domingo, 24 de enero de 2016


el misterio del toisón de oro

1961 Francia  104 minutos. director: jean jaques vierne. Guión: André Barret, Rémo Forlani (Cómic: Hergé) música: andre popp. fotografía: Raymond Pierre Lemoigne. productora: Alliance de Production / Téléfrance / Union Cinématographique. reparto: jean pierre talbot, george wilson, charles vanel, ulvi uraz, darío moreno, dimos starenios, george loriot, milo, marciel, demetrios mira, henry soya, max elloy, michael thomass, dora stratou.
sinopsis: El Capitán Haddock recibe un viejo barco como herencia tras la muerte de un amigo. Al llegar a Turquía, donde se encuentra el barco, varios compradores insisten en comprarlo, hecho que extraña enormemente al Capitán, ya que el navío es una auténtica ruina. Pero lo que desconoce el Capitán es el secreto que esconde ese barco.


La acción se inicia cuando el marino Themistocle Paramelic muere, dejando en su testamento su barco, el Toisón de Oro, a su viejo amigo el capitán Haddock  Para tomar posesión de la herencia, Haddock viaja a Estambul , y el profesor Tornasol . Ya en Turquía , descubren que es un barco viejo y sin valor alguno; sin embargo, un personaje misterioso, Anton Karabine, les ofrece 600.000 libras turcas a cambio del navío.

Intrigados por su interés, Tintín y sus amigos terminan por descubrir que Paramelic participó en un golpe de estado en Tétaragua, país ficticio de américa latina  y estuvo en el poder durante ocho días. Antes de ser expulsado del país, logró huir con sus reservas de oro. Tintín y Haddock se enfrentan con numerosos gángsters que pretenden apropiarse del tesoro. Finalmente, los protagonistas encuentran los lingotes de oro disimulados en la estructura del barco.
es una película con actores reales, cuyo paso del tiempo envejeció a marchas forzadas. Para alguién ajeno al universo Tintin, o que simplemente lo conoce de forma superficial, entiendo que la película pueda parecerle muy mala. Para alguién que conoce el mundo Tintin, es buena, y aún diría más: es muy superior a la de Spielberg.
Hergé no tiene participación alguna en el guión, y ese es el punto débil de esta película, más momentos de relleno y gags infantiles. Pero aún así, quiero destacar la banda sonora, los escenarios griegos, muy logrados y la fotografía, con esos planos lejanos, más el color, tratando de emular el cómic.
también valoro las escenas extraídas de los cómics de Tintin, cómo el disfraz de los Hernández y Fernández de griegos extraído de objetivo a la luna, el final con su acción y la resolución final, con la sagacidad de Tintin, que también son muy peculiares del universo Hergé, en definitiva una película que los amantes de Tintin, valoran en positivo, de las dos que se rodaron, la mejor sin duda.
https://www.youtube.com/watch?v=KKu0Y8J44vs
película completa en castellano

El compromiso

Usa 2002 drama romántico. 112 minutos. Director: Brad Silverling. Guión: Brad Silverling. Fotografía: Phedon Papamichael. Música: Mark Isham. productora: Touchstone Pictures / Hyde Park Entertainment. reparto: Susan Sarandon, Dustin Hoffman, jake gyllenhaal, holly hunter, ellen pompeo, dabney coleman, ed lachman, virginia newcomb, richard jones, lenny clarke, mary ellen traynor.
Sinopsis: Nueva Inglaterra, años sesenta. Cuando los planes de boda de Joe Nast se ven frustrados debido a una tragedia inesperada, intenta comportarse como un novio desolado y como el yerno perfecto de Ben y JoJo. Pero, cuando, de repente, se enamora de una mujer se verá enfrentado a un dilema: seguir desempeñando el papel que había asumido o seguir los dictados de su corazón.


 Joe Nast (Jake Gyllenhaal) es un joven que ve como su relación con su chica, Diana (Careena Melia), va viento en popa. Además los padres de ella, Ben (Dustin Hoffman) y JoJo (Susan Sarandon) le ven como el yerno perfecto, una relación idónea.

Así empiezan a hacer los planes de boda, pero Joe y su novia habían anulado su compromiso. No estaban seguros del paso que iban a dar, y tenían intención de comunicar su decisión a los padres de ella.

Pero todo se trunca con la peor de las tragedias: cuando Diana está en un restaurante, entra un hombre armado y dispara contra ella. Ahora Joe se encuentra en una encrucijada. Tiene miedo a aumentar el dolor de los padres de la difunta, pero su silencio alimenta una espiral de afecto y atenciones de las que no se cree merecedor.


Mientras la fiscal del distrito Mona Camp (Holly Hunter) intenta dilucidar las razones de la muerte de Diana, Joe sigue viviendo con sus antiguos suegros, y además conoce a Bertie Knox (Ellen Pompeo), una bella joven de la que empieza a enamorarse. Ahora debe enfrentarse a la disyuntiva de cumplir con el papel que tenía asignado o seguir los dictados de su corazón.


