domingo, 25 de septiembre de 2016

Concurso Suelos de película



1. Participantes
Puede participar en el concurso cualquier persona física mayor de 18 años residente en España.
2. Fotografías
Cada participante podrá presentar una única fotografía. Las fotografías deberán mostrar como protagonista un suelo de madera auténtico (consultar www.suelosdepelicula.com); deberán llevar título (obligatorio), los hashtag y la mención descritos en el siguiente punto (obligatorio), y opcionalmente una breve descripción.
3. Mecánica del concurso
La participación se llevará a cabo a través de Instagram; los participantes deberán hacerlo desde su perfil en modo público, siguiendo estos pasos:
I. Seguir en Instagram a la cuenta @suelosdepelicula.
II. Subir la fotografía con título.
III. A continuación del título utilizar los hashtag oficiales: #suelosdepelicula, #Realwood, #MaderaAuténtica y #parquet.
IV. Hacer la mención @suelosdepelicula.
4. Premios
Se establecen dos categorías:
I. Primer premio: 350 €
II. Segundo premio: 200 €
De estas cantidades se detraerá la retención legalmente vigente de IRPF en el momento del fallo del concurso (en el momento de publicación de estas bases es del 19%).
5. Plazo
El plazo de participación comenzará el 12 de septiembre de 2016 y finalizará el 30 de septiembre de 2016 a las 12:00 AM (hora peninsular española).
6. Autoría de las fotografías
Los participantes responden de la autoría y originalidad de las fotografías, eximiendo por tanto a la organización de reclamaciones que en este sentido pudieran hacer terceras personas.
7. Derechos de las fotografías
Los derechos de autoría de las fotografías de los participantes permanecerán en poder de sus autores, quienes autorizan a la Asociación Nacional de Fabricantes de Parquet (ANFP) y a The European Federation of the Parquet Industry (FEP) para utilizar las mismas en sus labores de promoción de los suelos de madera, sin hacer uso comercial en ningún caso y mencionando siempre al autor.
8. Jurado y fallo
El jurado estará compuesto por expertos y miembros designados por la Asociación Nacional de Fabricantes de Parquet (ANFP). El fallo del jurado será inapelable y se dará a conocer el 15 de octubre de 2016 a través de la cuenta de Instagram @suelosdepelicula y la web www.suelosdepelicula.com . El concurso no podrá ser declarado desierto.
9. Exposiciones de ganadoras
Las fotografías ganadoras serán expuestas en Egurtek VI Foro de Arquitectura y Construcción en Madera, que se celebrará los días 20 y 21 de Octubre en el Bilbao Exhibition Centre (BEC) en Barakaldo (Vizcaya).
10. Aceptación de las bases
La participación en este concurso implica la aceptación total de estas bases

Urtzi Vera fotografias


Urtzi Vera

Ingeniero Técnico Industrial, recuerda su infancia entre lápices, rotuladores, plastilina y tentes. Siempre le apasionaron el dibujo y los juegos creativos.
Después de acabar la carrera retomó talleres de dibujo, pintura y escultura. Fueron unos años muy entretenidos y de mucho aprendizaje en los que, probablemente, se forjaron las bases de su posterior obra.
La naturaleza y los animales habían sido siempre fuente de inspiración para él. En el 2005 se le ocurrió llevar una cámara compacta al monte … y entonces empezó su relación con la fotografía, posterior como en tantos a su afición al monte.
Trabaja como ingeniero técnico en la localidad de Amurrio, lo que no entorpece el desarrollo de su pasión, la fotografía. Sus aficiones, el monte y el contacto con la naturaleza, han sido sus motores. Tiene un vínculo especial con los hayedos de Gorbeia y el mar Cantábrico pero es, sin duda, en el bosque donde más cómodo se siente y donde más disfruta de su pasión. 

Ha hecho alguna publicación puntual y trabaja también de forma puntual con agencias que comercializan algunas de sus imágenes tanto nacional como internacionalmente. Actualmente realiza también encargos fotográficos de diverso tipo.
Es miembro del grupo de fotógrafos de naturaleza portafolio natural
Ha tomado parte en numerosas de forma colectiva desde el 2004. Y ha realizado tres exposiciones individuales:
  • BAT (2007) Su primera exposición que reunía una muestra de fotografía, escultura y pintura.
  • Ametsetan” (2008) Exposición fotográfica itinerante.
  • Gorbeia ezkutua” (2011) Exposición fotográfica itinerante dedicada exclusivamente al Parque Natural de Gorbeia.
Entre otros, ha conseguido los siguientes premios:
  • Concurso Internacional Memorial María Luisa 2011, Finalista en la categoría El Bosque y su Ecosistema.
  • Concurso Internacional Montphoto 2011, 1º Premio en la categoría Mundo Vegetal.
  • Concurso Internacional Montphoto 2011, 1º Premio en la categoría Denuncia Ecológica.
  • Concurso Internacional Montphoto 2011, Finalista en la categoría Inspirados por la Naturaleza.
  • BBC-Veolia Wildlife Photographer of the Year 2011, Finalista en la categoría Wild Places.
  • Concurso Internacional FOTOCAM 2010, 1º Premio en categoría Vegetación
  • Concurso Internacional FOTOCAM 2008, 2º Premio en categoría Vegetación y Flora.

Levitán

Cuando joven, Levitán recibió una notable influencia de Corot, la cual supo trasladar con profundo sentimiento telúrico al paisaje y la idiosincrasia rusos. Al regreso a su país comenzó a trabajar febrilmente y muchos se atrevieron a asegurar que nadie pudo sentir el alma del paisaje de Rusia como lo hizo Levitán, quien sólo cultivó ese género pictórico.


 Actualmente se lo considera en la cima de la pintura de paisaje rusa del siglo XIX porque, además, en su pintura al aire libre captó con pincelada ligera y admirable realismo las sutiles gradaciones de la espesa luz solar y las finas capas de color de las sombras.antecesor del
impresionismo y maestro de otro artista de familia israelita: Pisarro, famoso impresionista francés. Volvió a Rusia y desarrolló su carrera como pintor. A los 37 años el artista fue nombrado miembro de la Academia de Artes Rusa y director del departamento de pintura de paisajes. La amistad, el aprecio y la admiración fue mutua con el escritor Anton Chejov.

Rosa Lie Johansson

Rosa Lie Johansson nació en Gotemburgo , Suecia. Estudió pintura en su ciudad natal en los años 40 con ayuda del gobierno de su país natal. En 1952, continuó sus estudios artísticos en la Academia Belle Arti de Roma, cuyo profesor fue Ferruccio Ferrazzi, un pintor y escultor italiano.
Johansson pasó mucho de su vida viajando. En 1951, se mudó a Italia  y viajó por la región hasta finales de 1952, cuando se trasladó a Nueva York. Ahí, se unió al Art Student League, en colaboración con Will Barnet, conocido por su trabajo gráfico y participación en murales con José Clemente Orozco


Permaneció en Nueva York  hasta 1951, cuando se trasladó a México, primero vivó en San Miguel de Allende y viajó por los estados de la República como Michoacán  para estudiar la arquitectura y cultura de México Central. Durante este tiempo, la política económica en Mexico permitió a la gente de negocios de suecia invertir en México. Una pequeña comunidad sueca fue formada en la Colonia Anzures en la Ciudad de México. Johansson se mudó a la Ciudad de México para encontrar soporte económico y moral, aunque vivía sola en su propio departamento, con compañia de su gato, Cassandra. Ella continó viajando por Mexico parte de su vida, regularme con la compañia de su amiga cercana Alma Reed También, Rosa recorrió Indonesia  en 1969, atraída por su color y misticismo.
Johansson eventualmente se identificó como mexicana, vistiendo de acuerdo a la tradición mexicana, así como con una afinidad particular por la cultura maya  del pasado y presente

Alice Bailly

Alice Bailly  nacida en ginebra en 1872 y fallecida en 1938  fue una pintora suiza. Estuvo próxima a los movimientos de vanguardia de principios del siglo xx ( cubismo, dadaísmo  que ella contribuyó a divulgar en la Suiza francófona.


