miércoles, 26 de noviembre de 2014


un dollar entre los dientes

86 minutos. Italia. 1967. Spaguetti- western. director: Luigi vanzi. Música: benedetto giglia. Guión. Giuseppe Mangione , Warren Garfield. Fotografía: Marcello Masciocchi. Productora: Coproducción Italia-USA; Primex Italiana / Taka Productions. Reparto: tony anthony, jolanda modio, gia sandri, raf baldaserre, salvatore puntillo, arturo corso.
Sinopsis:
Un extraño llega a una ciudad desértica fronteriza, en donde es testigo de cómo unos bandidos matan a un regimiento del ejército mexicano, los cuales ocupan el lugar de los soldados en un lucrativo contrato con el ejército estadounidense. El extranjero es contratado por los bandidos para que sean 'identificados' como federales, pero cuando él haya hecho su trabajo, el jefe de los bandidos tratará de eliminarlo
la pelí conforma la trilogía de la saga del extranjero un enigmático pistolero, parco en palabras, que se dedica a olfatear dónde hay oro.
Es un film muy parecido a la trilogía de Leone, con sus virtudes y defectos, analizemolos. La peli arranca de muy buena forma, original. El extranjero llega al pueblo, y aparecen unos soldados mexicanos, hay una procesión, de repente los penitentes se sacan la capucha y disparan contra los soldados, son los bandidos mexicanos.
Aquí se produce la primera escena original. Está muy bien la sorpresa de la procesión, y la presentación de los bandidos mexicanos, también es un film violento, en el que se ejecutan a todos los soldados mexicanos por la espalda..... por cierto fatal rodado, parece una coreografía de ballet, y se ahoga a un cura, muy fuerte. Además hay un personaje cómo el de marinero, que es el segundo de los malos, después de Águila, que me recuerda al klaus Kinski con chepa.
Antes de esa escena, el extranjero y el bandido mexicano llegan a un acuerdo para engañar al ejercito americano y quedarse con el oro. Por supuesto a la hora del reparto, no van a estar deacuerdo, así que lo resolverán a tiros. Es dónde falla la película, para mi gusto, en las escenas de tiroteos, se nota la escasa experiencia de su director, son resueltas de manera muy torpe. No llegan a un acuerdo, y El extranjero, se escapará.... no sabemos cómo del caserón, y se iniciará una persecución minutera por el desierto..... otro error de la peli, la banda sonora..... es que no se sostiene, te ponen una banda sónora más propicia para una comedia en plenas persecuciones o tiroteos.
eso es lo que le tengo que achacar a la película, una increible torpeza a la hora de rodar las escenas de acción. Había presupuesto, había un guión interesante, había secundarios y medios.... faltó un poco la pericia del director, más destreza para rodar estas escenas, la muerte de los soldados mexicanos a manos de los bandidos es cero creible y caótica, cómo la escapada del extranjero, y un poco también sin pies ni cabeza toda esa persecución por el desierto. Pero es una peli, típica de la caza del ratón y el gato, dos personajes muy bien definidos que sabes que va a ver entre ellos un duelo final, y por eso te tienen atrapados, además la peli tiene una violencia y contundencia brutal.
una peli que perfectamente podría ser muda. Trata de recrear un poco el ambiente de la trilogía del dollar, menos dialogos, y más atmosfera, más miradas retadoras, cabalgadas, mucho polvo, desiertos, y violencia por un tubo. La peli está dividida en tres partes: el trato ( original aúnque mal rodada) la cabalgata por el desierto y cómo Águila encuentra al extranjero, dándole una buena tunda, hasta que este se escapa, quizás la parte menos creible y más floja. Y por último la más interesante, el duelo final, ese si que es una maravilla. y te recuerda a los duelos finales de la época dorada del spaguetti western. Dos hombres cara a cara, el polvo sacudiéndoles la cara, el pueblo desierto, y una mina cerca, el extranjero va tirando carretas y Águila pensará que va algún regalo en ellas, y dispara a quemarropa. Metralleta contra revolver, me recuerda a esa clase de spaguettis que van sobre  pistoleros ingeniosos con recursos. Me gusta mucho el final. Águila es un asesino pero necesita que le hagan la pelota, ¿ que soy? siempre le pregunta a su segundo, un hombre justo le responde. Le devolverá el extranjero la pregunta, ¿ quién soy?
Emulando mucho a la trilogía, con fallos en el guión, y sobre todo fallos en el rodaje de las escenas de acción. Pero un spaguetti de la época dorada: escasos dialogos, mucha acción y momentos realmente originales, violencia, y un final original...... me gusta.
https://www.youtube.com/watch?v=DG5KES47EXo
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de nuevo gracias a Walter por subir estas películas y gracias a 800 spaguetti western por guiarnos en el mundo del spaguetti a los novicios.