El penoso proceso de superar la muerte de un ser querido es el eje temático de este film en el que el novio y los padres de una joven víctima se debaten entre el dolor de la ausencia y el deber de seguir viviendo.


Esta también el temer lastimar al otro, en que la falta de sinceridad en el momento oportuno complica las cosas; ese miedo a que te retire el saludo quien hasta entonces te apreciaba, sólo por hablar con honestidad, pesa sobre muchas personas, lo que hace más dolorosa la inevitable revelación de la verdad.

La película tuvo un presupuesto $21millones y genero por venta de taquillas la cantidad de $10 millones, además recibió tres nominaciones a diferentes premios y/o festivales de cine, de los cuales gano uno de ellos.
https://www.youtube.com/watch?v=crjhZEPj5yw
trailer

raza

1941 España progaganda fascista 113 minutos. Director: josé luís saénz de Heredia. guión: José Luis Sáenz de Heredia, Antonio Román (Novela: Francisco Franco) música: manuel Parada. fotografía: Heinrich Gärtner (B&W) Productora: alfredo mayo. ana mariscal, josé nieto, blanca de silos, rosina mendía, pilar soler, julio rey, luis arroyo, luís cancio, manuel arbó.
Sinopsis: El marino Pedro Churruca muere en Cuba durante la Guerra hispano-estadounidense (1898). Su viuda, Isabel Acuña, educa a sus hijos, que siguen caminos diferentes: Isabel se casa con un militar, Jaime entra en un convento, Pedro sigue la carrera política, y José, la militar. Pero la Guerra Civil (1936-1939) provocará la desintegración de la familia. Película representativa del fascismo español, basada en una novela homónima de Francisco Franco, que la firmó con el seudónimo de Jaime de Andrade.
 Como documento propagandístico es... bueno, yo no sé si pretendía convencer a alguien con esta película, pero resulta hilarante, al tiempo que patética.

Como documento histórico, la verdad, no tiene precio. Cualquiera interesado en comprobar cuál fue la mentalidad de Franco, la del Régimen, encontrará una visión estupenda en esta cinta, además de en "Sin novedad en el Alcázar".El ¡nterés de Franco por la cinematografía, órgano muy del gusto de todos los dictadores, desde Hitler hasta Stalin, le llevó, además de a dirigir personalmente el órgano de cinematografía y censura del régimen durante diez años, a escribir este impagable retrato en sepia del verdadero drama de España, que no es otra cosa que su ánimo fraticida e inquina política, por encima de cualquier otra circunstancia.


Raza no contiene ninguna de las novedades que cineastas como Eisestein o Riefenstahl introdujeron en el relato de la propaganda dictatorial. Más allá de ello, se muestra como un simple compendio de las inquinas larvadas durante las décadas precedentes, escritas en sangre durante nuestra guerra civil y nunca apagadas del todo. A la pasión del protagonista por el patriotismo, la raza y el belicismo -trasunto del propio dictador ferrolano- se añade el odio incontenible hacia sus enemigos políticos, que Franco y Pío Moa vienen a llamar "la antiEspaña". En otras palabras, hablamos de un canto al fascismo, a la intervención del ejército en la política, al odio contra el parlamentarismo y a quienes no piensan como quien detente el poder. La única novedad que Franco, revestido del nombre Jaime de Andrade, otorga a la colección de películas de propaganda dictatorial es el particular cainismo español, travestido de catolicismo, patria y familia.


Hay que destacar que muchos de los personajes de la película son una particular venganza de Franco con su propia vida, lo cual da cuenta del psicoanálisis que Franco intentó realizar consigo mismo al escribir el guión. Su hermano Ramón, héroe de aviación, anarquista declarado y diputado de ERC durante la República, es en la película el hermano del protagonista, arrepentido al final del metraje de sus filias comunistas. El padre de ficción es Pedro Churruca, muerto con gloria durante la batalla de Santiago de Cuba y antepasado a su vez de Cosme Damián de Churruca, héroe de la batalla de Trafalgar. El padre de Franco era en realidad un borrachín de Ferrol, habitual de las casas de citas de esta localidad.


Se debe destacar que la primera versión, de 1942, fue notablemente modificada en 1948 para eliminar referencias al fascismo y procurar, así, que el régimen se congraciara con el nuevo orden mundial posterior a la segunda guerra mundial. El propio dictador mandó destruir todas las copias de la primera versión, pero afortunadamente una copia se mantuvo durante años en la fimoteca de Moscú. De este modo, hoy podemos analizar este relato surgido de nuestro más negro pasado.
https://www.youtube.com/watch?v=1mMMz0YJyyk
trailer