Estudió en la escuela de Bellas Artes de Ginebra y luego en  Múnich  Estuvo en París  en 1906  y, en 1914 ideó las wool paintings («pinturas de lana»), término que acuñó para evitar que sus cuadros «pintados con lana», fueran calificados como bordados. Quedó en Suiza con el estallido de la  primera guerra mundial Fijó su residencia de Lausana en el año 1923, pero conservó un apartamento en París hasta 1936.
En 1946 se creó la Fundación Alice Bailly para sostener a jóvenes artistas suizos y franceses.

el paciente de Gómez Jurado

Sinopsis: El prestigioso neurocirujano David Evans se enfrenta a una terrible encrucijada: si su próximo paciente sale vivo de la mesa de operaciones, su pequeña hija Julia morirá a manos de un psicópata.
Para el Dr. Evans se inicia una desesperada cuenta atrás cuando descubre que el paciente que debe morir para que su hija viva no es otro que el presidente de Estados Unidos.
Con su habitual maestría en la literatura de intriga, Juan Gómez-Jurado atrapa irremediablemente al lector. Una novela apasionante, emotiva
e inquietante, que se desarrolla en 63 frenéticas horas, que no da respiro en su lectura y que plantea un dilema moral imposible que puede cambiar el curso de la historia.

Opinión Personal: Lo primero que se me paso la cabeza al leer la última página de esta novela es que me había entretenido a ratos ( sobre todo las primeras 200 páginas) pero que no me dejó huella ninguna, tan poco huella que tampoco recomendaría encarecidamente su lectura, salvo que te apetezca algo veraniego, un Thriller de lectura rápida.
Gómez Jurado tiene una forma de escribir muy cinematografica y sabe como atrapar al lector, para mi gusto su mejor novela es Espia de Dios. Tiene una forma sencilla de narrar y sobre todo su punto fuerte es que tiene un ritmo narrativo altísimo, que ya quisieran muchos para sí.
La historia en si parece la de cualquier guión de mediopelo del cine Yankee más comercial. Raptan a la hija del dóctor Evans y le ponen en el compromiso de operar al presidente de Estados Unidos, no puede salir vivo del quirófano, su no cumple con su parte, matan a su hija.
El típico dilema moral de que hacer, el amor de su hija contra el juramento que hizo al ejercer su profesión, algo muy Hollywoodiense.... si aún encima metemos en la ensalada al presidente de Estados Unidos, ya ni te cuento, tema trillado donde los haya pero que en la gran pantalla siempre funciona, de echo creo que se va a hacer una peli sobre esto, ya me imagino a Denzel Washington encarnando al doc Evans.
Pese a lo trillado del argumento las 200 primeras páginas son de alto voltaje. El ritmo altísimo que tiene Gómez- Jurado, a la altura de los maestros del Thriller.... queremos saber más y más. El comete el acierto de que el lector se ponga de lado del Dóctor Evans. El dóctor Evans y el lector son la misma persona, ambos no saben lo que sucede. Evans se deja llevar mientras va recibiendo mensajes de los raptores de su hija.
Acepta el juego resignado y se propone asesinar al presidente de los Estados Unidos que padece un cáncer en estado muy avanzado. El problema viene cuando a Gómez Jurado se le da por darle profundidad a sus personajes a mitad del relato.
Va combinando el thriller, la acción con pinceladas de los personajes y sus historias del pasado que lo único que hacen es ralentizar el relato. Se agradece que Gómez Jurado trate de dotar de personalidad a sus personajes, pero no es Trevanian ni tampoco Montalbán.
El problema es que sus personajes están construidos a golpe de cliché y mata un poco a la novela. Hay tres personajes principales... yo diría que cuatro. El dóctor Evans, neurocirujano y típico héroe americano que siempre está de mal humor y bebe café y que siempre tiene una frase ingeniosa para chafarte la mañana, un dóctor House en potencia, tan insoportable como genial. Es también el héroe americano porque se hizo a si mismo, salió de un hogar de acojida y acabo siendo uno de los mejores neurocirujanos del mundo... un personaje sin ninguna personalidad pero al menos es algo llevadero, pues en el recae todo el peso de la acción y estás deseando leer las partes del dóctor Evans.
Rachel es la mujer del dóctor Evans, murió tras una enfermedad fulminante sin que el dóctor Evans se enterase, culpándose de su torpeza de por vida. Ella está muerta pero como si se tratara de Rebeca ( quién no recuerda la bellísima película de Hitchcock basado en un relato de Daphne du Maurier y protagonizada por el atormentado Lawrence Olivier y el ángel puro de Joan Fontaine) todos los personajes la acaban citando y tiene su peso en la novela. El problema es que el autor la pinta como la mujer perfecta y un amor perfecto... algo también muy del cine americano más comercial y ridiculo.
Después tenemos a Kate, la hermana de Rachel. Pertenece al FBI y es una amargada. Se dedica a investigar el caso contrareloj para echarle una mano a su cuñado. En la parte central de la novela, el dóctor Evans comparte el protagonismo con Kate y el ritmo decaé muchísimo, porque las partes de Kate son simplemente infumables. Se vuelven todavía más ridiculas cuando confiesa que está enamorada del dóctor Evans obligando al léctor a pasar las páginas en espera de algo de acción, un personaje nada acertado y de lo más ridiculo.
Como ridiculo es el personaje de White, el malo de la novela. Parece extraído de Shibumi de Trevanian, pero es una versión comercial y hollywodiense. Nos venden que tiene todo bajo su control, que no tiene escrúpulos, un ser satánico y casi perfecto, demasiado cliché.
Como hay clichés en las situaciones que nos depara la novela. Como por ejemplo cuando el dóctor Evans le compra una pistola a unos pandilleros, ahí tenemos el típico retrato de como la clase acomodada blanca ve a los negros. También tenemos situaciones que parecen extraídas de cualquier serie americana de médicos... muy cinematográfico y cero creíble.
Conclusiones rápidas de la novela. En las primeras 200 páginas, Gómez Jurado logra que el léctor sea el dóctor Evans y trate de salir de un laberinto en el que te sorprende practicamente en cada página, esta muy logrado. Pero a mitad del relato quiere dotar a sus personajes de personalidad, nos vende la aburrida historia de amor del dóctor Evans con su mujer, la todavía más soporifera historia de amor inconcluso con Kate y lo mezcla con un relato de acción que va a menos y que casi parece secundario, pierde el efecto la novela, porque la acción decaé en su ritmo y esa es la gran baza de este escritor, el ritmo narrativo y en la segunda parte de la novela, cae a plomo.
En cuanto a elementos morales en esta novela... pues como no, también son clichés americanos, es como si el autor estuviera pensando en una película yankee y la estuviera proyectando en su mente. Un hombre mata por su familia esa es la gran conclusión, algo que en España no nos cabe en la cabeza pero que en Estados Unidos está al orden del día porque cualquiera puede tener un arma.  Sin desvelaros el final, diré que lo adivine desde la mitad de libro, porque al tirar de tanto cliché, estaba claro que el presidente de los Estados Unidos no puede salir ni con una arruga en el traje del quirofano, por lo tanto una especie de happy end pero algo amargo.
Decepcionante, la verdad es que la ponen por las nubes pero no me convenció en absoluto, tan solo disfrute de la primera parte de la novela, por la mitad se me hizo muy pesada y el final me pareció precipitado y cojido con pinzas, a otra cosa.

La aventura del Poseidón

Sinopsis: La historia cuenta el naufragio del del trasantlántico Poseidón y como unos cuantos pasajeros tratan de salvarse.