requiescant

1967. Spaguetti western. 92 minutos. director: carlos lizzani. guión: Armando Crispino, Lucio Battistrada, Andrew Baxter, Adriano Bolzoni, Franco Bucceri, Arnold Elias, Denis Greene, Renato Izzo, Frank Mills, Pier Paolo Pasolini, Edward Williams. Música: riz ortolani. fotografía: Sandro Mancori. Productora. Coproducción Italia-Alemania del Oeste; Castoro / Istituto Luce / Tefi Film. Reparto: Lou castel, mark damon, pier passolo pasolini, barbara frey, rossana martini, luisa baratto, nineto davoli, carlo palmucci, vittorio duse, carlo palmucci.
sinopsis: Tras la muerte de sus padres en una masacre dirigida por Ferguson (Mark Damon), un niño mexicano (Lou Castel) es adoptado por un pastor evangélico, que lo educa en el uso de las armas. Cuando se hace mayor, intenta rescatar a su hermana adoptiva, que se ha escapado con una compañía de variedades y ha caído en las garras de Ferguson.
Requiescant es un solitario pistolero que no se detendrá ante nada para vengarse del hombre que estuvo detrás de la destrucción de un pequeño pueblo mexicano.
Un violento y algo surrealista espagueti wéstern, cuyos resultados se antojan superiores a la media, pese a que sus ambiciones fueron bastante mayores que sus medios. Estuvo dirigido por Carlo Lizzani (“Arroz amargo”) y tuvo entre sus protagonistas ni más ni menos que al cineasta Pier Paolo Pasolini
empezemos por el principio es una película que tiene el clásico inicio del spaguetti western. Un niño que contempla una masacre, cómo unos soldados norteamericanos fusilan a traición a un pueblo de mexicanos. Tenemos la clásica historia, de niño que queda tocado por la desgracia y que crece con la idea de vengarse del agresor.
la dualidad en el personaje es algo que ya vimos en muchos spaguetti. Criado por un pastor evangélico, el pistolero central requiescant ( descanse en paz en latín) te ajusticia con su revolver y después te suelta su oración.... me viene a la cabeza reverendo colt de Klimovski.
historia de venganza. Niño que se hace hombre y que por casualidad encuentra al asesino de sus padres, al final acaba sabiendo la historia y se produce el duelo final. Pistolero con dualidad, mitad asesino mitad religioso, de momento es lo que tenemos. Sigamos sumando: escenarios: ricos en mátices, también con mucho secundario, y bien rodadas los duelos, con un toque crudo, bizarro y violento adiccional, esto son los 3 puntos que quiero destacar del film, con la presencia de Damon.
mark damon encarna al terrateniente Fergunson que sirviendo al ejército comete una matanza de mejicanos para quedarse con sus tierras. Mientras tanto, requiescant es adoptado por una familia de un cuaquero, y es inculcado en la religión, su hermanastra desaparece y el va en su búsqueda. Al encontrarla, ella ejerce la prostitución, obligada por un hombre de Fergunson, Light. Ya tenemos el lío echo.
el personaje más interesante es el de Fergunson. Es el clásico Nordista en algunos aspectos. Esta a favor de la esclavitud, según él, hay hombres que nacen para mandar y otros para servir. Mantiene que las mújeres son seres inferiores que sólo sirven para procrear. Ahí es cuando te das cuenta de que el director, quiere jugar con la ambiguedad, notas que el personaje al soltar esto sobre las mújeres, nos quiere hacer ver que Fergurson es en el fondo un hombre ambiguo y que simplemente se postula de tal o cual manera, para tapar su verdadero yo, su verdadero yo es la ambiguedad sexual que mantiene con su segundo.
si, se sale bastante del spaguetti western, este estilo de personajes. Hasta ahora os conté los puntos fuertes de la película, que son los cuatro comentados: la historia de venganza, la dualidad del pistolero, lo elaborado que está el personaje del malo muy complicado psicologicamente, y lo bien rodadas que están las escenas de acción con planos desde arriba.... aunque les falta algo de tensión, la banda sonora tampoco ayuda a que haya esa tensión. Entre las cosas buenas, también habría que comentar que es una película muy ambiciosa.
es una película muy ambiciosa, porque quiere tratar varios temas con rigor. Cómo es el de la esclavitud, osea no es el típico spaguetti western, que te trata de una historia de venganza sin más. En requiescant, hay un intento de tocar temas más profundos. Todos los personajes juegan con las cartas marcadas, todos o casi todos tienen una historia detrás, bastante enriquecedora que se va tejiendo poco a poco. En muy pocas películas vas a ver a soldados americanos asesinando inpunemente a la población civil, valoró el intento del director, esta valentía que tuvo, y el intento de crear una película muy seria, sobre la esclavitud, y la mujer y su larga lucha por la liberación y la igualdad de condiciones.
tiene alguna escena memorable cómo es el duelo que mantienen Fergurson contra Requiescant completamente borrachos. Me recuerda.... muy de lejos a Marlon Brando y Saxon en appaloosa. Hay unas cuantas escenas memorables.
En cuanto al reparto.... ni fu, ni fa. El actor que encarna a requiescant, no me cuadra, no me transmite ninguna emoción. En cambio damon está muy bien en su papel del malo de la película, personaje ambiguo, idolatra y con los pies de barro. También el actor que encarna a Light lo clava, y juega con la ambiguedad sexual, muy bien las mújeres tambien.
pero...... siempre hay un pero, ¿ verdad? no me acaba de convencer del todo la película, aunque tengo que decir que la ví 3 veces, y con los visionados va ganando y sobre todo, aunque el resultado final no es convincente, valoras la ambición de su director, una ambición que se puede confundir con querer ser pretencioso, aunque yo no lo veo, esto último. Está muy bien que el director pretenda crear algo totalmente nuevo, algo complejo, lanzarnos mensajes. Pero estamos en el spaguetti western, no estoy diciendo que en el mundo del spaguetti western, no se pueda tocar temas serios, ahí está el gran silencio, entre otras para desmitificar la supuesta sencillez y cutrez de este bendito género.