la caza

1966 España  93 minutos. Director: Carlos Saura.  guión: Angelino Fons & Carlos Saura. Música: Luís de Pablo. fotografia: Luís Cuadrado.  productora: Elías Querejeta p.c. Reparto: Ismael merlo, alfredo mayo, jose maría prada, emilio gutierrez caba, violeta garcía, fernando sánchez polack, maría sanchez aroca.
Sinopsis: Tres amigos van de caza a un coto que fue escenario de una batalla durante la Guerra Civil (1936-1939). Todos ellos están pasando por momentos difíciles, separaciones, problemas con el alcohol, de modo que lo que iba a ser una tranquila jornada de caza se convierte en un enfrentamiento entre los tres.
 "La caza", rodada por Carlos Saura en unos momentos en que la dictadura franquista se hallaba en medio de una incipiente apertura al exterior que coincidió con la llegada de la década de los sesenta, es lo que tradicionalmente ha dado en llamar la crítica una película "de personajes", es decir, un filme que se estructura en base a la tensión dramática entre dos o más personajes y que depende básicamente del diálogo para expresar dicha tensión. Tres amigos deciden reunirse, pasados algunos años, para salir de caza como antaño solían hacer, pero no tardarán en comprender que las cosas han cambiado entre ellos de manera definitiva y que no es posible recuperar el pasado.


Bajo el abrasante sol de Toledo –elemento recurrente del film, que subraya constantemente la situación extrema en la que se están colocando los personajes–, van aflorando gradualmente los rencores, las diferencias y las envidias. Todo ello desembocará en la dantesca escena final en la que los tres protagonistas acabarán masacrados los unos por los otros en una orgía de violencia y sangre. La cacería actúa, sin duda, como una metáfora de la Guerra Civil, el principal tabú entre los tres amigos, al que aluden en más de una ocasión sin querer profundizar demasiado en él. Así, organizan la caza como si de una operación militar se tratase, con la cámara recreándose en la minuciosa preparación de las armas que llevan a cabo. A esta visión castrense de la actividad de la caza se une la matanza indiscriminada de conejos, filmada con una gran crudeza, que incide en la naturaleza violenta de los tres protagonistas y nos va preparando sutilmente para el terrible desenlace final.


La Guerra Civil es el gran silencio de la película. "La caza" es una película en la que las alusiones son fundamentales: aquello a lo que se alude pero no se dice es, a veces, mucho más importante que lo que sí articulan los personajes. Arturo es el otro gran silencio del film, la otra ausencia relevante, el personaje que debería participar en la cacería pero que no puede. De él sabemos que se suicidó a causa de cierto desfalco que cometió, pero muy pocos datos podemos recabar sobre él porque los demás personajes aluden a su caso de manera muy superficial.


En definitiva, en mi opinión, "La caza" constituye una obra maestra del cine español, una película producto de su tiempo y realizada en un período en el que era imperante que los directores fuesen cuidadosos e imaginativos para poder contar sus historias en imágenes salvando el escollo de la censura. Al igual que en "Un chien andalou" de Buñuel, en "La caza" la violencia aparece tratada de una manera metafórica, casi lírica, a menudo latente, pero sólo patente –y en toda su crudeza y esplendor– en el desenlace.
http://www.veoh.com/watch/v20695884nRyYKTCw
película completa en castellano

El hombre puma

1980  90 minutos.  Italia. ciencia ficción. Director: alberto de martino. Guión: Luigi Angelo, Massimo De Rita (Historia: Alberto De Martino). Música: Renato Serio. Fotografía: Mario Vulpiani.  Productora: ADM Films Department--DEANTIR. reparto: walter george alton, donald pleasence, miguel ángel fuentes, sudney rome, silvano tranquili.
Sinopsis: El malvado Kobras se ha hecho con la máscara del Dios Puma, una deidad azteca, y la especialista Jane Dobson se encuentra descifrando los jeroglíficos que tiene inscriptos. La máscara, entregada por los extraterrestres a los hombres hace miles de años, contiene una profecía: "si sus poderes son utilizados para el mal, el guardián del artefacto -el Hombre Puma- despertará y destruirá a los sacrílegos". Kobras comienza a utilizar los poderes hipnóticos de la máscara, primero para dominar a Dobson y después para controlar a importantes diplomáticos. Pero mientras Kobras se dedica a elaborar su plan - concretar una reunión de altos líderes mundiales en su castillo, y dominarlos con el poder de la máscara -, intensifica la búsqueda del Hombre Puma. El mismo resulta ser el americano Tony Farms, pero antes de ser emboscado por los hombres de Kobras es contactado por el sacerdote azteca Vadinho, el que le advierte sobre la historia de la máscara y le entrega un cinturón de poder. Vadinho terminará por entrenar a Farms en sus recién descubiertos poderes, y pronto el Hombre Puma se encontrará cara a cara con Kobras para detener sus planes y recuperar la máscara.
 La historia empieza cuando el malvado profesor Kobras (un tío calvo con traje de serpiente) se hace con la máscara del Dios Puma, un artefacto la leche de poderoso que fue entregado a los aztecas hace miles de años por un extraterrestre filántropo. Una sueca buenorra llamada Jane Dobson se dedicará a descifrar los jeroglíficos que hay inscritos en él, y así descubrirá una advertencia para los que hagan mal uso de la máscara: la antigua profecía predice que su guardián, el Hombre Puma, despertará y destruirá a los sacrílegos. El tal Kobras se pasa por donde ya saben las contraindicaciones del producto y comienza a utilizar sus poderes hipnóticos, primero en la sueca buenorra y después en importantes líderes mundiales (el hombre tiene claras sus prioridades), al mismo tiempo que urde un plan maestro, inteligente y audaz, para encontrar al Hombre Puma: se dedica a tirar a gente por la ventana a ver si vuelan.
 Por otro lado descubrimos que el verdadero Hombre Puma es un americano llamado Tony Farms, aunque el pobre tipo no tiene ni idea de que está destinado a ser un superhéroe cutre y casposo. Por suerte aparece un sacerdote azteca que le explica la movida, le entrega un cinturón de poder y le pide ayuda para recuperar la máscara sagrada. Aunque no sabemos muy bien porqué le pide ayuda, ya que dicho sacerdote es un indio gigantón con superpoderes que tiene pinta de poder acabar con los malos en un pis pas, mientras que el tal Tony Farms es un cobardica al que le pega más el apodo de Hombre Gallina que el que da título al filme. Pero en fin, el sacerdote instruye a Farms en su recién descubierta vocación de superhéroe bizarro, y pronto el Hombre Puma podrá enfrentarse al villano de la función.

