miércoles, 30 de noviembre de 2011

verificación de fuentes

5.- Verificación de las fuentes



5.- Verificación de las fuentes

Todas las fuentes usadas en el documento aparecen en una lista,y al haber sólo seis, es fácil detectar el error. Al final de la lista hay una referencia a la fuente Frutiger 55 Roman, pero hay un interrogante en el campo "Tipo" y un "No" en el campo Instalada. Obviamente esta fuente no está instalada, así que la expedición no puede encontrar la referencia.

La instalación de fuentes es una función del sistema que no se puede modificar desde este cuadro de diálogo. Haga clic en el botón Cerrar, instale la fuente que falta y vuelva a ejecutar la expedición.

Puede usar Adobe Type Manager ®, incluido en PageMaker, para localizar e instalar fuentes sin copiarlas en el sistema. Los detalles acerca del uso de ATM ® no se tratan en este consejo, pero es fácil abrir el Panel de control de ATM y activar fuentes.

martes, 29 de noviembre de 2011

revista super foto digital

la verdad, es que no es una revista muy académica. Vamos, que sólo se la recomiendo, a gente, ya iniciada en el tema, pero no hace falta ser un erudito, otra cosa que me disgusta de la revista, que está orientada también hacia la fotografia estética, de producto, artístitca, la fotografía más comercial, y no deja lugar para los librepensadores. Una revista moderna, que hablá más sobre cámaras, y se olvida de lo más importante, el que saca la foto. error de bulto, para mí, olvidarse de la creatividad es un pecado capital.
pero echarle un vistazo, además no es de las más caras, sobre todo echarle un vistazo si quereis compraros una cámara.

canon ixus 220

ModeloCanon IXUS 220 HS Negra
Resolución Máxima12,0 megapíxeles - 4000x3000 píxeles
Resoluciones4000x3000, 4000x2664, 4000x2248, 2992x2992, 2816x2112, 2816x1880, 2816x1584, 2112x2112, 1920x1080, 1600x1200, 1600x1064, 1200x1200, 640x480, 640x424, 640x360, 480x480 píxeles
Tipo de MemoriaSecure Digital - Secure Digital HC - Secure Digital XC
Memoria IncluidaNinguna
Formatos de ImagenJPEG, MOV
Visor OcularNo tiene
Visor LCDTFT 2,7'' color
Balance de BlancosAutomático, soleado, nublado, tungsteno, fluorescente y manual
Zoom Óptico5x (24 mm - 120 mm equivalente a cámaras de 35 mm)
Zoom Digital4x
Enfoque ManualNo tiene
Distancia de EnfoqueNormal: 5 cm a infinito - Modo Macro: 3 cm a 50 cm
Rango de AberturaGran Angular: f/2,7 - Teleobjetivo: f/5,9
ISO EquivalenteAuto, 100, 200, 400, 800, 1600, 3200
Tiempo de ExposiciónDe 1/2000 a 15 segundos
Ajustes de ExposiciónAutomático y compensado
Modos de FlashAutomático, relleno, ojos rojos, apagado y lento
Grabación de VídeoGraba secuencias de vídeo con sonido
BateríasBatería LiION NB-4L
Peso sin Baterías122 gramos
Dimensiones92 mm (largo) x 20 mm (ancho) x 56 mm (alto)
Idioma del ManualCastellano
GarantíaTarjeta de garantía española de 2 años
Conexiones
  • Salida USB.
  • Salida de vídeo.
  • Salida Adaptador de CA.
Contenido de la Caja
  • Batería LiION NB-4L.
  • Cargador de batería.
  • Cable USB.
  • Cable de vídeo.
  • Correa de mano.
  • Software y manuales.
Aspectos adicionales a destacar
  • Pantalla TFT de 230.000 píxeles.
  • Captura secuencias de vídeo de 1920x1080 píxeles a 24 fps, y de 1280x720, 640x480 y 320x240 píxeles a 30 fps.
  • Salida miniHDMI.
 