Opinión Personal: Muy floja pero vamos por partes. Paul Gallico era un periodista deportivo que escribió esta novela en el 69.  Llegó a escribir dos novelas más pero no tuvieron éxito. Esta novela fué llevada a la gran pantalla en el 72, una película protagonizada por Gene Hackman, que tiene una adaptación del 2005 protagonizada por Jack Russell. Esta mucho mejor la primera película de Hackman y huelga decir que es mucho más interesante que esta novela.
En cuanto a los datos técnicos de un hundimiento de un gran barco, se nota que se informó aunque solo sean pinceladas. Lo peor de Gallico es que no tiene ritmo y todo lo basa en el diálogo, perdiéndose su faceta por completo de narrador. No sabe profundizar en la tragedia y deja de lado a los miembros de la tripulación y la tragedia en si, el hundimiento del barco apenas dura dos hojas.
No tiene ritmo narrativo y eso para una novela de desventuras más que aventuras, pesa como una losa. El todo lo centra en las relaciones entre los pasajeros. Desde el inicio de la novela nos presenta a sus personajes. El reverendo Scott, antiguo deportista de élite ( el escritor fué periodista deportivo) El insoportable policia Rogo y su mujer, una actriz fracasada y un elenco desdibujado de matrimonios como los Rosen que ni pinchan ni cortan en la novela.
Se encuentran celebrando el año nuevo en alta mar, el barco colosiona y queda al reves, tienen que huir. Al reverendo Scott se le ocurre trepar por el árbol de navidad para lograr salir por una rendija, le siguen un grupo de catorce personas.
Entre medias tienen que ir tanteando el terreno siempre con tres problemas. Que se hunda el barco, que se apague la luz y que el agua llegue hasta donde esten. Se van encontrando a su camino cadáveres y gente aturdida que aún no sabe lo que sucedió.
Gallico no se centra en la tragedia sino más bien en la reacción de los personajes ante una situación límite y esto es lo peor de esta novela, pues no resulta creíble. Mujeres preocupadas por que su vestido se manchó, el policia Rogo intentando averiguar si el cura es homosexual o le tira los tejos a su mujer como esta afirma ( paranoia de ella, obviamente) otro pasajero preocupado para que no descubran que es infiel. Entre medias, en apenas unas horas desde la tragedia hasta que salen del lio, surgen dos historias de amor y una ruptura. La más increíble de todas es la de un borracho y una bailarina que sin conocerse de nada se enamoran y deciden no seguir al reverendo Scott porque el tipo se emborracho y ella quiere cuidarlo mientras duerme, así mueren... increíble pero cierto.
En definitiva que no resulta ni lógico los detalles. Vemos a un Rogo obsesionado por averiguar quién es homosexual, quién es judio.... víctima de prejuicios. ¿ Existen prejuicios cuando uno se haya ante una situación límite? ¿ Se preocuparía una mujer por sus zapatos si estuviera en un barco que se hunde con amenaza de muerte en cada instante? Obviamente no y por eso la novela es tan mala, de echo una de las peores que leí en mucho tiempo, y mira que leo.
Solo hay algo que merece la pena y es la dispusta entre los dos gallos del corral. El policia Rogo y el reverendo Scott, ambos mantienen una lucha dialéctica por el poder. Sería interesante el rol que se le asigna a cada uno en esta huída hacia la nada, como sería interesante la lucha por el poder y los egos. Pero no está bien desarrollado y estos dos personajes principales no resultan creíbles en ningún momento. Es una novela floja y como dijo Hitchcock solo las malas novelas pueden ser llevadas al cine, el mantenía que si tuviera que hacer una versión de una gran novela como Guerra y Paz, tendría una duración de seis horas por los menos, para plasmar todos los matices de la novela.
La novela de Gallico es flojísima y no hay por donde cojerla aunque la idea daba mucho de sí, pero el no le saca jugo. Le sacó jugo la película, sobre todo la primera de ellas, la protagonizada por Hugh Jackman y es que de aquella se llevaba el cine de catastrofres, acordaos de unas cuantas: Aeropuerto, Viven, El coloso en llamas, terremoto, aeropuerto 75...etc.

Divinas Palabras

1987 españa drama 107 minutos. director: jose luis garcia sánchez. guión: josé luís garcia sánchez, enrique llovet, obra de Valle Inclán. música: Milladoiro. Fotografia: Fernando Arribas. productora: Lola Films. Reparto: ana belén, francisco rabal, imanol arias, esperanza roy, aurora bautista, juan echanove, nicolás dueñas, antonio gamero.
Sinopsis: La acción de este descarnado retrato de la naturaleza humana, basado en la obra de Valle-Inclán, transcurre en la Galicia de principios del siglo XX. Para huir de la pobreza, la esposa de un sacristán de aldea utiliza a un niño hidrocéfalo como atracción de feria. Eso la llevará a enfrentarse a su cuñada, que tiene el mismo propósito, y a meterse de lleno en un mundo en que residen las más bajas pasiones.

 Adaptación de la formidable obra de Valle-Inclán. La acción se sitúa en la Galicia de principios del siglo XX. Es la historia de la esposa (Ana Belén) de un sacristán (RAbal) que para intentar huir de la pobreza, utiliza a su sobrino (Dueñas), un niño hidrocéfalo, como atracción de feria. Esto la enfrentará a su cuñada (Bautista), que tiene las mismas intenciones y a meterse en un submundo de maldad y bajos instintos.
Interesante captación del abigarrado y maravilloso mundo esperpéntico valleinclanesco por parte del habitualmente desatinado y muy mediocre García Sánchez. "Divinas palabras" es, en literatura, un descarnado y crudo retrato de la naturaleza humana, de sus bajas pasiones, en un ambiente social tan rico de paisanaje como explicitador de la pobreza de espíritu de éstos. La Galicia, la España rural, queda perfectamente fotografiada. En la película, se logra salvar decentemente todo esto, sobre todo gracias a un extenso y adecuado reparto, dónde falla, sin embargo, la presencia de una demasiado cristalina Ana Belén. A pesar de todo, interesante y entretenida.
https://www.youtube.com/watch?v=t_OwSUlT3GM
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jamón jamón

1992 España 95 minutos. Director: Bigas Luna. Comedia. guión: Cuca Canais. música: Nicola Piovani. fotografia: Jose luís Alcaine. productora: Lola Films. Reparto: Javier Bardem, Penélope Cruz, Stefania Sandrelli, Anna Galiena, Juan Diego, Jordi Mollà, Tomás Penco, Armando del Río
Sinopsis:  José Luis es el hijo de un acaudalado matrimonio que posee una fábrica de ropa interior masculina, en la que trabaja su novia Silvia. Cuando ella se queda embarazada, él promete casarse con ella a pesar de la oposición de sus padres. Con el fin de frustrar esa boda no deseada, la madre decide contratar a un joven aspirante a torero para que seduzca a la joven.
Bigas Luna es un genio que se hace insoportable por su zafiedad y sexualidad demasiado a ras de tierra. Nada en él remonta a lo más sórdido que se encuentra uno caminando por la calle y lo peor es que tiene material y talento, entiendo talento en este caso como capacidad para crear imágenes potentes, pero se pierde en lo chabacano y lo obsceno sin mencionar lo obvio de muchas de sus aportaciones. La pelea a jamonazos copiando el duelo a garrotazos de Goya es de vergüenza. Personajes sórdidos sin más motivaciones que las animales, sin horizontes y sin buscarlos, a caballo entre la realidad más sucia y la ensoñación estúpida y sin sentido.