 Entre los muchos poderes de nuestro héroe destacan la súper fuerza, la visión nocturna, una especie de sentido felino o pumínido que le advierte del peligro al estilo Spiderman, el de atravesar objetos sólidos, hacerse el muerto durante diez minutos y, no lo duden, puede volar (los pumas no, pero, ¿a quién le importa?). Por si fuera poco, creo que lleva el uniforme más idiota que he visto en mi vida; camiseta con el logo, cinturón a juego, botas vaqueras, pantalones deportivos, y como colofón, ¡una capa reversible que se convierte en poncho!
https://www.youtube.com/watch?v=fFmlh8iH8uw
película completa en Italiano

Los odiosos ocho

2015 Usa Western.  167 minutos. director: quentin Tarantino. Guión: Quentin Tarantino. Música: ennio morricone. fotografía: robert richardson. productora: The Weinstein Company. reparto: Samuel L. Jackson, Kurt Rusell, Jennifer Jason Leigh, Demian Bichir, Walton Goggigs, Tim roth, Bruce Dern, Michael Madsen, james parks, dana gourrier, zoe bell, channing tatum, lee horley, gene jones, craig stark, keith jefferson, belinda owino.
Sinopsis: Pocos años después de la Guerra de Secesión, una diligencia avanza a toda velocidad por el invernal paisaje de Wyoming. Los pasajeros, el cazarrecompensas John Ruth (Kurt Russell) y su fugitiva Daisy Domergue (Jennifer Jason Leigh), intentan llegar rápidamente al pueblo de Red Rock, donde Ruth entregará a Domergue a la justicia. Por el camino, se encuentran con dos desconocidos: el mayor Marquis Warren (Samuel L. Jackson), un antiguo soldado de la Unión convertido en cazarrecompensas de mala reputación, y Chris Mannix (Walton Goggins), un renegado sureño que afirma ser el nuevo sheriff del pueblo. Como se aproxima una ventisca, los cuatro se refugian en la Mercería de Minnie, una parada para diligencias de un puerto de montaña. Cuando llegan al local se topan con cuatro rostros desconocidos. Bob (Demian Bichir), que se encuentra allí refugiado junto con Oswaldo Mobray (Tim Roth), verdugo de Red Rock, el vaquero Joe Gage (Michael Madsen) y el general confederado Sanford Smithers (Bruce Dern). Mientras la tormenta cae sobre la parada de montaña, los ocho viajeros descubren que tal vez no lleguen hasta Red Rock después de todo...

Al finalizar el rodaje de “Django desencadenado”, su director Quentin Tarantino debió quedarse con ganas de más. Por lo visto, el gusanillo del western caló hondamente en este inclasificable cineasta, que ha decidido rodar otra cinta del género de casi tres horas de duración. “Los odiosos ocho” es fiel reflejo de su cine. No hubiese podido esconder su autoría ni aunque la hubiera firmado con seudónimo. Su mano se adivina en cada frase del guión, en cada plano, en la estructura narrativa, en el humor y en el tipo de violencia. Así es él y no quiere (ni debe) ocultarlo. Por ello seguirá deleitando a sus seguidores y disgustando a sus detractores. Personalmente, el realizador de Tennessee me atrae por su capacidad de narrar con ritmo ágil, de engarzar humor e ironía en las situaciones más insospechadas y de reflejar una gran originalidad visual y argumentativa. Y, aunque me decepcionó con “Kill Bill”, “Grindhouse: Death Proof” y “Malditos bastardos”, me ganó para siempre con su maravillosa obra maestra “Pulp Fiction” y con el resto de su filmografía. Le reconozco varios defectos, sobre todo su incontrolable tendencia a exagerar la crueldad, a recrearse en la sangre y a intercalar en los diálogos un sinfín de palabrotas y exabruptos. Pero así es Tarantino y se le tiene que querer (u odiar) con todo.