En el spaguetti se puede tocar temas serios, pero siempre manteniendo el ritmo narrativo, este género se caracteriza precisamente por eso, el sentido del ritmo. Y es de lo que adolece esta película, tiene dósis de violencia extra, tiene moralina, tiene extras, tiene escenarios diversos, pero es que le falta ritmo. La película por momentos se hace lenta y algo pesada, debido a la lentitud de la película, y la inconexión del guión, por momentos es cómo si quisiera crear una obra muy coral, para darnos precisamente una visión global de todo, es esto en lo que falla para mi gusto. Descuidando el aspecto principal que tiene la película, una historia de venganza, dos personajes condenados a batirse en duelo.
No olvidemos el inicio de la película, el clásico del spaguetti, por el medio la película se pierde bastante y esta a caballo entre la historia, el drama, perdiendo el sentido del ritmo, y jugando mal su gran baza cómo era el duelo, porque el final carece de la suficiente fuerza, falta algo de chispa. Aun así, valoro mucho este spaguetti, de ahí la extensa crítica y yo le daría un 6.
https://www.youtube.com/watch?v=h_pzQGrXCUU
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el valor de un cobarde

1969. spaguetti western. director: leon klimovsky. 93 minutos. Italia. guión. Manuel Martínez Remís. Música: pietro uliamini. fotografía: guiseppe de la torre. productora: Coproducción Italia-Epaña; Cines Europa. reparto: steven tedd, sarah ross, german cobos, alfonso rojas, roberto camardiel, diana sorel, alfonso de la vega, jose marco.
sinopsis: Un grupo de forajidos, haciéndose pasar por leprosos, asalta un banco sin que nadie intente impedirlo. Se refugian en una solitaria parada de postas donde intentan averiguar quien de ellos les ha traicionado quedandose con el dinero.