Se salvan a medias los actores que tampoco pueden hacer milagros.
Erotismo de cuadra y cargado de esa brutalidad chabacana del ninot fallero que, sin la sátira de éste, queda en nada. Lo peor es que ni se olvida ni se puede tirar como un mal producto.
 https://www.youtube.com/watch?v=KQdZQrYC6aA
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Aeropuerto 75

1974 Usa Acción. 107 minutos. Director: Jack Smight. Guión. Don Ingalls. música: Jhon Cacavas. Fotografia: philip Lathrop. Productora: Universal. Reparto: charlon heston, karen black, george kennedy, efrem zimbalist, jr susan clark, gloria swanson, linda blair, dana andrews, sid caesar, myrna loy, nancy olson, martha scott, ed nelson.
Sinopsis: Cuando un Jumbo 747 colisiona contra una avioneta pilotada por un hombre de negocios que acaba de sufrir un infarto, el pánico se apodera de los pasajeros. Muertos los pilotos a causa del choque, la azafata Nancy Pryor, recibe instrucciones por radio para poder hacerse cargo de la situación.
 Según tengo entendido, en el momento de su estreno "Aeropuerto 75" fue vapuleada por la crítica, y no me extraña, pues estamos ante una lamentable secuela de la magistral y muy entretenida "Aeropuerto" de George Seaton.

"Aeropuerto 75" engloba en su interior todos los defectos del cine catastrofista tan típico de los 70 y sería interminable la enumeración de todos sus exasperantes e irritantes toques del peor cine-espectáculo. Pero, a pesar de la mediocridad del resultado final, no pude evitar esbozar una sonrisa constante durante todo el film, llegando, incluso, a gustarme la tremenda exageración con que está planteada.


¿Por qué?, pues sobre todo gracias a la sublime "Aterriza como puedas". Pero ¿cómo es posible que una película paródica e hiriente haga más agradable y llevadera la película original parodiada? Pues porque la genial e hilarante comedia de los ZAZ (todo un clásico a reivindicar, dicho sea de paso) hace que cada escena de "Aeropuerto 75" sea más entrañable y más simpática por el continuo derroche de escenas tan tópicas y susceptibles de ser parodiadas.


Es más, no sé si intencionada o accidentalmente, Jack Smight aporta a todos los pasajeros del avión un tono muy surrealista, casi kafkiano, empezando por esa Gloria Swanson, autoimitándose de forma magistral y grotesca, y siguiendo con el resto del elenco, a cual más divertido. Incluso me atrevería a decir que todo el reparto es consciente de estar en una comedia más que en un trágico y sobrecogedor film catastrofista. Todos menos Charlton Heston, claro, que intenta tomarse en serio un personaje que roza el absurdo de forma continua.

En fin, cuando un film tan terriblemente malo consigue que desees ver inmediatamente las siguientes secuelas ("Aeropuerto 77" y similares) algo bueno tendrá, aunque a veces nos cueste ver lo que es.

https://www.youtube.com/watch?v=Ksjg3xRXC3I 
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Tuvo la culpa Adan

1944 España 88 minutos. director: Juan de Orduña. comedia. guión: antonio mas guindal. músico: juan quintero. fotografía: willy Goldbederg. productora: Compañía Industrial Film Español S.A. (CIFESA), Reparto: rafael durán, luchy soto, maría esperanza navarro, guadalupe muñoz sampedro, consuelo de nieva, juan espantelón, julio rey de las heras, josé maría seone, xan das bolas, juan calvo, ana maria campoy, matilde muñoz sampedro, manuel requiena, antonio riquelme, joaquin roa.
Sinopsis:
Los Olmedo, una familia de varones misóginos, han jurado odio eterno a las mujeres, desde que una de ellas dejó plantado a un miembro de la familia en la puerta de la iglesia. Sin embargo, el joven Adán está dispuesto a romper esa promesa cuando se enamora de la bella Nora

 En la España de la posguerra civil y en plena Segunda Guerra Mundial había pocas razones para ir al cine a pasarlo mal, así que el siempre competente Juan de Orduña realizó esta comedieta de evasión, sin mayores pretensiones sociales ni de mensaje, e inferior a la que rodó el mismo año "Ella, él y sus millones" con una historia de amoríos y de enredo sencilla para pasar el rato sin más.


Hoy en día merece verse la película como documento social de la posguerra, aunque ése no fuera el objetivo de Juan de Orduña.

Y para oir el motivo del título de la película hay que esperar hasta la ultimísima frase de la película en el coche.
https://www.youtube.com/watch?v=Poq4_VMQL_8
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Los Palomos

1964 España director: Fernando Fernán Gómez. Guión. fernando fernán gómez, josé maría rodríguez ( historia alfonso paso) música: Daniel White. fotografia: emilio foriscot. Estela films. Reparto: José luis lópez vázquez, gracita morales, mabel karr, fernando rey, julia caba alba, manuel alexandre, anotnio almorós, xan das bolas.
Sinopsis: Emilio y Virtudes Palomo son invitados por don Alberto, el jefe de Emilio, a una cena en su chalet. Don Alberto, que confunde la sencillez con la estupidez, tiene la intención de presentar al matrimonio Palomo como sospechoso de un crimen que él ha cometido.


 Que "Los Palomos" no es precisamente la mejor película del cine español, es afirmar lo evidente. Sin embargo, cuando la adaptó, Fernando Fernán Gómez lo sabía más que de sobra, no se tome este simpático entremés como otra cosa que una inocentada, una hábil forma de explotar en tiempos más inocentes a un reparto en estado de gracia.


Como bien apuntan las críticas precedentes en esta página, estamos ante una pieza más teatral que cinematográfica, donde los cambios de escenario brillan por su ausencia. La eterna preja José Luis López Vázquez y Gracita Morales despliega su nivel de complicidad habitual, con excelentes diálogos mejor interpretados.

El resto del reparto acompaña a la perfección, debiendo destacarse al siempre imperial Fernando Rey, cuyo magnífico timbre de voz le permitía tener un registro solamente al alcance de los más grandes. Mabel Karr y Julia Caba Alba componen el retrato de la "familia del jefe", que quiere engatusar a unos pobres palomos (ejemplar carátula, por cierto).


Manuel Alexandre también hace acto de presencia en muy escasas secuencias, pero su simpatía natural y capacidad de improvisación le hace uno de los atractivos de la cinta, especialmente útil para reflotar momentos especialmente inocentones.
https://www.youtube.com/watch?v=GXWHH-YBArA
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Colorín Colorado

1976 España 92 minutos. comedia. director: josé luís garcia sánchez. guión: juan miguel lamet. música: víctor manuel. fotografia: magín torruella. prodcutra: luis megino Reparto: mary carrillo, teresa rabal, juan diego, josé sazatornil, fiorella faltoyano, antonio gamero, maría massip, chus lampreave, petra martínez, maría casal, josé manuel cervino, jesús gago, javier galifa, antonio passy, arturo gonzález pulido, josé luis garcia sánchez, juan miguel lamet.
Sinopsis: Una chica muy moderna y de buena familia se va a vivir con su novio, Al principio la pareja rechaza la ayuda de los padres de ella, pero pronto empezarán a ceder y a aceptar toda clase de comodidades
 Película con director desconocido por mí, pero que retrata con acierto la convivencia a finales de los 70 entre las dos Españas, a saber: la de derechas está representada por un matrimonio de más edad, con Sazatornil o simplemente Saza que es el marido y padre de familia que quiere que todos en su familia lleven una vida “como Dios manda”, y con Mary Carrillo que es la esposa y madre de familia protectora cuyo único reconocimiento público es escuchar el día de la boda de su hija –Teresa Rabal-, de boca de ésta, “Mamá, contrólate los nervios”, a lo que ella contesta que “eso se le da muy bien, porque lo lleva haciendo toda la vida”, matrimonio el de Saza y Mary Carrillo que pasan sus primeras Navidades de casados solos, pues su hija, estando aún soltera, acaba de tener un hijo con un miembro de la otra España, la de los rojos, pues el novio –Juan Diego- fue un compañero de universidad, que es cojo, y que la salvó a ella de un incidente político que sufrió ella por poseer en su bolso unos panfletos, incidente éste que no se muestra en la película y que le sirvió a Juan Diego para enamorar a la “hijita y niña de sus ojos” del padre Saza, incidente que provocó al mismo tiempo que al novio lo expulsaran de la universidad y no pudiera acabar la carrera de arquitecto, por lo cual él no ha podido progresar en la vida.
Y claro ya está el enfrentamiento servido a la mesa, pues Saza no le perdona a Juan Diego que haya mancillado el honor de su familia por dejar preñada a la hijita, sin previo paso por el altar, sino que además el novio tiene las desgracias de ser cojo y rojo, vamos que su hijita va a ser madre gracias a un “don nadie” y eso Saza no se lo puede perdonar.