“Los odiosos ocho” es un homenaje a su forma de entender el Séptimo Arte. Mordaz, cínico, irreverente, visualmente brillante y entretenido. Con conversaciones recargadas en boca de sus protagonistas, con historias rebosantes de personajes pintorescos y de guiños cinematográficos, dinámico en el montaje y emblemático en la escenografía. Y, por supuesto, sádico en el ensañamiento y excesivo a la hora de regar sus films de cadáveres, vísceras y dolor. Pero, quizá lo mejor de esta atípica cinta del Oeste, sea su habilidad para entretener y divertir al espectador durante casi ciento setenta minutos recurriendo a espacios muy reducidos, dentro de una diligencia o entre las cuatro paredes de una pseudocantina abandonada. Da igual la limitación de los escenarios, ya que el magnetismo de los individuos que nacen de su imaginación y la verborrea descarada de sus charlas logran mantener la chispa de la atención sin esfuerzo aparente.
En el estado de Wyoming, una vez terminada la Guerra Civil norteamericana, una caravana repleta de seres de lo más variopinto (desde un cazarrecompensas a un soldado, pasando por una prisionera y algunos bandidos) debe detener su andadura por culpa de un gran temporal de nieve. Sus integrantes habrán de aguardar en un refugio en medido de la nada a que amaine el temporal. No tardará en surgir entre ellos un clima de tensión que derivará en un festival de brutalidad y muerte.

Cuando uno decide admitirle a Tarantino su irrefrenable tendencia a la furia y su propensión hacia lo macabro, sólo le queda reconocer que es un prodigio como guionista y como cineasta. No es casual que, a pesar de su estilo irrespetuoso, ya tenga en su haber dos Oscar, dos Globos de Oro y dos BAFTA, además de haber triunfado en el prestigioso Festival de Cannes. Obviamente, su obra no está dirigida a todos los públicos, pero ello no impide el reconocimiento de sus numerosas virtudes profesionales. De hecho, “Los odiosos ochos” acaba de ser nominada a tres Oscar de Hollywood en las categorías de actriz secundaria -Jennifer Jason-Leigh-, fotografía y banda sonora -Ennio Morricone-, después de haber optado a tres Globos de Oro y haber sido aplaudida por la práctica totalidad de las Asociaciones de Críticos norteamericanos.

El heterogéneo equipo artístico está formado por los actores Samuel L. Jackson, Michael Madsen, Tim Roth, Kurt Russell, Jennifer Jason Leigh y Bruce Dern, correctos y efectivos en sus respectivos papeles. Cada uno de ellos cuenta con su momento de lucimiento, pudiendo dar rienda suelta a la creatividad artística sin cortapisas ni ataduras.
https://www.youtube.com/watch?v=nIOmotayDMY
trailer

lunes, 18 de enero de 2016


Iluminación en macrofotografía

Como en todas las áreas de la fotografía, la iluminación juega también un papel importantísimo en la macrofotografía. No sólo se trata de aportar la suficiente luz para que el motivo salga bien expuesto, también tenemos que saber aplicar diferentes focos e intensidades para crear volumen y sacar las texturas de lo que estemos fotografiando, así se trate de un insecto o una piedra.
Tenemos que pensar en iluminar como si estuviésemos trabajando en un estudio pero a pequeña escala y con la particularidad de que normalmente usaremos diafragmas bastante cerrados y/o necesitaremos velocidades de obturación muy cortas, con el inconveniente que esto implica a la hora de iluminar correctamente una escena.
Hay muchas configuraciones y trucos para conseguir la iluminación adecuada en macrofotografía y mi recomendación es que hagáis diferentes pruebas con lo que se os ocurra y os quedéis con lo que mejor resultados dé. Evidentemente hay elementos que son básicos, pero es una disciplina que también deja mucho campo abierto a la improvisación. Vamos a ver unas ideas básicas.
Cuando trabajamos en el campo lo más adecuado es utilizar luz natural. En unas condiciones ideales de trabajo: uso de trípode y disparador, ausencia de viento, modelos inmóviles, no tendríamos ningún problema para iluminar con luz natural y exponer correctamente nuestras tomas, pero esas condiciones ideales raras veces se dan, por lo que nos obligará a combinar varias técnicas y usar algunos trucos en función de las características específicas de cada situación.