Tras apoderarse de 500.000 dólares, una banda de forajidos se oculta en un pequeño pueblo del oeste, donde someten al vecindario a toda clase de humillaciones, sin que nadie intente impedírselo. Sólo Bill, el cobarde del lugar, terminará haciéndoles frente. Y todo por salir en defensa de la mujer que ama en secreto.
Un espagueti wéstern rutinario que intenta evocar un sinfín de referentes estadounidenses y en el que lo más destacable termina siendo la rotunda presencia de Sarah Ross (“Los profesionales del oro”).
el ocaso del spaguetti. Cuando te dicen que lo mejor del film es la belleza de sarah ross, es que queda todo dicho. Intenta ser un spaguetti, que le de cierto protagonismo a su actor principal y que vaya desarrollando su personalidad a medida que avanza la cinta. Es un cobarde, si, pero por amor está dispuesto a plantarle cara a los forajidos. Un spaguetti blando, muy menor.
una historia simple. Bandidos entran al pueblo y hacen los que le da la real gana, hay escenas de violencia gratuita, pero nada comparadas con otros spaguetti, es más es un spaguetti que rinde culto al western americano, cómo la mayor parte de la producción de leon Klimovsky. El personaje central que se enfrenta a ellos, una historia de amor por el medio.... y el enfrentamiento final. Muy básico todo. No hay demasiado protagonismo para los secundarios, el guión es lo que más flojea. Es un cutre intento de emular grandes spaguettis con el western americano. El resultado es bastante pobre, peli de bajo presupuesto, banda sonora de lo más corriente y por momentos con metraje por meter y algo aburrida. Lo mejor sin duda, los secundarios perse al mal guión, hay unos cuantos rostros muy conocidos en esto del spaguetti en esta película: german cobos, alfonso rojas, roberto camardiel, diana sorel, alfonso de la vega, jose marco... bastante buen plantel, pena que falle el guión.
https://www.youtube.com/watch?v=LOEJzQ8pWg0
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pastel de sangre

1971. España. Terror. 89 minutos. director: francesc bellmunt, jaime chávarri, emilio martínez lázaro, jose maría calles. Guión: Francesc Bellmunt, Jaime Chávarri, Emilio Martínez-Lázaro, José María Vallés. Música: juan Pineda. Fotografía: Luis cuadrado. Productora: teide p.c. Reparto: miguel bordoy, Jaime chavarri, Jose lifante, Carlos Otero, Charo lopez, Eusebio Poncela, Marisa Paredes, Julian Ugarte, Romy, fernando rubio.

sinopsis: Película compuesta por cuatro historias: "Tarota", "Victor Frankenstein", "Terror entre los cristianos" y "La Danza". Todas las historias giran entorno a un tema, "el terror a través de la historia".
 Rareza no ya dentro del fantástico español como del cine español en general, recordada por formar parte de la moda de las peliculas de sketches o por episodios, la cual había obtenido durante la década anterior interesantes resultados en Italia, Francia y Gran Bretaña, y porque los cuatro relatos que la componían corrieron a cargo de otros tantos nuevos realizadores
interesante película. Por capítulos, emulando la moda americana, nos regalan cuatro historias de terror, que van desde lo clásico en la línea casera y tradicional de la Hammer, pasando por las nuevas tendencias más psicológicas y bizarras que provenian de Alemania. Cuatro directores que estaban empezando, que nos regalan historias de la inquisición, de vampiros cómo no, de Frankestein.... muy interesante, moviéndose entre lo clásico y lo psicodélico.
el reparto también llama la atención. Tenemos al señor Lifante..... un actor eternamente secundario que me encanta. Con esa cara, vale tanto cómo para hacer de criado pusilamine cómo hacía en la escopeta nacional, cómo de Vampiro en horas bajas, un clásico entre clásicos este gran actor. Tenemos curiosidades cómo la jovén Marisa Paredes y Charo López, tenemos primera aparición en el cine de Eusebio Poncela, hay más que argumentos para rescatar esta película. Si tuviera que quedarme con un capítulo, elegiría la Danza.
https://www.youtube.com/watch?v=IyCebahnaFE
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la decisión de Sophie

1982. Usa. Drama. 1957 minutos. Director: alan j. pakula. fotografía: Néstor Almendros. Música: martin Hamlich. Guión: Alan J. Pakula (Novela: William Styron). Productora: Universal Pictures / ITC Entertainment. 5 nominaciones al óscar, óscar a Meryl streep. Reparto: Meryl streep, kevin kline, peter macnicol, rita karin, jhon rothman, josh mostel, eugene lipinski.