kodak sport roja

ModeloKodak Sport Roja
Resolución Máxima12,0 megapíxeles - 4000x3000 píxeles
Resoluciones4000x3000, 4000x2664, 4000x2248, 2880x2160, 2048x1536 píxeles
Tipo de MemoriaInterna - Secure Digital - Secure Digital HC
Memoria Incluida32 MB
Formatos de ImagenJPEG, AVI
Visor OcularNo tiene
Visor LCDTFT 2,4'' color
Balance de BlancosAutomático, soleado, nublado, tungsteno, fluorescente y bajo agua
Zoom ÓpticoNo tiene (35 mm equivalente a cámaras de 35 mm)
Zoom Digital5x
Enfoque ManualNo tiene
Distancia de EnfoqueNormal: 50 cm a infinito
Rango de AberturaGran Angular: f/4,5
ISO EquivalenteAuto, 80, 100, 200, 400, 800, 1250
Tiempo de ExposiciónDe 1/1400 a 1/8 segundos
Ajustes de ExposiciónAutomático y compensado
Modos de FlashAutomático, relleno, ojos rojos y apagado
Grabación de VídeoGraba secuencias de vídeo con sonido
Baterías2 pilas alcalinas AA o 2 baterías AA de NiMH
Peso sin Baterías175 gramos
Dimensiones92 mm (largo) x 29 mm (ancho) x 67 mm (alto)
Idioma del ManualCastellano
GarantíaTarjeta de garantía española de 2 años
Conexiones
  • Salida USB.
  • Salida de vídeo.
Contenido de la Caja
  • 2 pilas alcalinas AA.
  • Cable USB.
  • Correa de mano.
  • Software y manuales.
Aspectos adicionales a destacar
  • Pantalla TFT de 112.000 píxeles.
  • Captura secuencias de vídeo de 640x480 píxeles a 30 fps.

mongolia

el transiberiano, pasando por la estepa de mongolia, país, que me encanta, por cierto. Dentro de poco, os dejaré una ristra de fotos, sobre este país.

la luz

lunes, 28 de noviembre de 2011

proceso negativo-positivo

Resulta difícil abordar el estudio de la fotografía sin tener antes una visión en conjunto del proceso, ya que una visión parcial de sus fundamentos físico-químicos puede hacer olvidar la existencia de la técnica fotográfica como un todo, e impide aplicar una serie de ejemplos prácticos que, sin duda ayudarán a su mejor comprensión.
En líneas generales, la técnica fotográfica, puede dividirse en: óptica, química y física sencillas.

1.- FORMACIÓN DE LA IMAGEN
Algunas de la radiaciones electromagnéticas emitidas o reflejadas por un sujeto, al penetrar por el objetivo de nuestra cámara se desvían o refractan para volver a juntarse formando una imagen invertida. La distancia a que ocurre esto, está relacionada con la distancia del sujeto a la lente y el poder de refracción (o distancia focal) de la misma.

Esta imagen suele formarse sobre una placa de cristal esmerilado que nos permite comprobar si el objeto está o no correctamente enfocado. Cambiando la lente (objetivo) por otras de distinta longitud focal, podemos modificar el tamaño de la imagen.

Al efectuar una toma fotográfica, una lámina cubierta con material fotosensible sustituye a la placa. La cantidad total de luz que ha de recibir este material, ha de poderse controlar rigurosamente; para ello disponemos de dos controles: el
DIAFRAGMA, que gradúa el caudal de luz; y el OBTURADOR que determina el tiempo durante el cual la película va ha recibir ese caudal. Ambos controles están calibrados hoy en día en una escala numérica internacionalmente aceptada.
En estos dos dispositivos radica todo el control del fotógrafo, y es fundamental comprenderlos desde el principio. Para ello se utiliza casi siempre el siguiente ejemplo:

Supongamos que tenemos un vaso (la película) que hay que llenar con una cantidad determinada de agua (en nuestro caso luz); pues bien, igual podemos conseguir esa cantidad abriendo el orificio (o diafragma) del grifo al máximo durante un minuto, que cerrando el grifo a la mitad durante dos minutos, que cerrándolo a la cuarta parte y dejando discurrir el agua cuatro minutos.
Para un mismo tipo de película y unas mismas condiciones de iluminación, esta cantidad total de luz ha de ser siempre la misma; es decir la cantidad de luz recibida está en función de la intensidad luminosa por el tiempo de exposición.
Matemáticamente: EV=IxT
Más adelante, veremos como con la abertura del diafragma, podemos regular, además de la intensidad luminosa, la extensión de la zona de nitidez de la imagen y como con el anillo de velocidades podemos congelar el movimiento de los objetos y evitar las imágenes movidas.


2.- REGISTRO DE LA IMAGEN
Una película fotográfica, está compuesta fundamentalmente por una emulsión de gelatina y cristales de haluros de plata (generalmente Cloruro, Yoduro, o Bromuro de plata.) que se descomponen al recibir cierta dosis de radiación electromagnética, de baja longitud de onda, formando un germen de plata metálica apenas visible. Según la
Ley de Bunsen-Roscoe, la cantidad de cambio químico producido es proporcional a la cantidad de luz absorbida, es decir a la intensidad multiplicada por el tiempo.


3.- REVELADO DE LA IMAGEN
Los pequeños átomos de plata metálica formada, configuran una imagen negativa del objeto, llamada
IMAGEN LATENTE.

