcado más por el director que por la actriz. En "Cristina Guzmán" había una Rocío Dúrcal renovada y demostrando que como actriz poco a poco se iba marcando metas.


 En el doble papel que tiene aquí demuestra encanto y sutileza. La mezcla entre musical español e internacional, melodrama puro en todo su esplendor que recuerda a las muestras latinoamericanas del género y comedia ligera y dinámica es absolutamente perfecta notándose la química entre Amadori y Rocío ya que por algo era la quinta película que hacian en común. En las cintas anteriores del duo no habia la misma brillantez que se puede encontrar aquí pero sirvieron desde luego para que tanto el director como la actriz fueran perfeccionando sus respectivos estilos y practicasen bastante para lograr aquí su logro verdadero. La verdad es que Amadori era un experto verdadero en el género melodramático y eso lo habia demostrado ya en su etapa argentina por ejemplo dirigiendo a María Felix en "La pasión desnuda" que quizá represente el melodrama más representativo del estilo de esa actriz. En la película española comentada hay grandes actores de nuestro cine e Isabel Garcés siendo una estimable actriz cómica se adapta muy bien a la complicada mezcla de géneros que se establece en esta obra tan especial.
https://www.youtube.com/watch?v=6gjxiTedwVs
película completa

el marques de Salamanca

1948 España 93 minutos. Director: Edgar Neville. Guión: Edgar Neville, Tomás Borrás. música: jose luís Molleda. fotografia: Manuel Berenguer. Productora: Comisión Organizadora del I Centenario del Ferrocarril / Edgar Neville. Reparto: Conchita Montes, Alfredo Mayo, Guillermo Marín.
Sinopsis: Retrato parcial de José de Salamanca mediante la recreación costumbrista de un Madrid idealizado, castizo y popular, mostrado en sus salones, despachos y ministerios.


En el ámbito exclusivo del filme, vemos que no hay para tanto, después de todo el marqués de Salamanca también es un pionero del ferrocarril coetaneo de Miguel Biada, y la escena en que el marqués se entera de la inauguración del ferrocarril de Barcelona a Mataró, constituye todo un homenaje a Miguel Biada. Como anécdota, decir que el famoso galán protagonista que encarna al marqués de Salamanca, Alfredo Mayo, era catalán, y tampoco se disimula que la locomotora utilizada en el filme es la Mataró, reproducida expresamente para repetir la ceremonia de inauguración del ferrocarril Barcelona-Mataró. El nombre «Mataró» aparece en el lateral de la máquina en las imágenes rodadas para la película, incluso visible en el cartel de propaganda.

Pero si entramos en el ambito del programa de los actos del Centenario, descubrimos un plan para realzar la figura del marqués de Salamanca, en detrimento de los méritos de Miguel Biada y el ferrocarril Barcelona-Mataró, puesto de manifiesto en algunos de los actos del programa de celebraciones: Emisión filatélica, medalla conmemorativa, Monumento a Biada, etc.. Todo lo cual genera una gran decepción a la Ciudad de Mataró, que además era la primera impulsora de la iniciativa del homenaje a Biada y el 1er ferrocarril, con vocación de que éste fuera reconocido a nivel nacional.

Como ya se ha dicho, no entramos a analizar la decisión sobre la película al nivel de relaciones entre el Gobierno central y Cataluña, donde nos encontramos con un tema de candente actualidad, en el que es posible argumentar cualquier postura, a favor o en contra, en un amplio terreno de lo económico y cultural. En todo caso solo destacar que la controversia se debería limitar exclusivamente al Gobierno central del momento, y no empañar las relaciones entre ciudadanos. En este sentido cabe destacar el interesante artículo publicado por el erudito madrileño Alberto Navarro Pastor, en la revista Madrid Filatélico, denunciando la falta oportunidad y rigor histórico, de la emisión de sellos conmemorativa del Centenario del Ferrocarril Español.
https://www.youtube.com/watch?v=NZ30yDnwAYM
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los últimos caballeros

2015 Corea del Sur 115 minutos. director: Kazuiki Kiriya. Guión: Michael Konyves, Dove Sussman. música. Satnam Ramgotra, Martin Tillman. fotografía: antonio riestra. productora: Coproducción Corea del Sur-República Checa; Luka Productions International / Czech Anglo Productions. edad media- aventuras.
Reparto: Clive Owen, Morgan Freeman, Aksel Hennie, Cliff Curtis, Shohreh Agdashloo, Ayelet Zurer, Lee Ingleby, Michael Lombardi, Sergej Trifunovic, Peyman Moaadi.
Sinopsis: La historia gira en torno a una banda de guerreros que buscará venganza después de la muerte de su maestro a manos de un emperador corrupto. Una película que aunque fue rodada hace varios años apenas tuvo un discreto lanzamiento en DVD y VoD en el año 2014.