Sinopsis: Verano de 1947. Stingo, un joven aspirante a escritor, se instala en una pensión familiar de Brooklyn. Su tranquilidad se verá pronto turbada por la terrible discusión de una pareja que vive en el piso de arriba. Cuando conoce a los amantes queda cautivado por su encanto y simpatía. Ella, Sophie Zawistowska, es una hermosa emigrante polaca y católica. Él, Nathan Landau, un encantador y desequilibrado científico judío. Poco a poco, Stingo se convierte en su mejor amigo. Sophie, hija de un ilustre profesor polaco, sobrevivió al campo de exterminio de Auschwitz, pero vive atormentada por su pasado.
 , trae a colación un tema recurrente dentro de la cinematografía contemporánea: la segunda guerra mundial, algo que en apariencia podría reducir el atractivo de esta película. Pero lo que hace distinta a “La decisión de Sophie” es que, lejos de contarnos historias de supervivencia, narra con sutileza y elegancia la forma en que los recuerdos pueden llegar a dominar una vida, manejarla a su antojo y finalmente, destruirla lentamente. Es una película sobre la resonancia del pasado en nuestro presente y futuro. No es un filme optimista. Aquí no veremos esperanzadoras escenas de redención y triunfo. Tan sólo seremos testigos de la lucha interna de una mujer atormentada por el dolor, la impotencia y la rabia.
meryl streep está soberbia. Es la mujer de las mil caras y mil facetas. La que se considera mala madre, la mala amante, la que depende de un loco absoluto para mantener su propia cordura, con este papel se coronó cómo una estrella absoluta.
hay un tramo dónde Sophie se confiesa con su amigo Stingo. Ahí tenemos un vistazo al pasado, un revival, de el porqué Sofie es así, y aguanta las locuras de su novio. Su pasado en un campo de concentración nazí, el holocausto judío en Polonia, genocidio, imágenes de una crudeza pocas veces logradas. Y es que no nos cuentan esto, para decirnos que Sophie es una superviviente, o que quiere venganza por lo que le pasó, no. Es una peli real, que nos cuenta porque Sophie está tocada, y el pasado marcará su presente y fúturo, atrayendo a gente que lee en sus ojos la desesperación, es una mujer que atraé la fatalidad.
¿ no es recuerda Sophie a la Faye Dunaway de Chinatown? a mi si. Mujer fatal, que no sabes nunca ni cuando miente ni cuando dice la verdad.... si es que la verdad tiene algún signifcado para ella, se construye una red de mentiras para olvidar lo que le hace daño y justificarse.
me gusta el papel de Stingo, escritor californiano, que vive en una pensión y es seducido por esta extraña pareja, y sus continuos vaivenes, amorío loco, desesperación total y odio absoluto. Es atrapado por ellos, y ejercerá de árbitro en algunas veces, de defensor de Sophie en otras, y de mero espectador en otras. Impotente ante dos personalidades tan complejas, el, un ser inestable, capaz de adorarte en el extremo y de mirar sólo por ti, y de querer pegarte al día siguiente, inventándose que te acuestas con su mujer. Ella, todo ternura y silencios, que oculta algo que la atormenta, en realidad inconscientemente quiere seguir sufriendo, por eso es adicta a su novio, porque mediante el dolor psicológico que le inflinge el, quiere pagar las deudas que contrajo con sus hijos, película muy psicológica.
Así que quedamos en que Stingo es un mero espectador, al que se le escapa la situación de las manos cómo la arena del reloj. Simplemente asistirá al fatal desenlace.
Kevin Kline es el pintoresco novio de Sophie. Dice ser un médico, investigador que van a otorgarle un nobel. Todo mentira, simplemente es una rata de bilbioteca, amante de los clásicos, con mierda pseudointelectual en el cerebro. Adicto a la cocaína, con doble personalidad, pasajes histéricos,  esquizofrenia en una palabra. Genial interepretación, con momentos superlativos, de la loca actividad y de loco positivismo, sólo puede tener un esquizofrénico, incluso de genialidad.  Y esas recaídas brutales, dónde desconfia de todo y de todos, y o intentará acabar con su vida, o con la de su novia o su íntimo amigo.
Un triángulo maravilloso, con 3 personajes muy distintos y complejos, que nos ofrecen una clase magistral de todas las emociones que puede albergar el ser humano, Sophie es el alma mater de esta película, y cómo os decía antes tiene la fatalidad pintada en el rostro. Película que levanta ternura, que hace pensar y es también muy cruda, película muy triste. Pero profunda, con 3 actores en estado de gracia, que se vacían ante el caramelo que les regala su director, obra maestra.
http://flvpeliculasnew.blogspot.com.es/2013/03/la-decision-de-sophie-1982-espanol.html
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isadora