Teóricamente podríamos aumentar la cantidad de estos átomos hasta hacer visible la imagen a simple vista, pero los prolongados tiempos de exposición necesarios para ello, nos causarían innumerables problemas. Por ello se somete esta debilísima imagen latente, aun proceso de intensificación química o
REVELADO.

El proceso de revelado consta, en esencia, de tres pasos: el primero de ellos, o revelado propiamente dicho, consiste en la formación de un gran número de átomos de plata alrededor de cada átomo de plata inicial debido a la acción de una sustancia química reductora que cede electrones a los haluros de plata. Es decir Bromuro de plata más un electrón, produce plata metálica más un ion Bromuro.
AgBr + e ----------> Ag + Br-

Los electrones necesarios para esta reacción proceden de agentes reductores aromáticos como los de tipo polifenol (por ejemplo el Metol - no confundirlo con metanol -).

Un revelador se compone además de una serie de sustancias aceleradoras, retardadoras, conservantes, etc., que veremos más adelante. De cualquier forma algunos de los cambios físico-químicos producidos durante el revelado, aún no han sido explicados por completo.
En un revelado a fondo, cada microcristal de haluro que posea átomos de plata formados durante la exposición, irá transformándose en plata alrededor de estos núcleos metálicos. De esta manera, la emulsión constará ahora de cristales de plata metálica negra, que en conjunto resultan perfectamente visibles, de los cristales blancos de haluro de plata que no resultaron expuestos y de una serie productos químicos producidos durante la reacción, que confieren a la película una apariencia lechosa.

Si el proceso terminase aquí, al extraer la película y observarla a la misma luz que la impresionó, los cristales de haluros no expuestos volverían a reaccionar y la película acabaría por ennegrecerse por completo; por ello en la segunda etapa hemos de suprimirlos mediante un compuesto químico ácido que los disuelva, el
FIJADOR.
Una vez completa la etapa de fijado, se procede a un LAVADO intenso de la película para eliminar los restos de productos químicos que pudiesen afectar a la emulsión y se procede al secado de la imagen negativa.

El negativo es necesario ahora copiarlo o positivarlo para reconstruir la imagen con la gradación tonal del objeto.

La copia o positivo se obtiene de forma similar pero utilizando el negativo como original y utilizando un proyector o ampliadora en lugar de la cámara; sobre este aparato puede ejercerse el mismo control sobre el tiempo e intensidad de la luz. La nueva emulsión fotosensible tiene como soporte papel en vez de acetato, para aumentar la reflectancia y contraste de la copia, pero las sustancias fotosensibles vienen a ser las mismas al igual que el proceso y las sustancias reveladoras.

Si en vez de papel utilizásemos como soporte de la emulsión otra vez el acetato, obtendríamos una diapositiva, esta palabra, contracción de la frase "directo-a-positivo" se toma por su equivalencia a otros procesos en que la imagen positiva se obtiene sin mediar un negativo.


4.- La VENTAJA DEL MÉTODO NEGATIVO-POSITIVO, radica en que:

1. Pueden hacerse muchas copias a partir de un negativo,
2. Éstas pueden hacerse en gran variedad de tamaños y sobre distintos soportes, y
3. Permite además ejercer un nuevo control de la imagen durante el proceso de positivado.

sábado, 26 de noviembre de 2011

pictoralismo fotográfico

unque la fotografía liberó a la pintura de la necesidad de una representación perfecta de lo real, pronto cayó en la desamparada servidumbre de la sustitución.
Así, de manera paradójica y en un insolente maridaje con la pintura, la fotografía atinó entonces (finales del XIX) a dar con el más conspicuo camino para lograr la aprobación social e introducirse en los hogares de la burguesía. Las veladuras, los desenfoques, los paisajes desvanecidos, las referencias mitológicas, la evocación melancólica de paraísos perdidos y la representación de escenas bucólicas conformaron un peculiar estilo denominado “Pictorialismo” que, paralelo al impresionismo y enraizado en los grandes géneros plásticos del XVII –el paisaje y la figura- se mantuvo en boga hasta el primer cuarto del pasado siglo.
Para esa época la fotografía ya había fraguado su propio lenguaje independiente de la pintura por otros y muy diferentes caminos.