Como siempre será nuestra propia experiencia la que nos vaya dirigiendo en uno u otro camino, pero hay
  • Trabajando a primeras horas de la mañana contaremos con una luz excelente y a esas horas los insectos suelen estar poco activos. Además antes de la salida del sol es poco probable que haya brisa. Luz suave, modelos inmóviles y ausencia de viento nos van a permitir montar el trípode y hacer exposiciones largas sin necesidad de otra luz de ayuda.
  • Un flash utilizado como fuente de luz adicional, puede ayudarnos a suavizar sombras y rellenar zonas oscuras, además nos dará un punto de luz extra que nos ayudará a subir la velocidad y cerrar el diafragma.
  • Podemos utilizar pequeños reflectores fabricados con cartulinas blancas o de colores claros e incluso aluminizados, para dirigir luces a zonas oscuras. Los sujetaremos al suelo o a las ramas con pinzas pequeñas, palitos o brazos articulados. Siempre teniendo cuidado de no dañar el entorno.
  • Si el sol es muy fuerte tendremos muchos problemas de contraluces y brillos fuertes en algunos insectos. Para evitarlo podemos utilizar una pequeña sombrilla de tela translúcida y clara o improvisar un difusor con una simple hoja de papel blanco.
una serie de recomendaciones básicas que podemos adoptar como punto de partida:

domingo, 17 de enero de 2016

Fujifilm Instax 90

Esta es una cámara moderna con componentes digitales pero es capaz de realizar fotografías en película instantánea de 2″x3″ que puedes conseguir fácilmente ya que fujifilm la sigue fabricando. Lo que hace interesante a esta cámara es su diseño estilo vintage que combinara perfectamente con tus antiguas cámaras analógicas. Su precio no supera los 195 dolares, Amazon o Adorama.

Samson " Before the Storm"


 samson " before the storm" 1982. nwobhm. RECOMENDADISIMO.
temas:
danger zone
stealing away
red skies
I will be around
test of time
life on the run
turn out the lights
losing my grip
young idea
formación;:
paul samson: guitarras
nicky moore: cantante
chris aylmer: bajo
pete jupp: batería.
http://www.youtube.com/watch?v=TrYA845A_K4
tras la salida de bruce dickinson llegó el cantante que más tiempo permaneció con paul samson, el gordo y talentosisimo nicky moore, un cantante que vino del blues, que ya había sacado un album en los setenta, actualmente sigue en activo y volvió al blues. Gran chorro de voz, muy grave, y se le nota su influencia blues. en cuanto a la batería, se fué thunderstick, que no volvería a la banda hasta el 2002, para dar el último concierto en vida de paul samson. Una ristra de baterías de sesión pasaron por samson. El album es más acorde con la época, los samson dejan atrás un poco la locura de los setenta, y se incrustan en el heavy clásico, pero con toques muy originales, muy blueseros, y con muy buenos ritmos. abre el telón danger zone, un tema que lo tiene todo para ser un clásico. Los riffs alegres y coñeros de siempre de paul samson, un punteo épico de sentar catedra, ritmos ascendentes con una carta de presentación de nicky moore, brutal, un temazo.
http://www.youtube.com/watch?v=s9ClYZe4T1I&list=PL82F0A581223249B8
steling away, un clásico inmortal. Tema rápido, dónde el ritmo lo lleva el bajo por completo, con unos gutiarreos de lo más elegantes, con distorsión suave, y adornado con pequeños punteos, un tema de raíces muy bluseras, con buena labor del batería dandole al platillo, nicky moore está enorme cantando con convicción muy rocker y muy bluesero, creciendo nota a nota y versátil, un estribillo muy melódico para un tema combativo, queda bien el contraste, el punteo una puta locura que entra directo al corazón, obra del jefe de la banda, Paul samson.
http://www.youtube.com/watch?v=yMXJ7hCQNeo&list=PL82F0A581223249B8
red skies es un tema muy original. Empieza con acústicas, y poco a poco arranca muy melódica, nicky Moore va arrastrando lentamente cada sílaba, muy bluesero, el tema, con un guitarreo muy logrado, ayudado por coros, está a caballo entre el blues, el rock y el rock sureño, un tema alegre y adictivo.
http://www.youtube.com/watch?v=ZJr8gOqmcjs&list=PL82F0A581223249B8
un tema muy similar a lo que Nicky Moore haría después con sus Mammoth, la banda fatman. Un rock muy elegante, muy inglés, rápido, vitalista, con muchísima melodía y alegría, con esa voz tan meláncolica que tiene Nicky Moore, que sirve de genial contrapunto. Cada estribillo, cada estrofa se te queda grabada en la cabeza, con un estribillo sorprendente, muy epico y meláncolico, aderazado con los impresionantes arreglos en la guitarra, cada estrofa con riff diferente, el currelo que hay en cada tema, es impresionante, Paul samson un guitarrista de la élite, aunque los capullos de las revistas nunca se lo reconozcan, en esta banda bruce dickinson, simplemente fué uno más, los genios eran otros: cris aylmer, nicky moore, thunderstick y concretamente saliéndose del mapa, paul samson. Una bandaza.
http://www.youtube.com/watch?v=8y0n5gPbyJM&list=PL82F0A581223249B8
test of time: esta es tope nwobhm, el tema más cañero del album con danger zone. Rápida, correosa, con un Nicky Moore, más agresivo, más metalero, base rítmica al galope, gran conjunción entre batería y bajo, y cómo siempre Paul Samson adornando cada parte, con unos riffs de película, cuando arranca el estribillo tocamos el cielo con la mano. Vitalista, correoso, alegre, épico, rockero a más no poder..... tremendo. Cómo Nicky sabe cantar cada frase con distinta entonación, cómo se mete dentro del tema, el estribillo es tan bueno, que paul le cede todo el protagonismo a Nicky Moore, el bajista Aylmer también está eléctrico acompañandole en el estribillo, añadiendo calidad a raudales, a una banda estelar.
http://www.youtube.com/watch?v=Z5dor9v4FW8&list=PL82F0A581223249B8
life on the run, es el típico tema nwobhm. Base rítmica al galope, con mucho bajo, y un riffeo bajo muy melódico, con sabor country y espaciado. La estructura del tema está bien conseguida, suena muchísimo a blackfoot, por cierto voy a comentar la discografía de blackfoot este fin de semana. Ayudado por coros, lo mejor son esos punteos cortos que te mete Paul, que suenan transcendentales, tremebundo y sesudo y estudiado trabajo, cada instrumento, cada entonación en su sitio. el punteo se cocina a fuego lento, y cómo siempre estelar. temazo, cómo todos los de este disco de 10.
http://www.youtube.com/watch?v=3fwFSBtWL_M
una banda se sabe si es buena en directo. y aquí os subo el tema turn out in the lights, en directo del 82, en una gira que los samson dieron con los blackfoot. el tema más macarra del album, con raíces blues, tremenda la fuerza de nicky moore en directo, y la profesionalidad de paul samson. Ni que decir tiene que es otro temazo, y ya van.... guitarreo constante, con muchísimo sentimiento, y alegría, se te van los pies.
http://www.youtube.com/watch?v=efFAkBGwfug
losing my grip, esta vez subo un video clip de la banda, para que los veias más nitidamente. losing my grip otro clásico que sobrevivió siempre en el set list de estos monstruos de la escena. Con un estribillo muy alegre, que es imposible sacartelo de la cabeza y te tiraras tatareando mucho tiempo, con el típico guitarreo nwobhm, una puta joya.
http://www.youtube.com/watch?v=MKmhv3qqlC4
ya desde su primer album, Paul Samson siempre incluyó una balada minutera en sus albumes, desde la gloriosa tomorrow and yesterday. Pero de todas las baladas que compuso este genio, las más logradas es young idea y shoot the moon.
Este tema es lo que en los ochenta llamarían un breakheart. Acústicas a lo michael schenker, ochenteras, ritmo muy lento a la batería, y un Nicky Moore, enorme, sintiendo el tema, casí llorándolo, y el tema que lentamente se introduce un ritmo melódico de guitarra, coros, y una batería más pesada, muy épico, muy savatage, así hasta un colofón final de altura, dónde la eyaculación es inevitable a todas luces.
Los Samson, admito que soy fanático de la banda, de echo con Judas priest y savatage, son mi banda favorita. Y este Before the storm, está en mi top ten, de los mejores albumes de la historia del metal. Paul samson, genio y figura.

Magister Theodoricus

1988 Usa 114 minutos. aventuras. Director: Jhon Millius. Guión: Jhon Millius. música: Basil Poledouris  fotografía: Dean Semler.  productora: Orion Pictures. Reparto: Nick Nolte, Nigel Havers, James Fox, Frank McRae, Marius Weyers, Marylin Tokudo.
Sinopsis: Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Después de ser capturado por los japoneses, un soldado americano (Nick Nolte) consigue escapar y se adentra en la jungla de Borneo, donde entra en contacto con una tribu indígena. Dos años después, un comando británico llega a ese lugar y descubre que el americano se ha convertido en el rey de la tribu.
 El infravalorado y menospeciado director y genial guionista John Milius al que se apartó de las producciones de Hollywood por su supuesto fascismo ( acusaciones totalmente falsas), debido a su filmografía entre las que destacan Conan el Bárbaro,

 El viento y el león y el Gran Miércoles y famoso por utilizar métodos de disciplina militar para rodar sus films, siempre mostró un interés especial por la historia, las batallas y el arte de la guerra. Ése interés se vé nuevamente reflejado en esta admirable propuesta de aventuras exótica en la selva con la adaptación de una novela en la que un desertor del ejército americano a finales de la segunda guerra mundial busca la libertad en las tierras vírgenes de Borneo convirtiéndose en rey al derrocar a un injusto y malvado caudillo tribal y uniendo a todas las tribus colindantes en una sola gobernada por él. El Rey Leroy 'Nick Nolte' es un hombre que en su ansia de libertad y alejarse de la guerra encuentra su paraíso particular en el que la justicia, la igualdad y el valor son las directrices por las que este rey es admirado y respetado.