 Érase una vez en un reino cristiano ortodoxo indeterminado de un medievo generado por ordenador y siempre envuelto en una niebla que disimulaba el cartón piedra; que una suerte de caballeros, cual templarios vestidos de negro, seguían una especie de código bushido del honor hasta sus últimas consecuencias.
En este reino multicultural donde convivían gentes de todo pelaje, color y religión; un malvado primer ministro quería doblegarlos y llevarlos al deshonor. Y claro está; si el lider de esos caballeros era Morgan Freeman( que sólo debió leer la parte del guion en la que aparecía él y el cheque por su trabajo) imposible que las cosas llegasen a buen puerto.

Este cuento de venganzas producido por China con más aspecto de videojuego(pero no de los buenos; de los malos de esos en los que tus acciones y deciosiones están muy limitadas por rigores de presupuesto) que de film; la venganza es un plato que se sirve bastante frío, tanto como las sensaciones que despierta su pausada trama que abusa demasiado del fundido al negro en los momentos decisivos y de una cámara lenta que más que conseguir lo épico consugue que mires constantemente cuánto le queda para terminar.
A pesar de que el cartel lo comparten por igual el ya mencionado Morgan Freeman y Clive Owen, es el segundo el que lleva todo el peso(la vergüenza) a sus hombros y es una pena no porque actúe mal(¡Es un actorazo de la cabeza a los pies!) sino porque la película no se mantiene en pie. Todo es ridiculo; desde ese vestuario multicolorido, a esos planos aéreos de ese reino indeterminado hasta las escenas de interior que recuerdan más a la serie 'Dentro del laberinto' que a la gran película que quiere llegar a ser.
Miedo me está empezando a dar como Hollywood se está vendiendo poco a poco al mercado chino.
https://www.youtube.com/watch?v=IwML1nu33mI
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Lucy

90 minutos. Francia. Guión: Luc Besson.  Música:  Luc Besson. Música: Eric Serra. Fotografia: Thierry Arbogast. Productora: EuropaCorp / TF1 Films Production / Universal Pictures. Ciencia Ficción. Reparto: Scarlett Johansson, Morgan Freeman, Choi Min Sik, Amr Waked, Yvonne Gradelet, Jan Oliver, Julian Rhind, Pilou Asbaek, Analeigh Titpon, Nicloas Phongbeth, Luca Angeletti, Loic Brabant,  Pierre Grammont, Pierre Poirot, Bertrand Quoniam, Pascal Loison, Pierre Gérard, Isabelle Cagnat, Fredéric Chau.

Sinopsis: Johansson da vida a una mujer obligada a ejercer de mula (de drogas) y que adquiere poderes sobrenaturales cuando la bolsa de la droga se rompe y los narcóticos entran en contacto con su cuerpo. Entonces, se convierte en una máquina de matar, adquiere una memoria prodigiosa y la velocidad del rayo.

Es puro Besson, con un poco más de presupuesto que tiempo atrás, con tres actores de gran renombre internacional, incluyendo a Min-sik Choi alias Old Boy.

Pero es evidente que la película gira en torno a Scarlett Johansson. Estamos empezando a cansarnos de que productores y directores exploten a la Johansson. Nos explicamos. Los responsables de una película que logran contar con la neoyorquina se frotan las manos. Piensan algo así como: “la ponemos en la pantalla y fuera, ya tenemos película, no necesitamos ni guión ni nada. Total, está tan buena que la gente va ir a verla igual, aunque sea un plano fijo durante 90 minutos“. Johansson es un valor seguro, pero su sola presencia no hace una película. Tenemos el caso de Lucy o el de Under the Skin, otra cinta que vive y respira gracias a la actriz norteamericana.


Me quedo sin espacio y aun no he dicho nada concreto sobre Lucy. Bueno, Lucy es otra paranoia de Besson. No hay más. Tras una gran introducción, llena de tensión, la historia se dispara y ya no se detendrá. Todo sucede tan deprisa y de forma tan atropellada que al final te quedas como estabas, degustando la buena intro de la peli.