1968. Inglaterra.  Músical- años 20. 138 minutos. director: karel reisz.  Guión: Melvyn Bragg & Clive Exton. Música: maurice jarre. fotografía: larry pizer. Productora: universal pictures. Nominada al óscar por mejor actriz. Reparto: vanesa redgrave, james fox, jason robards, Ivan tchenko, vladimir leskovar, cynthia harris, tony vogel, ronnie gilbert, libby glenn,. wallas eaton.
Sinopsis: Retrato de la atormentada vida de la bailarina Isadora Duncan, una mujer precursora, a quien la danza y el ballet moderno le deben su razón de ser actual. Durante los años 20, transformó con su baile el panorama artístico mundial
esta es la película sobre la vida de Isadora Duncan, debería antes hablaros de esta mujer. Bailarina norteamericana. Hija de un matrimonio desunido y finalmente divorciado, su instinto la inclinó hacia el baile desde niña. En su autobiografía, titulada Mi vida, escribió: "Nací a la orilla del mar. Mi primera idea del movimiento y de la danza me ha venido seguramente del ritmo de las olas..." A los diez años abandonó la escuela para dedicarse a su pasión y a los diecisiete se dirigió a Nueva York, donde se incorporó a la compañía de Agustin Daly.

Durante su etapa londinense Isadora, siempre inquieta y autodidacta, pasa largas horas en el museo británico. Le fascinan las expresiones artísticas de la grecia  clásica, y muy especialmente los vasos decorados con figuras danzantes. De ellas adoptará algunos elementos característicos de su danza, tales como inclinar la cabeza hacia atrás como las bacantes. Es en esta época cuando comienza a consolidarse el estilo único de Isadora. Se trata de una danza muy alejada de los patrones clásicos conocidos hasta entonces, incorporando puestas en escena y movimientos que tenían más que ver con una visión filosófica de la vida ligada quizá al expresionismo (línea de pensamiento artístico incipiente por aquella época), y por tanto a una búsqueda de la esencia del arte que solo puede proceder del interior. Isadora era plenamente consciente de que su estilo suponía una ruptura radical con la danza clásica, y en este sentido se veía a si misma como una revolucionaria precursora en un contexto artístico de revisión generalizada de los valores antiguos. Al mismo tiempo que su estilo se iba consolidando, Isadora estudiaba en profundidad la danza y la literatura antiguas a través de los museos, particularmente el Louvre  de París, la national gallery de londres  y el museo rodin.
Los temas de las danzas de Isadora eran clásicos, frecuentemente relacionados con la muerte o el dolor, pero en oposición a los asuntos de la danza clásica conocida hasta entonces, que giraban en torno a héroes, duendes y trasgos. Su puesta en escena era también revolucionaria, y en cierto sentido minimalista: apenas algunos tejidos de color azul celeste en lugar de los aparatosos decorados de los montajes conocidos hasta entonces y una túnica vaporosa que dejaba adivinar el cuerpo y entrever las piernas desnudas y los pies descalzos, frente a los vestidos de tutú, zapatillas de punta y medias rosadas de rigor en el ballet clásico. Isadora bailaba sin maquillaje y con el cabello suelto, mientras que lo habitual en aquella época era maquillarse a conciencia y recogerse el pelo en un moño o coleta. Es comprensible que el estilo de Isadora chocase en un principio al público del momento, acostumbrado al lenguaje de la danza clásica. Isadora hubo de aguantar abucheos e interrupciones de diversa índole en sus sesiones de danza durante algún tiempo, siendo notable en este sentido la polémica que se desató durante una gira por  américa del sur  en 1916.. Su muerte sigue siendo un mito a desentrañar, que lo publicaré en otra entrada.
la película tiene una buena escenificación, buen vestuario, nos creemos que estamos en los años 20, respeta bastante el mundo de la danza y es fideligna a la vida de Isadora Duncan, aunque no se moja mucho en los aspectos más controvertidos de su vida.
Isadora es una mujer que se quiso empapar de la época en la que vívia, una época de cambios, sin llegar a politizarse del todo, pero embuida por los cambios. Simboliza un poco a una mujer que se adelanto a su época, los aires de cambio para la libertad femenina. No está mal la peli, sobre todo si te quieres acercar a la figura de esta bailarina, buena interpretación de vanesa redgrave.

https://www.youtube.com/watch?v=hgE8GfY97S0
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desafío a la muerte

2007. Usa. 101 minutos. thriller. director: simon fellows. fotografía: Douglas Milsome. Guión: Dan Harris, James Portolese. Música: Mark Sayfritz. productora: Coproducción Alemania-GBR-USA-Bulgaria; Millenium Films / Nu Image / Bellpark. Reparto: Jean Claude Vandamme, sthepen rea, adam leese, selene giles, gary mcdonald, rachel mcgrant, alana maria, dejan angelov.
sinosis: Anthony (Van Damme) es un sucio y corrupto policía enganchado a la heroína, a quien todo el mundo odia y desprecia. Después de estar a punto de morir en un tiroteo, entra en estado de coma. Meses después se recupera y consigue una segunda oportunidad para corregir sus errores del pasado.
curiosa película, vamos primero con el argumento: polis corruptos, un clásico. dos tirateos bien rodados, pero ya advierto que no hay patadas ni kung fu ninja master en esta peli, Jean Claude, quiere ser actor y vaya si lo consigue.
predomina el drama sobre la acción. Jean Claude es un policia a la deriva, su matrimonio hace aguas y el tio es un alcohólico y un yonky. Antólogicas las escenas dónde se chuta, es que lo clava. A mi no sorprende la versatilidad de Jean Claude, siempre me pareció más que un experto en artes marciales metido al cine. En la primera parte, tenemos a un hombre destrozado por sus excesos y con la vida a la deriva, y se sale de la pantalla, nos lo hace creer.
cuando pensamos que Jean Claude a tocado fondo, le pega el malo de la peli un tiro en plena cabeza. Las imágenes de Jean Claude en coma y cómo le extirpan la bala del cerebro, no son actas para cardiacos. Después de meses en coma es cómo si volviera a nacer? pues no, porque jean claude seguirá a punto de tocar fondo una y otra vez, sólo que está vez tiene la decisión de retomar lo que dejo inconcluso.
la estética del film cuidada, ambientada y muy bien por cierto en New Orleans, peli violenta, que tiene momentos en la dirección interesantes cómo jugar con el blanco y negro y jugar a meternos en la cabeza del protagonista. Correcta película en la que Vandamme nos recuerda que no sólo es un experto en artes marciales sino un buen actor, un actor cuyo pecado fué elegir malos papeles, y permitir que le encasillaran sin más.
https://www.youtube.com/watch?v=5xqAK32RzjQ
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la casa sin fronteras

España- Intriga. 1972. 92 minutos. Director: pedro olea.  Guión. pedro olea ( historia: jose agustín) música: Carmelo A. Bernaola. Fotografía: Luís cuadrado. premio en el festival de berlín 1972 a la mejor película. Productora: Amboto Producciones Cinematográficas. Reparto: tony isbert, geraldine chaplin, viveca lindfors, patty sheppard, julio peña, luis ciges, maria arias, eusebio poncela, jose orjas.

sinopsis: Daniel, un joven de provincias que llega a Bilbao en busca de trabajo, conoce a un anciano que le hace un extraño encargo: debe encontrar a Laura, una chica que ha sido captada por una organización llamada ‘La casa sin fronteras’. Crítica encubierta al Opus Dei.


esta es una muy interesante película. Me encanta el cine español de los años setenta, que no se porqué siempre fué asociado con el destape cuando se practicaron otros géneros mucho más interesantes. Esta es una peli que emula en cierto sentido a las películas de la hammer.
el guión es confuso, y el ritmo narrativo es lentisimo, aveces incluso desesperante, los medios son muy escasos, obviamente estos son los defectos de la película. Un chico jovén de provincia que va a la gran ciudad en busca de trabajo, es captado por una asociación secreta llamada la casa sin fronteras. Asociación secreta que nunca sabremos a que se dedica, pues la peli simplemente dejá caer cosas, es una crítica muy primitiva y alejada de lo que eran las sociedades secretas de la época. Tan sólo sabemos dos cosas de la asociación, bueno tres. Se llama la casa sin fronteras, porque siempre acabarán dando contigo si te escapas. le dan un nombre falso a cada miembro que ingresa, para que olvide el suyo y se olvide de que tiene pasado, y viva sólo para esta secta. Y por último y de la forma que abre la película, el castigo por desobedecer o intentar escaparse es la muerte: estar atado a una silla desnudo y que los miembros de la asociación te claven pequeñas dagas en puntos no vitales hasta que mueras desangrado.
Franco aún estaba vivo, y el cine simplemente se empababa de la realidad de la calle, la nueva sociedad, la pobreza, ( el nacimiento fúturo del cine kinki) el cine de concienciación política, el despelote fruto de la represión sexual franquista, el cine de otros géneros exportados de otros países: western, terror.... España se empapa de la serie b, gracias a directores cómo Jesús franco.
Otros cómo eloy de la iglesia le dieron a absolutamente todo: cine kinki, cine de terror, suspense, erótico.... y saco a colación eloy de la iglesia porque esta película me recuerda a cannibal man, la semana del asesino del gran eloy.
una película de ritmo narrativo muy lento, sin acción ni grandes momentos de tensión salvo los de la tortura rodados de una manera muy light, para escapar de la censura, siempre hay que leer esta peli entre líneas. Pero me gusta la ambientación, esas pensiones de mala muerte, esa España tan miserable. En cuanto al reparto: Tony Isbert, que te hacé de guaperas, de currante de provincias, pelis de terror, históricas, un cuatro por cuatro que siempre cumple. Una musa cómo es Geraldine Chaplin que sería la musa de Saura, y míticos de la escena española cómo Luís ciges, y la curiosidad de ver a actrices extranjeras cómo patty sheppard o vivenca langdfords, o la curiosidad de ver a jose orjas en un papel tétrico, es muy curiosa.
https://www.youtube.com/watch?v=gxtS3tJrmjA
película completa en español

malenka

1969. España. Terror. 98 minutos. Director: Amando de Ossorio. Guión: Amando de Ossorio. Música: carlo savina. Fotografía: fulvio testi. Productora: Coproducción España-Itallia; Cobra Films / Felix Cinematografica / Tritón P.C. / Victory Films. Reparto: anita ekberg, john hamilton, diana lorys, julian ugarte, gianni medici, fernando bilbao, Paul muller, adriana santucci, Aurelia Treviño, Juanita ramirez.

Sinopsis: Cuando una doncella llega al castillo que ha heredado, lo encuentra habitado por gentes extrañas: un noble y unas mujeres que parecen vampiresas.
Esta es la primera película de terror de Amando de Ossorio. Antes había echo spaguetti westerns, y las clásicas comedias y películas de flamenco, en el terror, encontró acomodo, malenka, no es una mala peli, pero aún está muy alejada de sus grandes clásicos.
dos curiosidades, si, es la típica película setentera sobre vampiros. Actrices que te hacen desde comedias, destape, erótico, ligeras de ropa seducidas por un vampiro que se quiere vever su sangre. Pero está bien dirigida, no hay fallos graves en el guión,con unos medios muy justos, logra su propósito. Además la curiosidad es que Amando se adentra en el género del vampirismo, e intentando dar una base científica a este asunto, es lo más interesante.



Una jovén que se va a casar ( anita ekberg) descubre que a heredado un castillo y lo va a visitar.  Cómo siempre, cuando llega al pueblo todos se santiguan, ella desconoce el motivo. La cosa se pone interesante cuando conoce a su tio, que le dice que su abuela falleció en la hoguera acusada de brujeria, también anita ekberg descubrirá que su madre falleció y que está enterrada en la cripta del castillo.
me gusta el drama familiar que encierra esta película, el inicio está muy logrado, cómo los decorados. El vampiro ( su tío) le enseña el panteón familiar y ella queda levemente tocada del ala. Le obliga a cortar con su novio por carta, y este extrañado acudirá a su rescate. Esto es lo mejor de la peli, la utilización de las sombras, el guión al principio, a medida que va avanzando la película surgen defectos. Cómo las peleas entre vampiresas llena de erotismo, y es que toda esta clase de película tienen un problema, los cortes. Y es que se nota que tuvo cortes, y siempre quedan flecos inconexos, Aún así una película curiosa con un vampiro ( Julian Ugarte) que no da miedo, pero resulta misterioso e inquietante, emulando a la Hammer, buena película.
https://www.youtube.com/watch?v=uxHTQ4fi41c
película completa en castellano