La RSF y el pictorialismo
El pictorialismo concebía al autor como artista creador. Así, la fotografía reconstruía la realidad desde la concepción de la imagen a su acabado, en un intento de dotar de un aura artística a lo que, en sus primeros momentos, no fue sino un proceso mecánico y químico.
Las sociedades fotográficas, con sus salones y publicaciones especializadas, contribuyeron al impulso de este movimiento tremendamente popular en nuestro país.
En los primeros años del siglo XX, Antonio Cánovas del Castillo, Carlos Iñigo, Luis de Ocharán, Antonio Escobar, Hernández Briz, Antonio Rabadán, Francisco Toda o Antonio Prats, socios todos ellos de la RSF, contribuyeron a fomentar y dar prestigio a este tipo de fotografía con sus imágenes alegóricas y mitológicas, inspiradas en la pintura y en la literatura.
Avanzando el siglo y hasta bien entrados los años 50, las notas estéticas de este tipo de fotografía tienden hacia lo documental, en un intento de captar y, por lo tanto, detener los paisajes, costumbres y tradiciones españolas, en trance de desaparición. El exponente más conocido de esta línea es José Ortiz-Echagüe cuya enorme figura ensombreció, sin pretenderlo, el también valioso trabajo de otros autores como Eduardo Susanna, Francisco Andrada o José Tinoco.

pictoralismo en usa

durante los 80 y 90, europa fue el centro del pictoralismo pero con el cambio de siglo usa, tomó un papel muy activo y lo llevó por caminos de vanguardia. la figura clave fue alfred stieglitz y los medios la revista camera work y el movimiento photo secessión.
alfred stieglitz, se interesó por la fotografia como un campo más de sus preocupaciones artísticas. nacio en new jersey y se formo en berlín.
desde entonces espuso mucho en europa, donde viajaba habitualmente. partiendo de imagenes líricas como chaparrones de primavera, que recuerdan a whistler por la falta de argumento, elige como tema favorito la ciudad de new york.
es redactor jefe de sus revista camera noets hasta 1902. rtata temas de actualidad, con un encuadre revolucionario y una nitidez alojada por completo del flou pictoralista.
el deseo de stigelitz, era hacer progresar la fotografia nortemericana, para colocarla, al nivel de euorpa y darla a conocer allí, un objetivo que logró con creces.

viernes, 25 de noviembre de 2011

eps

Este archivo lo ha desarrollado la compañía Adobe y se pueden guardar en este formato, tanto mapa de bits como imágenes vectoriales. Es muy utilizado en la impresión profesional y en otras aplicaciones llegando hasta la impresora de tipo Postcript.

EPS es adecuado para realizar intercambio de archivos entre programas de maquetación, tales como page Maker o quarkxpress incluyendo los de dibujo vectorial (Freehand o corel). Es junto con el formato TIFF, uno de los estándares en el mundillo de la autoedición.

Aunque fue creado por Adobe, una vez se abre el archivo con Photoshop los datos de la imagen y los gráficos vectoriales que pueda contener el encapsulado se convierten en píxeles.
 Si se quiere imprimir un archivo EPS directamente, debemos utilizar una impresora compatible con PostScript.

Estos archivos a su vez son más lentos en procesarlos que los TIFF, pero en los programas de maquetación la visualización se procesa más rápida.

Los datos guardados se encuentran dentro de una cápsula, encapsulados, por lo que si se quieren modificar, se deben tratar con el programa que los creó.

jueves, 24 de noviembre de 2011

the squid and the wale

año 2005. usa 88 minutos. director: noah baumbach. reparto; jeff danniels, laura linney, jesse eisenberg, owen kline, halley feifer.
sinopsis: Park Slope, Brooklyn, 1986. Cuando Walt Berkman, un influenciable chico de 16 años, finge que es suya la canción de Pink Floyd "Hey You" y la canta en un acto del instituto, tenía muy claros sus motivos. "Sentía que podía haberla escrito yo, así que el hecho de que ya estuviera escrita no dejaba de ser un mero tecnicismo." Al mismo tiempo, su hermano Frank, de doce años, bebe cerveza y habla sin pudor de la vida sexual de su madre. Ambos simplemente reaccionan ante la bomba que ha estallado en el seno de su apacible vida familiar: sus padres, Bernard –otrora un prometedor escritor y ahora un profesor de mediana edad- y Joan –una prometedora escritora que va a publicar un libro- anuncian que se separan. Los cimientos familiares se tambalean. Walt y Frank se enfrentan a lo que es repartirse los fines de semana y al desbarajuste de pasar una noche con uno y otra noche con otro. Los niños tienen que lidiar con los sentimientos confusos y contradictorios que experimentan como consecuencia del repentino fracaso matrimonial de sus padres.
Estupendo drama agridulce dirigido y escrito (en plan medio autobiográfico) por Noah Baumbach, hasta ahora solo conocido por ser uno de los sidekicks de Wes Anderson.

La película puede tener al principio un par de cosas un poco más burdas, como la diferenciación que se hace entre los dos hermanos y a qué progenitor prefiere cada uno (por ejemplo con las escenas de tenis o con lo de quién acompaña a su padre a aparcar, quizás demasiado simplista), pero luego es una descripción de personajes soberbia, que muestra como cambia la vida de cada miembro de la familia después de la separación. No en vano amasó premios al mejor guion por doquier, que incluyen los de varias asociaciones de críticos y etc, etc. Es un guion cómico y triste a la vez, emotivo y sobrio, entrañable y cruel, y que sobre todo representa a todos los personajes de una manera realista pero ácida también, mostrando sus aristas y siendo inmisericorde con todos ellos. La ambientación también es muy apropiada, sobre todo por la austera aunque cuidada estética de la película (así en plan otoñal y un poco nostálgico pero sin pasarse, que esto no es Lawrence Kasdan, por favor) y por el repertorio de canciones de la época. El papel de Jeff Daniels lo iba a interpretar inicialmente Bill Murray, y aunque Jeff Daniels esté realmente estupendo (así como Laura Linney y en general todos los demás) es una crueldad privar al mundo de lo que hubiera podido hacer Bill Murray con el personaje.

Genial. De lo mejor que he visto últimamente. Me estaba durante toda la película recordando a los escritos del autor de culto J.D. Salinger, Hasta que vi los créditos finalesy caí en la cuenta de que la ha producido Wes Anderson. Ahí comprendí todo.

La historia del chaval que dice haber compuesto Hey you de pink floyd y las conversaciones son de lo mejor que he visto últimamente.


Como muestra un extracto en el que padre e hijo hablan sobre su profesor de tenis:


- Iván está bien, pero no es un tipo serio. Es un filisteo.
- ¿Qué es un filisteo?
- Es un tipo que no se preocupa por libros... ...o películas o cosas interesantes. El hermano de tu madre Ned también es un filisteo.
- Entonces yo soy un filisteo.
- No. A ti te interesan los libros y cosas. Como cuando vimos The Wild Child.
- Esa película le gustó a mucha gente. No, yo soy un filisteo.
 Noah Baumbach es un nombre muy ligado al de Wes Anderson, ese director que hoy goza de la simpatía de tanta gente y es reconocido por construir personajes interesantes, únicos y algo locos o afectados. Será difícil saber, con apenas una película vista de este señor Baumbach, quién ejerce influencia sobre quién, siendo que “The Squid and the Whale” podría pasar por un filme de Anderson talvez más y personal. En algún momento Baumach se le acercó a Anderson con guión en mano para que éste dirigiera la película, pero el director de “The Darjeeling Limited” y “The Royal Tenenbaums” insistió que, debido a la dimensión tan personal de los sucesos relatados, fuera Baumbach quien la dirigiera, limitándose él a fungir como productor.
Baumbach, co-guionista de “The Life Aquatic with Steve Zissou” y de “Fantastic Mr. Fox”, presenta una historia interesante, de temáticas y humor adultos, personajes inteligentemente construidos y tintes autobiográficos sobre una familia que intenta sobrevivir el divorcio de unos padres (Jeff Daniels y Laura Linney) impulsivos, caprichosos, competitivos e irresponsables. Menos mal que Bill Murray declinó el papel principal y entonces Daniels le entró al quite, porque hubiera sido demasiado poco original por parte de Baumbach contar con el mismo actor que Anderson.
En el reparto hay otros nombres interesantes como la hermosa y sexy actriz canadiense Anna Paquin (“True Blood”, “X-Men”), el cara-de-tonto William Baldwin y los niños Owen Kline y Jesse Eisenberg, quienes están simplemente excelentes.
No es nada extraño que la película haya sido nominada al Óscar como Mejor Guión Original, pues tiene una trama inteligente, profunda y entretenida que trata con situaciones complicados pero nunca se siente pesado. Con apenas 6 películas como director, Baumbach también levanta la mano para desempeñarse como tal. “The Squid and the Whale” fue todo un éxito tanto en nominaciones, premios y recepción de la crítica.