Total que toda la película se mueve entre las dos Españas, la de derechas que posee el dinero, y la de izquierdas que aspira a tenerlo. Y como ella, cual Julieta, se ha enamorado de un Romeo de la otra España, las dos Españas están condenadas a ayudarse y soportarse mutuamente, aunque no lo quieran.
Ocurre lo que en otras grandes películas españolas:
Primero.- Además de la buena actuación de los protagonistas ya nombrados todos excelentes en sus papeles, la película está plagada de actores secundarios, que también bordan sus papeles, -otra pareja de novios, ambos rojos, compuesta por Antonio Gamero y Fiorella Faltoyano, cuyos problemas les vienen porque ella no puede tener hijos por las complicaciones surgidas de un aborto anterior, y que tienen un problema de comunicación, pues ella no quiere dar el primer paso y contárselo todo a su marido, y él anda toda la película muy revolucionado, pues aunque accedió a casarse por la iglesia,o momento de humor-, no recibe de su esposa el regalo sexual que, según él, se tiene más que merecido.

Esta otra pareja convive en la misma casa con la antes citada paraje de Julieta de derechas y Romeo de izquierdas.
Y segundo.- El siempre importantísimo papel en la trama de la película de las jóvenes asistentas, -objeto de deseo sexual de los maridos-.

Terminator

1984 Usa acción. director: James Cameron. 108 minutos. Guión: James Cameron, James Hurd. música: Brad Fiedel. fotografía: adam greemberg. productora. pacific western. Reparto. arnold scwazenegger, linda hamilton, michael biehn, paul winfield, lance henriksen, rick rossovich, bess motta, earl boen, dick miller, bill paxton, franco columbu, brian thompson, brad rearden.
Sinopsis: Los Ángeles, año 2029. Las máquinas dominan el mundo. Los rebeldes que luchan contra ellas tienen como líder a John Connor, un hombre que nació en los años ochenta. Para acabar con la rebelión, las máquinas deciden enviar al pasado a un robot -Terminator- cuya misión será eliminar a Sarah Connor, la madre de John, e impedir así su nacimiento.

 Cuenta James Cameron que Terminator nació de una horrorosa pesadilla que tuvo estando en cama con fiebre. En su visión vio un esqueleto de metal saliendo de entre unas llamaradas. Bendito sea el virus que dibujó tal estampa, ya que dio paso a una de las sagas más carismáticas de la historia del cine.
Hoy en día es natural ver a señoras y señoritas asistiendo a pelis de tal calibre. Pero aquel Terminator de 1984 rompió los moldes siendo quien abrió las puertas al público femenino en el universo explosiones, tiros y persecuciones. Y llamó su atención porque además de toda la pirotecnia, cuenta con un argumento muy sólido y elaborado, aunque hay quien asegura que es simple y pobre. A eso lo llamaría yo llevar la contraria a lo evidente por gusto.



Sarah Connor es presentada como una frágil jovencita con un discreto trabajo de camarera. Cameron te advierte con ello que por muy insignificante que te veas a ti mismo puedes ser una pieza fundamental para que el mundo avance hacia la libertad, o la paz, o lo primero bueno que se te ocurra. Aquí en este mundo todos contamos.
También consigue el director, que por una vez en una película de acción no sobre y tenga sentido el chica-conoce-chico con sus consecuentes momentos cursi. La escena pasional de la cinta se antoja preciosa por lo que representa.Toda ella envuelta con el fabuloso tema principal de su bso en su versión a piano. La frase "viajé en el tiempo por ti, Sarah" de Reese le da mil vueltas a cualquier frase pronunciada en cualquier película romántica de la historia. El soldado abrazado a Sarah tras pasar la vida enamorado de una vieja fotografía...

Y mira que Linda Hamilton no es especialmente atractiva. Pero uno no puede dejar de reconocer que tras presenciar esto involucrado en la peli también atravesaría el tiempo por conocerla.



En definitiva, preciosa película con muy pocos fallos argumentales pese a lo enrevesado de la trama. Y más sabiendo que no está basada en ninguna novela maquinada durante años, sino creada a partir de un sueño loco que tuvo una vez un director de cine.
https://www.youtube.com/watch?v=ZjZWYP04wu4
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el guardian enmascarado

1956 86 minutos. western. Usa. director: Stuart Heisler. Guión: Herb Meadow. música: david butholph. fotografia: edwar tupar. productora: wrather productions. Reparto. clayton moore, jay silverheels, lyle bettger, bonita granville, perry lopez, robert wilke, jhon Picarkd, Beverly Washburn, michael ansara, frank dekova, lane chandler, zon murray
Sinopsis: Kilgore, un rico interesado por alguna razón en el territorio indio, busca el enfrentamiento con los indios para acabar con el tratado de paz. El llanero solitario, junto con el sheriff de la ciudad y el gobernador, intentarán evitar este enfrentamiento para mantener la paz y que el territorio pueda convertirse en un nuevo estado de la Unión.

 La estrecha relación entre El Llanero Solitario y Toro (el hombre blanco y el indio) es, antes que nada, una hermosa apología de la hermandad: El blanco respeta, protege y siente como un leal amigo al indio, y el indio apoya, acompaña y defiende al blanco porque, como él, está luchando por la justicia y la tolerancia. Se propone así una convivencia y un respeto por siglos denegados, y el hombre avanza hacia un nivel de civilización que, poco a poco y muy lentamente, nos acerca también hacia una digna convivencia.


Fue, en 1933 que, el newyorkino Fran Striker (Francis Hamilton Striker, 1903-1962), autor también de “El avispón verde” (The green hornet), creó a este legendario guardián enmascarado al que llamó El Llanero solitario (The Lone Ranger) quien, sin recompensa distinta a la de sentir complacencia haciendo el bien, luchaba en contra de los bandidos que azotaban el oeste norteamericano: Cuatreros, asaltantes de diligencias, asesinos a sueldo… o agresores de los indios, tenían en el Llanero solitario y su amigo Toro a unos justicieros más temibles que los mismos comisarios.

El nombre usado en inglés para el indio es Tonto, pero por resultar peyorativo e improcedente porque el personaje es hábil y astuto, en los países de habla hispana se cambió a Toro para dar cuenta de su fuerza y vitalidad. Toro es fiel, sujeto a las leyes que propenden por el bien común, y la amistad que prodiga a su compañero de lucha, es incondicional.

Al igual que El Llanero Solitario, cuyo magnífico caballo blanco se llama Silver (Plata), también Toro tiene un caballo pura raza que, al igual que Plata, está magníficamente amaestrado para ayudar en situaciones de peligro. Con ellos, las aventuras también consiguen mostrar al hombre en comunión con la naturaleza, y de esta manera, Llanero e Indio, son una suerte de encomiables mensajeros de la Unicidad.


Aunque de niño fui muy aficionado a las revistas de El Llanero Solitario, tardé muchos años en darme exacta cuenta por qué sentía tanto aprecio por él como por Toro… y fue viendo esta película, muy bellamente filmada por Stuart Heisler, con la que, hace ya varias décadas, sentí que estaba viendo a dos de los héroes más cálidos y humanos que, hasta entonces, nos había ofrecido el cine.

Volver a verla ahora con una imagen magnífica, fue más grato incluso que antes, porque conseguí ver al Llanero y a Toro como símbolos de una hermandad que, Dios y la eternidad, aún siguen deseando.