 Pero llegará a estas alejadas islas un emisario del imperio británico con las intenciones de adiestrar a la tribu del monarca para luchar en contra del ejército japonés invasor. Leroy estrechará amistad con el emisario inglés que utilizará la diplomacia necesaria para contactar y pactar un tratado con los ingleses para asegurar la libertad, fraternidad y espíritu de justicia que ha aprendido en su convivencia con la tribu y asegurar los derechos de los indígenas una vez termine la guerra en la que colaborarán contra Japón.

Es esta una película bella en sus parajes naturales y en su dirección de fotografía que acompaña a una película del más puro sentido de la aventura a través de unos personajes nobles, honorables , que le dan el valor a la palabra dada y de una propuesta y sentido de la libertad que me resulta realmente admirable. Hasta el ejército japonés después de sus atrocidades de asesinato y canibalismo inusitado es capaz de someterse y mostrar honor ante la derrota.

 A mi juicio el film propone que, a veces la civilización no es síntoma de libertad y que por encima de cualquier ideología Comunista ó Capitalista prevalecen los derechos del hombre, el derecho a vivir en libertad, el derecho a considerarse igual a todo hombre, y el derecho a ser uno mísmo y autorreafirmarse y protestar ante cualquier injusticia promulgada por cualquier gobierno sobre todo si te insta a la guerra. Una película de aventuras clásica antibelicista con el siempre polémico pero justo John Milius que plasma violencia explícita en sus films pero como único fin de reflejar los más bajos sentidos del ser humano para concienciar al hombre de su crueldad ., Pero también reflejando el sentido de la maravilla, la bondad y la justicia que son virtudes que le pertenecen al hombre por naturaleza.
https://www.youtube.com/watch?v=O0xYAxDPUmQ
trailer

Adiós al Rey

1988 Usa 114 minutos. aventuras. Director: Jhon Millius. Guión: Jhon Millius. música: Basil Poledouris  fotografía: Dean Semler.  productora: Orion Pictures. Reparto: Nick Nolte, Nigel Havers, James Fox, Frank McRae, Marius Weyers, Marylin Tokudo.
Sinopsis: Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Después de ser capturado por los japoneses, un soldado americano (Nick Nolte) consigue escapar y se adentra en la jungla de Borneo, donde entra en contacto con una tribu indígena. Dos años después, un comando británico llega a ese lugar y descubre que el americano se ha convertido en el rey de la tribu.
 El infravalorado y menospeciado director y genial guionista John Milius al que se apartó de las producciones de Hollywood por su supuesto fascismo ( acusaciones totalmente falsas), debido a su filmografía entre las que destacan Conan el Bárbaro,

 El viento y el león y el Gran Miércoles y famoso por utilizar métodos de disciplina militar para rodar sus films, siempre mostró un interés especial por la historia, las batallas y el arte de la guerra. Ése interés se vé nuevamente reflejado en esta admirable propuesta de aventuras exótica en la selva con la adaptación de una novela en la que un desertor del ejército americano a finales de la segunda guerra mundial busca la libertad en las tierras vírgenes de Borneo convirtiéndose en rey al derrocar a un injusto y malvado caudillo tribal y uniendo a todas las tribus colindantes en una sola gobernada por él. El Rey Leroy 'Nick Nolte' es un hombre que en su ansia de libertad y alejarse de la guerra encuentra su paraíso particular en el que la justicia, la igualdad y el valor son las directrices por las que este rey es admirado y respetado.

 Pero llegará a estas alejadas islas un emisario del imperio británico con las intenciones de adiestrar a la tribu del monarca para luchar en contra del ejército japonés invasor. Leroy estrechará amistad con el emisario inglés que utilizará la diplomacia necesaria para contactar y pactar un tratado con los ingleses para asegurar la libertad, fraternidad y espíritu de justicia que ha aprendido en su convivencia con la tribu y asegurar los derechos de los indígenas una vez termine la guerra en la que colaborarán contra Japón.

Es esta una película bella en sus parajes naturales y en su dirección de fotografía que acompaña a una película del más puro sentido de la aventura a través de unos personajes nobles, honorables , que le dan el valor a la palabra dada y de una propuesta y sentido de la libertad que me resulta realmente admirable. Hasta el ejército japonés después de sus atrocidades de asesinato y canibalismo inusitado es capaz de someterse y mostrar honor ante la derrota.

 A mi juicio el film propone que, a veces la civilización no es síntoma de libertad y que por encima de cualquier ideología Comunista ó Capitalista prevalecen los derechos del hombre, el derecho a vivir en libertad, el derecho a considerarse igual a todo hombre, y el derecho a ser uno mísmo y autorreafirmarse y protestar ante cualquier injusticia promulgada por cualquier gobierno sobre todo si te insta a la guerra. Una película de aventuras clásica antibelicista con el siempre polémico pero justo John Milius que plasma violencia explícita en sus films pero como único fin de reflejar los más bajos sentidos del ser humano para concienciar al hombre de su crueldad ., Pero también reflejando el sentido de la maravilla, la bondad y la justicia que son virtudes que le pertenecen al hombre por naturaleza.
https://www.youtube.com/watch?v=O0xYAxDPUmQ
trailer