Y luego está el tema de que el personaje de Johansson comienza dominar su capacidad cerebral a fondo. El asunto de que solo usamos un 10% de nuestro cerebro es un mito, otra paranoia. Y aunque así fuese, la evolución que tiene el personaje de Johansson la convierte en (SPOILER 1)

Es evidente que Lucy no es una película para tomarse en serio. Estamos hablando de Luc Besson. Pero no logra ni siquiera entretener por varias razones: ritmo demasiado elevado, sin tiempos muertos, corta duración, evolución ridícula de la historia. Además, no se aprovecha el personaje de Min-sik Choi que podía haber dado mucho juego. Al final, solo tenemos a Scarlett mostrando sus atributos y poniendo caras muy serias, de dominar cada vez más su capacidad cerebral… Ah sí, y Morgan Freeman interpretándose a sí mismo, otra vez.
https://www.youtube.com/watch?v=MVt32qoyhi0
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Companys proceso a Cataluña

1979 España 125 minutos. Director: Josep maria Forn. Guión: Josep Maria Forn, Antoni Freixas. Música: Manuel Vals Gorina. Fotografia: Cecilio Paniagua. Producción: La llanterna films. Drama histórico/ guerra civil. Reparto; Luis Iriondo, Marta Angelat, Monsterrat Carulla, Xabier Elorriaga, Pau Garsaball, Agustín González, Alfred Lucchetti, Marta May, Biel Moll, Ovidi Montflor, Conrado Tortosa Pìpper, Rafael Anglada, Carlos Lasarte, Loles León, José Lifante, Juanjo Puigcorbé, Fenando Ulloa.

Sinopsis: Los restos del ejército republicano cruzan la frontera francesa. Entre los exiliados están Lluis Companys, presidente del Gobierno catalán, y Aguirre, presidente del Gobierno vasco. Tras la invasión de Francia por las tropas alemanas, la Gestapo entrega a Companys al gobierno de Franco. Conducido por el Conde de Mayalde es trasladado a Madrid y posteriormente a Barcelona. Tras un juicio sumarísimo, es condenado a muerte y fusilado


Drama biográfico e histórico sobre la figura del Presidente de la Generalidad de Catalunya, Lluís Companys i Jover rodado en 1979, en plena Transición Democrática por un director que conoce bastante bien la realidad política y la historia de las últimas décadas: Josep Maria Forn (La Piel Quemada; Ho sap el Ministre?; Subjúdice) y que unos años después rodaría “El Coronel Maciá” (2002), que también revisaba la figura de otro Presidente de la Generalitat, el anterior a Companys: Francesc Macià.


“Companys procés a Catalunya” sigue de manera cronológica los últimos meses de la vida del que fuera presidente de la Generalitat durante la II República, golpeada brutalmente por la rebelión militar del 18 de Julio 1936, inicio de la Guerra Civil. En un preludio en que vemos a un Lluís Companys huyendo en la noche hacia el exilio, del Palau de la Generalitat, a oscuras, constata que otros tiempos pasados fueron mejores y el “flash-back” es recurrente para comprender de la magnitud e importancia de su cargo en esos tiempos convulsos. Hasta que el 13 de agosto de 1940 es detenido por los alemanes, extraditado a España, interrogado en Madrid y llevado de incógnito al Castillo de Montjuic, en Barcelona, donde sería ejecutado la madrugada del 15 de octubre 1940 en un juicio que por ser militar, no pasaba ni de sumarísimo en su recia disciplina. Es decir: su fusilamiento fue orden directa de unos de los dictadores cómplices de la fastidiosa como absurda irrupción del fascismo en Europa junto con Hitler y Mussolini: Francisco Franco.


Durante ese proceso la película alterna momentos del pasado en que vemos a un Lluís Companys (interpretado por el actor vasco Luis Iriondo, de gran parecido) en sus primeros contactos con la política y apoyando a abogados sindicalistas como Francesc Layret y Salvador Seguí con quienes quería formar una fuerte alianza para hacer frente a la derecha monárquica española. Pocos años después llegó a "President" con un clamor popular que lo avalaba. A la vez se alterna su largo exilio a un incierto país como Francia, partido en dos: por los nazis y el régimen de Vichy de Petáin. No sería lugar seguro para él, con una orden de búsqueda y captura en su cabeza, pese a su insistencia de quedarse al lado de su hijo Lluiset internado en un centro psiquiátrico. Y no tuvo la suerte de otros políticos como el entonces "conseller" Josep Tarradelles, la ministra anarquista Federica Montseny o el lehendakari José Aguirre.