Gran aprecio el que siento por Clayton Moore, también protagonista de la serie televisiva, y por Jay Silverheels, un auténtico mohawk canadiense que fuera boxeador y luego stuntman, y a quien ya habíamos visto en el rol de Osceola en la película de John Huston “Cayo Largo” (1948) y como Gerónimo en “Flecha rota”. Grato también, ver a Bonita Granville (“These three”, “Mortal storm”…) en el que fuera su último rol para el cine, recreando aquí a un personaje de claras ideas, como la esposa del ambicioso Reece Kilgore, el hombre que a diario mira hacia La Montaña del Espíritu… pero con otros intereses.

“EL LLANERO SOLITARIO” (Estrenada en España y Latinoamérica como: “EL GUARDIÁN ENMASCARADO”), se merecería sin duda un mayor reconocimiento. Pero hay ocasiones en que, el arte más digno y comprometido, permanece oculto y casi olvidado, porque hay intereses oscuros que propenden para que, ciertas ideas limpias, colmadas de justicia y/o de buena voluntad, no puedan ser difundidas.
 https://www.youtube.com/watch?v=XChIBk_MBsk
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asesinato de Julio Cesar

1970 Inglaterra 100 minutos. director: stuart furge. guión: robert furnival ( obra de Shakespeare) música: Christopher Lee. fotografia: Kenneth Higgins. productora: Commonwealth united ententerment. drama. Reparto: charlos heston, jason robards, john gieguld, richard chamberlain, robert vaugh, diana rigg, christopher lee, jill bennett, norman bowler, alan browning, christopher cazenove.

Sinopsis: Faltan cuatro años para que Julio Cesar derrote a Pompeyo en la batalla de Farsalia y sea elegido como el dueño de los destinos de la Republica. Estamos en el año 44 antes de Cristo, en Roma. Entre los particios romanos existe el sentimiento de que la dictadura de Cesar acabara en tirania y por ello preparan una conjura para deshacerse de este hombre: Un grupo de conspiradores encabezados por Casio y Casca consiguen que se les una Bruto y deciden acabar con la vida de Cesar.


 Julius Caesar (El Asesinato de Julio César, 1970), filme dirigido por Stuart Burge, se trata de una de las múltiples versiones que se han rodado a lo largo de la historia del cine, adaptando la célebre obra del dramaturgo inglés, William Shakespare. Sin embargo, como tantas otras adaptaciones, esta producción de origen británico (Patrocinada por la Commonwealth United Entertainment) resulta anodina y pasó por las carteleras sin pena ni gloria, a pesar de que, eso sí, contó con un brillante reparto (que sin embargo en el filme no acaba de formar un equipo cohesionado). Aparentemente la película tenía bastantes papeletas para convertirse en un antes y un después de las adaptaciones Shakesperianas, pero la recepción crítica fue igual de fría que la propia película[1]. Curiosamente, la película contaba en el reparto con Charlton Heston como Marco Antonio, que ya había realizado el mismo papel en la versión realizada veinte años antes, Julius Caesar (Julio César, 1950), dirigida por David Bradley.


Como director se contó con Stuart Burge, que seguramente fue seleccionado por su pasado como actor teatral, así como por la adaptación cinematográfica, también de la obra de Shakespare, de Othello (Otelo, 1965), mucho más exitosa. La dirección en la película está al nivel del reparto, insustancial, y no hay ninguna escena que llame la atención desde el punto de vista de la construcción escénica. De hecho, uno de los clímax teóricos de la película, el asesinato de Julio César, resulta anémico y ni el carisma de John Gielgud (que interpreta a César y que es uno de los actores que realiza una mejor interpretación el filme) es capaz de arreglar la secuencia.

El filme se atiene a los hechos de la obra de Shakespeare prácticamente de inicio a final. Después de la batalla de Farsalia (que la película resume con una Voz en off) la película se inicia con los últimos momentos del gobierno de Julio César, durante su última estancia en Roma, cuando una gran cantidad de senadores romanos, siendo liderados por Bruto y Casio, conspiran en su contra. Después del célebre magnicidio, la película seguirá los pasos de Antonio y Octavio hasta su venganza, en los campos de Filipos. Hay que decir antes de todo que la película no sigue la historia auténtica, sino que es fiel al texto de Shakespeare. Por tanto, la visión es presentar a Antonio y Octavio como amigos sin conflictos (a pesar de que hay un momento en el filme en el que pueden verse algunos roces entre ellos) y enalteciendo en parte la labor de los asesinos Bruto y Casio, que en parte son dignificados por el discurso de Shakespeare, al mostrarlos como unos defensores de las libertades republicanas. Además, el tono teatral se impone totalmente al histórico, y eso en parte estanca al filme. Sólo en algunos momentos la película vuela más libremente, como en las secuencias de la batalla, donde la cámara deja de auto restringirse para acercarse al lenguaje más cinematográfico.


Uno de los problemas principales es que a pesar de contar con un reparto excepcional, la película no consigue emocionar en casi ningún momento. Durante el asesinato de César el espectador permanece impasible, y quizá sólo en momentos puntuales, como los discursos delante de la plebe (a pesar de que no se pueden comparar con la película de Mankiewicz) o el suicidio final se consigue levantar algo de pasión, pero por lo demás el resultado final es demasiado simple. Si alguien ya ha visto alguna adaptación de la obra de Shakespeare se aburrirá tremendamente, porque el filme no tiene demasiadas novedades que aportar, y en su aspecto clave, al jugarse casi el completo en las actuaciones del reparto, tampoco funciona, así que en general la película transcurre sin demasiadas estridencias pero tampoco sin arriesgarse en exceso. De la Roma antigua apenas se puede reconocer demasiado, ya que el filme no se estira demasiado en recreaciones y prefiere optar por una vía más intelectual, alejándose de los estruendosos Péplums Romanos de Hollywood (que en los años setenta ya no tenían la importancia que habían tenido en la década pasada) y más allá de cuatro decorados, la película podría pasar por un pieza teatral filmada.

Los conspiradores Casio y Bruto, interpretados respectivamente por Jason Robards y Derek Godfrey llevan gran parte del papel y la realidad es que su interpretación no acaba de convencer. El Bruto de Robards resulta demasiado tibio, a pesar de que se entiende el carácter dubitativo que le quiere dar el actor, mientras que Godfrey no acaba de perfilar demasiado al personaje, más allá del cliché. Por su parte, Heston cumple aunque no sobradamente.

https://www.youtube.com/watch?v=mQQh115qAME
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hay un camino a la derecha

1956 93 minutos. director: francisco rovira. Guión: francisco rovira, manuel maria saló. música: federico tudó. fotografia: salvador Torres. productora: tital Films. Reparto: Francisco Rabal, julia martinez, manuel garcía, antonio borafull, isabel de castro. Drama
Sinopsis: A su llegada a Barcelona, Miguel es despedido de su trabajo de marinero y los problemas financieros con los que se tendrá que enfrentar a partir de ese momento harán que poco a poco se introduzca en el mundo de la delincuencia. El poco dinero que hasta entonces había conseguido reunir Inés, su esposa, gracias a su duro trabajo, será dilapidado rápidamente por él.