He aquí una película que no sufre de un vacío existencial, una obra maestra llena de contrapuntos y con una historia común para cualquier hogar.
Una muestra magistral de las virtudes de los dos actores escogidos para protagonizar. Particularmente la Sra Laura Linney es de mis actrices favoritas, es de esas mujeres que traspasan la pantalla y llegan a conmover las fibras más íntimas del espectador de turno. Jeff Daniels ha tenido papeles muy estúpidos (como el de Dumb and Dumber, lógico por lo que la película representa) pero realmente es un gran actor que cuando consigue un papel serio logra destacarse y hace lucir a sus compañeros.
Las interpretaciones de los adolescentes son soberbias, no se achican ante estos dos grandes, y de algún lugar logran sacar valor y en algunos momentos (yo diría que en varios) se devoran la película. La edad de la inocencia de estos chicos se ve perturbada por la situación conyugal. Tienen unos padres bastante liberales, resultan hippies para una época anacrónica... escritores, cliché típico de muchos de éstos.
La película es bastante pequeña, su historia es amplia y es la que engrandece al filme, que se magnifica por la calidad de los sujetos que la llevan adelante, sin esta clase de actores sería difícil montar una película de estas características.
La clase de drama agridulce que plantea el filme es lo que hace que me quede tranquilita sentada frente a la teve, mientras tanto mi mente es la que se moviliza, pues esta clase de historias me deja pensando.
No sólo es difícil ser adolescente, ya que de por sí genera millones de dilemas existenciales dignos de una edad complicada. Tener padres como éstos debe ser bastante duro de aceptar, gente compleja y problemática, parejas que un día se aman y al otro se odian. Un adolescente no comprende bien ciertos avatares de la vida, y los púbers de este film parecen rebelarse ante la falta de atención de sus padres, algo extirpado de la realidad de cualquier familia con problemas, no se exagera en ésto, eso es muy importante.
Si uno se detiene un poco a mirar la vida de los demás, notará que historias como éstas abundan, en Brooklyn y en cualquier parte. Con sólo mirar al lado nuestro nos encontraremos con un drama similar al que la película plantea.
Un punto favorable del filme es la banda sonora, pues la grandiosa canción de Pink Floyd nos hará estremecer en más de una oportunidad. Los diálogos son otro punto a destacar, la inteligencia del guionista y director se aprecia desde el vamos.
La historia en juego pone en jaque a aquellos padres encargados de organizar la educación de sus hijos, y deja en evidencia a ciertos adolescentes rebeldes que ponen en marcha el plan universal de llamar la atención a cualquier costo, sin medir las consecuencias que éstos pueden generar.
Se nota que me encantó, pues no le encontré falencias, sino todo lo contrario. Además a mis ojos le vino muy bien ver este tipo de planteos dignos de la cotidianeidad.
video
 
grandisima película. Quizás muchos digan que es una conducta irreal, y muy americanizada la de estos padres divorciándose.  Pero esto es cine, my friends, desde cuando hay que ponerle barreras mentales, a la fábrica de los sueños, la realidad supera a la ficción, eso es mi teoria.
para empezar genial, reparto, cuando lo ví, me eche las manos a la cabeza, alec baldwin! jeff danniels! el de dos tontos muy tontos, haciendo de intelectual, la tía del show de truman... que podía salir de ahi??? pues un cocido de situaciones maravilloso, con muchos mátices, que hay que ver con un segundo visionado.
Los chavales, son los verdaderos protagonistas de esta película. Vemos en ellos, los cambios, uno tira para su madre, y otro para su padre, pero ninguno de los dos, está en sus cabales, y de una manera u otra, esta dualidad les afecta.
uno haciendose pasar por intelectual, como sus padres, cuando en realidad es un mediocre, que plagia temas de pink floyd, y dice leer la metamorfosis de kafka, para meterse en las bragas de las chavalas.
Y el otro un pajero, que tira su semen, a la taquilla de la chica que le gusta, mientras bebe whiskhey, los dos chavales, están geniales.
En definitiva, muy recomendable esta película.

andré kertész

André Kertész fue un fotógrafo húngaro (nacido en Budapest, Hungría, en 1894 y fallecido en Nueva York, Estados Unidos, en 1985) conocido por sus contribuciones a la composición fotográfica y por sus esfuerzos para establecer y desarrollar el ensayo fotográfico.

Durante los primeros años de su carrera, sus trabajos no fueron apreciados debido a sus ángulos poco ortodoxos y a su deseo de conservar un estilo fotográfico personal. Incluso al final de su vida Kertész consideró que no había obtenido el reconocimiento que merecía. Actualmente, es considerado una de las figuras más influyentes del periodismo fotográfico.
Su carrera se divide generalmente en cuatro periodos llamados:
  • Periodo húngaro.- A pesar de que su familia deseaba que trabajara como corredor de bolsa, Kertész se convirtió en un fotógrafo autodidacta y sus primeros trabajos fueron publicados principalmente en revistas, una tendencia que se mantuvo durante la mayoría de su carrera. Kertész sirvió brevemente en la Primera Guerra Mundial.
  • Periodo francés.- En 1925 se mudó a París en contra de los deseos de su familia, en donde formó parte del creciente grupo de artistas inmigrantes y del movimiento dadaísta. Además, allí su trabajo fue exitoso crítica y comercialmente.
  • Periodo estadounidense.- Sin embargo, la amenaza inminente de la Segunda Guerra Mundial lo obligó a emigrar a los Estados Unidos, donde tuvo una vida más difícil y tuvo que reconstruir su reputación a través de comisiones. También tuvo altercados con varios editores, ya que no creía que ellos reconocieran su trabajo.
  • Periodo internacional.- Durante los años 1940 y los años 1950, Kertész dejó de trabajar para revistas y ganó gran éxito internacional. 
  •  

alberto giacometti

 Se dedicó a representar figuras humanas alargadas, nerviosas y rugosas,creo que en su obra está muy presente el dibujo,  me parece que sus esculturas son dibujos en tres dimensiones , son como las figuras que hacen los niños en la playa con la arena mojada. Creo que representan la soledad del ser humano, movimientos que no llevan a ninguna parte, la fragilidad, y también creo que el espacio o el aire que rodea estas representaciones es otro elemento más de su obra. También me recuerda al arte africano por la simplificación de formas y la estilización, a Fracis Bacon y a Picasso. Su mirada se resume en su famosa frase Lo que veo me preocupa.










miércoles, 23 de noviembre de 2011

historia del color

El filósofo Aristóteles (384 - 322 AC) definió que todos los colores se conforman con la mezcla de cuatro colores y además otorgó un papel fundamental a la incidencia de luz y la sombra sobre los mismos. Estos colores que denominó como básicos eran los de tierra, el fuego, el agua y el cielo.

Siglos más tarde, Leonardo Da Vinci (1452-1519) definió al color como propio de la materia, adelantó un poquito más definiendo la siguiente escala de colores básicos: primero el blanco como el principal ya que permite recibir a todos los demás colores, después en su clasificación seguía amarillo para la tierra, verde para el agua, azul para el cielo, rojo para el fuego y negro para la oscuridad, ya que es el color que nos priva de todos los otros. Con la mezcla de estos colores obtenía todos los demás, aunque también observó que el verde también surgía de una mezcla.
Finalmente fue Isaac Newton (1642-1519) quien estableció un principio hasta hoy aceptado: la luz es color. En 1665 Newton descubrió que la luz del sol al pasar a través de un prisma, se dividía en varios colores conformando un espectro.

Lo que Newton consiguió fué la descomposición de la luz en los colores del espectro. Estos colores son básicamente el Azul violaceo, el Azul celeste, el Verde, el Amarillo, el Rojo anaranjado y el Rojo púrpura. Este fenómeno lo podemos contemplar con mucha frecuencia, cuando la luz se refracta en el borde de un cristal o de un plástico. También cuando llueve y hace sol, las gotas de agua de la lluvia realizan la misma operación que el prisma de Newton y descomponen la luz produciendo los colores del arco iris.

Así es como observa que la luz natural está formada por luces de seis colores, cuando incide sobre un elemento absorbe algunos de esos colores y refleja otros. Con esta observación dio lugar al siguiente principio: todos los cuerpos opacos al ser iluminados reflejan todos o parte de los componentes de la luz que reciben.

Por lo tanto cuando vemos una superficie roja, realmente estamos viendo una superficie de un material que contiene un pigmento el cual absorbe todas las ondas electromagnéticas que contiene la luz blanca con excepción de la roja, la cual al ser reflejada, es captada por el ojo humano y decodificada por el cerebro como el color denominado rojo.
Johann Göethe (1749-1832) estudió y provó las modificaciones fisiológicas y psicológicas que el ser humano sufre ante la exposición a los diferentes colores.

Para Göethe era muy importante comprender la reacción humana a los colores, y su investigación fue la piedra angular de la actual psicológica del color. Desarrolló un triángulo con tres colores primarios rojo, amarillo y azul. Tuvo en cuenta que este triángulo como un diagrama de la mente humana y relacionó a cada color con ciertas emociones.

martes, 22 de noviembre de 2011

pierre renoir

Limoges, 1841 - Cagnes-sur-Mer, 1919) Pintor francés. Hijo de artesanos, vivió sus primeros años en barrios proletarios donde trabajó como decorador de porcelanas y pintor de abanicos. Después pudo acceder al taller del pintor Gilbert y, luego, al de Gleyre, donde conoció a Monet, Bazille y Sisley, con quien más tarde compartió su casa en París. Sus primeros intereses como pintor se inclinaron por la escuela de Barbizon y, consecuentemente, por la pintura al aire libre. Durante los días agitados de la Comuna, pintó con Monet a orillas del Sena. En 1873 terminó Jinetes en el bosque de Bolonia, excluida del Salón oficial y expuesta en el de los Rechazados.


Durand-Ruel se interesó por su obra y en 1874 participó en la primera exposición impresionista, en los estudios del fotógrafo Nadar, donde expuso, entre otras obras, El palco (1874, Courtauld Institute Galleries, Londres). Se trata de un gran lienzo donde representa a Niní López y a su hermano con una técnica de pinceladas sueltas fundidas entre sí, de contornos imprecisos y poco definidos. La composición, piramidal, se caracteriza por los ritmos ascendentes y sinuosos del vestido negro de ella y los de la chaqueta de él, así como señala la importancia de las cabezas: la de ella expresa serenidad y atención, mientras que la de él oculta su mirada tras los prismáticos.
En 1876 se celebró la segunda exposición del grupo impresionista en la que Renoir participó con una de sus obras más conocidas, El moulin de la Galette (1876, Museo de Orsay, París), que recoge los momentos de un baile al aire libre en una terraza parisiense. Si lo comparamos con la obra de Manet Concierto en las Tullerías (1860, National Gallery, Londres), de tema y composición parecidos, presenta al igual que ésta, un encuadre interrumpido por los bordes del formato, recurso que produce la impresión de que la escena sigue y se expande más allá de los propios límites del lienzo. En comparación con la obra de Manet, que la pintó en un alarde de pinceladas imprecisas e indefinidas, la de Renoir libera todavía más la pintura, con una sucesión de manchas centelleantes que parece deslizarse sobre la tela al ritmo de la música o de los movimientos de los árboles que dejan pasar parcialmente la luz que ilumina la escena.
En 1878, Renoir se alejó del grupo impresionista y buscó el éxito en los salones oficiales; el abandono de los principios impresionistas se acentuó cuando, a partir de 1881, numerosos viajes -Normandía, Argel, Florencia, Venecia, Roma, Nápoles, Sicilia- despiertan su admiración por cierta idea clásica de lo bello -la pintura pompeyana, Ingres, Rafael-, que le llevó a cuestionarse el valor de la espontaneidad de su técnica anterior, alejándose progresivamente de los efectos atmosféricos en busca de una pintura más definida. De esta época, cabe destacar obras que reflejan momentos de la vida parisiense contemporánea, como el cuadro Madame Charpentier y sus hijos (1878, Metropolitan Museum, Wolf Foundation, Nueva York), que fue expuesto en el Salón de 1879, donde recibió la aprobación del público y la crítica.
El tema de la mujer, por el que el artista mostró claramente, durante toda su vida, un gran interés, adopta, por lo general, un tratamiento de gran consistencia y de resonancias clásicas. En este sentido destacan la serie de las bañistas -Bañista sentada secándose la pierna (1895, Museo de l'Orangerie, París), Bañista sentada (1914, Art Institute, Chicago), o Bañistas (1918-1919, Museo de Orsay, París)- que constituyen el máximo exponente de la belleza femenina, ejecutadas con una técnica cálida y envolvente. En estas obras, las pinceladas no se mueven en múltiples direcciones, como se observava en El moulin de la Galette, sino que se alargan por la aplicación insistente de óleo húmedo diluido en aceite de linaza y trementina. 
La línea recta no existe en la naturaleza y la mezcla armónica de colores sobre la tela va configurando la forma mediante un proceso orgánico que persigue una expresión sensual y vitalista: "No tengo reglas ni métodos; cualquiera que vea los materiales que empleo o mi forma de pintar, se dará cuenta de que no hay secretos. Miro un desnudo y descubro miles de matices diminutos. He de encontrar aquel que haga que la carne de mi lienzo viva y tiemble."
El ejercicio de la pintura es para Renoir una especie de placer físico, la sublimación de la atracción física por medio de la materia pictórica. Salud y belleza se identifican en las representaciones de esas mujeres de piel tersa y rosada. El amor por el trabajo manual de este artista, que procedía de una familia de artesanos y que fatalmente vio sus propias manos deformadas por el reuma al final de su vida, le llevó a rechazar cualquier dimensión intelectual de la pintura o cualquier resonancia literaria en favor del trabajo humilde y bien hecho.
En 1884 escribió una propuesta para fundar la "Sociedad de los irregulares", la cual asociaba la belleza a las formas orgánicas e irregulares de la naturaleza y rechazaba el mundo mecánico e industrializado, como años antes hicieron Ruskin y Morris, pero cuya sensualidad se alejaba de la religiosidad de éstos. "A veces hablo como los campesinos del sur. Dicen que son unos desafortunados. Yo les pregunto si están enfermos y me dicen que no. Entonces son afortunados; tienen un poco de dinero, por lo tanto, si tienen una mala cosecha no pasan hambre, pueden comer, pueden dormir y tienen un trabajo que les permite estar al aire libre, a la luz del sol. ¿Qué más pueden desear? Son los hombres más felices y ni siquiera lo saben. Después de unos cuantos años más, voy a abandonar los pinceles y dedicarme a vivir al sol. Nada más."
 quizás el mejor pintor impresionista, de todos los tiempos.