 La película describe la caída en desgracia de un marinero, Miguel, que sin trabajo y con una mujer y un hijo que alimentar, irá deslizándose paulatinamente hacia el desánimo, la amargura, y finalmente el delito. Así, el género del filme es una mezcla entre cierto documentalismo social de corte neorrealista y la temática negra o criminal (en cierto modo, algo similar a lo que se apuntaba en "Surcos", de Nieves Conde), lográndose un acertado retrato de ambientes y personajes populares de la Barcelona de la época. Las localizaciones tienen así una importancia mayúscula, reduciéndose al puerto y los barrios del Raval y Somorrostro, todos ellos magníficamente captados por una cámara frecuentemente elevada, que filma desde los balcones amplias panorámicas de las callejuelas bulliciosas (en el Raval), o documenta el ajetreo del puerto y la miseria de las chabolas (en Somorrostro). También debe destacarse el hábil empleo que hace Rovira Beleta de la escalera interior de la casa que habitan los protagonistas, presentada así como lugar de encuentro entre todos los personajes y realidades del barrio. De este modo, bajo el envoltorio de un drama criminal, asoma un eficaz análisis de ciertas zonas y colectivos de Barcelona, que lejos de presentarse bajo el estigma del delito, aparecen retratados con naturalidad y cierto rigor documental.

Con una estructura clásica, en la que un breve prólogo acompañado de una voz en off da paso a un larguísimo flashback (prácticamente todo el metraje), el filme avanza eficazmente, ganando en oscuridad al tiempo que crece la desesperación de su protagonista, bien interpretado por Francisco Rabal, que acaba enredándose en las andanzas delictivas propias de toda ciudad portuaria, como son el robo de mercancías o el contrabando. Las mujeres tienen un peso importante en la película, pese a su subordinación característica, pues encarnan casi todos los valores positivos (la entrega, el amor, la abnegación),
 https://www.youtube.com/watch?v=35q711mE0-c
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del rosa.... al amarillo

1963 España 88 minutos. drama. Director: manuel summers. guión: manuel summers. música: antonio pérez olea. fotografia: Francisco fraile. Productora: Impala S.A. / Eco Films S.A.. reparto:  cristina galbo, pedro díez del corral, josé v cerrudo, lina onesti, maria jesús corchero, valentín de miguel, pilar gómez ferrer.
Sinopsis:
Dos historias de amor destacan en una película: dos niños de 12 y 13 años, Guillermo y Margarita, obligados a dejar de verse durante el verano, y una pareja de ancianos, Valentín y Josefa, que se aman en silencio en el asilo donde viven.


 Para empezar, he de alabar las cuestiones técnicas de este obra, impregnado sutilmente de la primera nouvelle vague, la cual a mi entender es una filmación mucho más que correcta. Pocas veces una cámara ha registrado la infancia con tanta credibilidad y aproximación. Viendo esas imágenes de la primera historia narrada por este film, esos encuadres, esos planos de niños jugando en la calle o asintiendo a clase, uno consigue meterse en la piel de un chaval, en este caso la piel de un crío enamorado y madrileño del año 63. Y si hablamos de la segunda parte, la historia de amor tierna, epistolar y casi infantil de dos ancianos en un hospicio, pues lo mismo, todo filmado con tanta naturalidad y tanto amor cómo el que quiso mostrarnos el director con su película, por que de eso debía tratarse, de darle reflejo al amor en estado puro... a mi juicio, Summers lo consiguió meritoriamente en esta película.


Con respecto a las interpretaciones, maravillosas. Los niños tienen mucha prisa por crecer, y los viejos corren para ser más jóvenes, y en ningún momento los actores, encaminados por un brillantísimo guión, me hacen dudar en lo más mínimo. Me lo creo todo.
¿Y el guión?, pues preciso, casi diría que perfecto. Quizás he de reconocer que la segunda parte, la historia de amor entre los dos ancianos, me resulta menos fluida, pero maravillosa igualmente, y con un final tan sencillo cómo fantástico.
Otra cosa que quería resaltar es el temprano uso que hizo Summers en esta película de la combinación del blanco y negro, junto con imágenes en color (o mejor dicho, filtros de color), algo muy poco frecuente en el cine de esa época, y aún menos en el español.


Por favor, vean esta película, de verdad que esta obra merece mucha más atención de la que me temo que tiene por estos fueros... y si alguien se arrepiente de mi consejo, pues que venga a tirarme un ladrillo a la cabeza, una moderna superproducción de Hollywood, por ejemplo.
https://www.youtube.com/watch?v=1CcrKFrr-9o 
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Papa Cadillac

Usa 1988 88 minutos. director: Greg Beeman. Guión: Neil Tokin. Música: Jay Ferguson. fotografia: Bruce Surtees. productora: 20 century Fox. comedia. Reparto: corey haim, corey feldman, carol kane, richard masur, heather graham, michael manasseri, harvey miller, nina siemaszmako, helen hanft, hames avery.
Sinopsis: Lex, un chico de dieciseis años a quien suspenden en un examen de conducir, decide mentir a todo el mundo y hacer creer a su familia y amigos que ya está listo para llevar el flamante Cadillac de su abuelo. La broma le cuesta dos semanas de castigo cuando es descubierto por sus padres.

 En esta comedia veraniega protagonizada por la pareja de adolescentes del momento en USA encontramos un producto bastante potable, ya que el argumento es bueno no pudiendo decir lo mismo de las interpretaciones de la mayor parte del reparto.

Se nota cierta desidia por parte del director ya que parece estar ausente , dejando a un grupo de actores mas o menos conocidos totalmente descoordinados sorprendiendo para mal una Carol Kane que años atrás trabajó con Woody Allen en Annie Hall y ahora nos muestra una pésima y sobreactuada interpretación para no desentonar con el resto del reparto adulto.


Solo se salva James Avery que con su magistral interpretación de examinador, sienta las bases del que años más tarde será su personaje más conocido en la serie el príncipe de Bell Air.

Sorprende que las interpretaciones más pasables sean las de los adolescente protagonistas de la trama sorprendiendo gratamente una Heather Graham que comenzaba en el mundo del cine , lástima que no supo evolucionar con los años quedando encasillada en un mismo rol.

El argumento es muy bueno y se presta a contar una muy buena historia, lástima que se confiara excesivamente en el tirón comercial de los protagonistas descuidando detalles tan básicos como crear un nombre para alguno de los personajes en lugar de usar el real.


Aun así el resultado es bastante llevadero haciendo al espectador sumergirse en el argumento y sentir la tensión de la trama desarrollada en unas pocas horas con un gran número de eventos que se encadenan de forma más o menos afortunada , recordando a la cinta coetánea de Scorsese ¡Jo, qué noche! pero en versión adolescente.


En cuanto a fotografía y exteriores puede decirse que han sabido reflejar la soleada california residencial, huyendo de los interiores de instituto tan normales en este tipo de comedias adolescentes.

La banda sonora es un compendio de artistas de la época, con algunos de sus temas más conocidos, cabe destacar la presencia de varios temas de Sinatra que lo cierto es que son introducidos en la trama con un gran acierto dando como resultado un gran trabajo.

https://www.youtube.com/watch?v=a4KJtDxTqWQ
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Kansas - The Prelude Implicit

Kansas - The Prelude Implicit  rock progresivo Usa 2016
Temas:
01. With This Heart
02. Visibility Zero
03. The Unsung Heroes
04. Rhythm in the Spirit
05. Refugee
06. The Voyage of Eight Eighteen
07. Camouflage
08. Summer
09. Crowded Isolation
10. Section 60
11. Home on the Range (Cover Version)
12. Oh Shenandoah (Cover Version)

Formación:
Phil Ehart: Batería
Dave Manion: Teclados
Billy Greer: Bajo
Ronnie Platt: Cantante, Teclados
Rich Williams: Guitarra
Zack Rizvi: Guitarra
David Rangsdale: Violín


Nueva obra de los Kansas que rompe un silencio que duraba ya 16 años. Vuelven a la carga por un sencillo motivo, el dinero. La banda está de aniversario y están reeditando todos sus álbumes clásicos, podrían limitarse a hacer una gira sin más pero han querido editar temas nuevos, lo cuál les honra.
Para la mayoría de los fans de la banda está es una vuelta descafeinada. Es el primer álbum sin Steve Walsh, la voz de esta banda y su alma mater, tampoco está su substituto durante un breve periodo de tiempo como fue Jhon Elefante, le sustituye Ronnie Platt y tengo que decir que es un calco de Steve Walsh y Elefante, así que su fichaje me parece todo un acierto.
Tampoco está el guitarrista y fundador de la banda, Kerry Livgren que ahora mismo vive alejado de la música y es pastor, una ausencia que ya estaba prevista y faltan su bajista Hope y su violinista Steinhardt. ¿ Quién queda aquí?  Rich Williams y Phil Ehart, guitarra y batería y nadie más.
Confieso que no daba ni un solo duro por esta formación pero al igual que los Riot V me tengo que tragar mis palabras y reconocerles que han sabido recojer el espiritu de los Kansas de toda la vida, al menos este The Prelude Implicit es un álbum mucho más interesante que los últimos tres trabajos de Kansas.
With This Heart es un tema vitalista que tiene mucha esencia de los Queen y mezclado con los aires clásicos del Leftoverture la piedra angular de los Kansas. Reaparece el violín y el piano para darle ese toque melódico a la composición. Visibility Zero es un corte mas dirigido hacia terrenos progresivos, me recuerda a los Deep Purple del Purplendicular. El cambio de ritmo y como introducen una intensidad en los riffs y en los arreglos orquestales rozando el Aor y con un momento top del violinista.
The Unsung Heroes arranca con el violín en un mediotiempo que te traslada a los setenta y a la era del rock progresivo, con similitudes a los Marillion solo que con una base rítmica más Jazz fussion y esas melodías Aor, con mucho estilo. De nuevo combinando violín y guitarra a partes iguales y con un solo de teclado muy progresivo sin perder nunca la melodía.
Rhythm in the Spirit es un corte algo mas contundente no se olvidan de rockear pero como suele ser habitual en ellos a medida que va avanzando el tema se adentran en una melodía Aor pero ojo con el riff a lo Blackmore en su época mas incendiaria en los Purple porque les queda realmente bien.
Refugee es una de las baladas del plástico es imposible no pensar en el Point of Known Return y el Monolith, te traslada a esa época de la banda. The Voyage of Eight Eighteen es un mediotiempo donde guitarra y violín unen fuerzas para recrear una atmósfera épica y progresiva. Es un corte de ocho minutos que no tiene el feeling de los anteriores cortes pero musicalmente trata de retomar la senda de gloria de los setenta, cuando los Kansas era una de las mejores bandas del planeta.
Camouflage es un cruce entre los Rainbow y Kansas, un tema melancólico y muy sentido que te traslada a otras dimensiones y ojo con su cambio de ritmo, no te lo esperas y es como entrar en otra dimensión con toque oriental y un riff pesado construyen algo completamente diferente.
Summer es un tema mas veloz y de los que mas gancho tienen. La velocidad es mas alta y es el violín quien substituye el papel del riff y lleva la melodía con un buen estribillo hacia territorios mas comerciales. Crowded Insolation me recuerda al Perfect Strangers de los Purple pero con ligero toque progresivo y finalizamos con la instrumental Section 60, el tema que contiene el mejor solo de guitarra. No me esperaba nada de los Kansas y me han sorprendido muy gratamente. Han logrado recuperar su esencia, este álbum es una mezcla de sus álbumes de los setenta y su etapa aor, sus fans estarán muy contentos.

Nota:
7,5/10

jueves, 1 de septiembre de 2016

Fotografia Estereostópica

La fotografía estereoscópica nace de la mano de la fotografía común. En 1838 Sir Charles Wheatstone publicó un artículo en el que describía la visión estereoscópica. Este descubrimiento pudo aplicarse pronto al nuevo invento de moda en la época.
Se basa en la visión humana y en la separación de, aproximadamente, 65 mm. que existe entre nuestros ojos. Éstos reciben cada uno una imagen diferente que el cerebro une creando el efecto de tridimensionalidad.
Las cámaras estereoscópicas de la época tenían dos objetivos que impresionaban las placas sensibles con dos imágenes diferentes. Este tipo de cámara fue perfeccionada y comercializada por Sir David Brewster en 1851.
Para conseguir la visión en tres dimensiones se inventó un aparato llamado estereoscopio. Con él se ponen las fotografías una al lado de otra y pueden ser vistas de manera que el cerebro las integre en una sola.
Los grandes estudios y fotógrafos como J. Laurent o Roger Fenton pusieron de moda este tipo de fotografía.
El grueso de estas imágenes data de finales del siglo XIX y llegan hasta 1910 aproximadamente. La mayoría de ellas muestra animales exóticos, mamíferos poco conocidos, paisajes, etc. Personajes como La Reina Victoria de Inglaterra fueron retratados con este sistema. La mayor producción de fotografías estereoscópicas estaba en Nueva York, Berlín y Londres.
Existen muchas técnicas distintas para lograr hacer llegar cada imagen al ojo que le corresponde. En la creación de estas sensaciones espaciales intervienen aspectos tanto de la visión monocular como de la visión binocular. Éstas características son potenciad artificialmente para conseguir "recrear" la denominada tercera dimensión.
Las técnicas básicas que no requieren ningún aparato son: la de ojos cruzados (cross eyed) y la de ojos paralelos (parallel eyed), en estas simplemente se ponen en la pantalla o papel las dos imágenes, correspondientes a cada ojo una al lado de la otra; para la técnica de los ojos cruzados la imagen izquierda corresponde al ojo derecho y viceversa, en la técnica de los ojos paralelos la imagen de la izquierda corresponde a ese mismo ojo y viceversa. Para lograr que cada ojo vea la imagen que le corresponde se requiere de algo de entrenamiento, que puede durar varios minutos, al principio se ve borroso porque el ojo usa un enfoque lejano, esto se puede mejorar alejándose de la imagen -pueden intentar con la imagen al inicio de esta página al lograrlo la mano que apunta pareciera salirse de la pantalla-. Ya con la vista entrenada se logra ver el efecto de forma instantantea y sin ninguna borrosidad, lo que en principio es banstante impresionante, claro que depende de lo que se esté viendo. Entre las ventajas de esta técnica están en que la imagen estereoscópica se ve en color verdadero y que se pueden ver imágenes o videos de cualquier tamaño.

Sin embargo, para el que no lo logre hay otras formas muy económicas para ver el efecto, se puede usando dos prismas como los que traen los binóculos por dentro, colocando los extremos de 90 grados en frente uno del otro y mirando con cada ojo a través de cada prisma, con los lados más largos perpendiculares a donde estén desplegadas las dos imágenes para cada ojo. Luego tratar de cambiar el ángulo de los primas de forma tal que las imagen de un lado quede sobrepuesta a la del otro, inicialmente se ven dos imágenes en cada ojo pero cuando se sobreponen a pesar de que el ajuste no sea exacto en sistema de corrección del ojo hace su trabajo y mantiene la sobreposición a pesar de que el ajuste tenga algo de error, como resultado se ven solo tres imágenes donde la del centro da la ilusión de salirse de la pantalla y de ser algo real. Lo mismo se puede hacer con dos espejos pequeños así: colocándose mirando alrededor de 45 grados de la pantalla y mirando a través de los espejos buscar la superposición para lograr el efecto. También se puede ver el efecto usando un solo espejo grande poniéndolo en la intersección de las imágenes correspondientes a cada ojo, y mirando directamente a una de las imágenes y a la otra a través del espejo, sin embargo se requiere que la una imagen este invertida para que al verla por el espejo se vea correctamente(en YouTube se pueden encontrar varios videos 3d que usan estas técnicas). Existe además un aparato basado en esta misma técnica pero algo más refinado llamado estereoscopio que consta de dos espejos para cada ojo, para que las imágenes no se vean invertidas, y que tiene un pivote de ajuste dependiendo de la distancia y el tamaño de las imágenes, construir un dispositivo de estos es bastante fácil.
Existen además otras tres técnicas principales que permiten simular el efecto estereoscópico (3D): método anaglifo, sistema Cromatek y efecto Pulfritch: