martes, 31 de enero de 2012

flash ttl

Este modo de Flash TTL es el más preciso, ya que es la máquina quien realiza la medición de la luz que recibe el sensor a través del objetivo. Las cámaras modernas de 35 milímetros utilizan eata tecnología.

Una célula de medición integrada en el cuerpo de la cámara lee la luz que penetra hasta la película, y un pequeño procesador determina la duración del destello para la exposición adecuada. Dicho en otras palabras, cuando el destello alcanza la potencia necesaria para lograr la exposición adecuada, el microprocesador corta el destello.

Una des las grandes ventajas que ofrece el sistema de flash TTL, es que podemos utilizar los filtros (estos reducen la transmisión de luz) que queramos para nuestro objetivo, que la exposición seguirá siendo siempre la correcta. En otros sistemas se tendría que realizar el cálculo de la pérdida de luz.

cuando ruge la marabunta

director: byron haskin. 95 minutos. usa. drama-acción. interpretes: charlon heston, eleonor parker, william conrad. 1954.
sinopsis: En la jungla sudamericana, el propietario de una gran plantación (Charlton Heston) decide casarse por correspondencia para tener un hijo que herede su hacienda. A su esposa (Eleanor Parker) no le resultará fácil adaptarse a la brusquedad del marido y a las costumbres de los nativos. Mientras, una terrible plaga de hormigas asesinas amenaza la región..

Equilibrio inexistente entre las aventuras y el romanticismo patatero. Lo más imporante en ella no es la selva densa, ni las seducciones pelirrojas, ni los batallones de hormigas puñeteras; lo más valioso y significativo es que ¡CHARLTON HESTON ES VIRGEN!... En fin, a uno le quedan todavía muchas cosas por ver.

Me quedo con algunas conversaciones memorables que analizadas dan mucho juego, como ésta:

-Insisto en que conoce bien a los hombres.
-Mejor que usted a las mujeres.
-¿Dónde lo aprendió? [Obviamente Heston por aquella época no era muy listo] ¿De qué hombre? [Aquí recupera la inspiración]... He puesto el dedo en la llaga ¿verdad? [Lo que debería de hacer es poner el dedo en otra parte si quiere ligar un poco] ¿Ha pertenecido a otro? [Con la última oración se observa que es un poco gilipollas e inocente, la chica tiene 30 años...]


También para el recuerdo, ese diálogo en el que compara a las mujeres castas con los pianos aún por estrenar.



PD. La pongo un 5 porque el director optó por la idea de que el personaje de Eleanor Parker no fuera virgen y tuviera experiencia en los asuntos de cama o hamaca (según dicen en la selva es muy normal acostarse con la pareja mientras uno se balancea, aunque el tema debe ser un poco complicado con tanto movimiento), hubiese sido una película de ciencia-ficción.
 Pese a lo que pueda parecer, "Cuando ruge la marabunta" es un melodrama camuflado dentro del género de aventuras en la selva amazónica, ya que carece del dinamismo de otras películas similares (sólo se acelera un poco el ritmo en la parte final, con el ataque de las hormigas).
Sin embargo, hay que reconocer que la dirección es correcta y las interpretaciones, excelentes. Eleanor Parker, bellísima y con una sensualidad muy elegante - con una enorme carga, casi sexual, para la época de la que hablamos -, capaz de dominar el arrogante y hermético carácter del personaje de Charlton Heston, un actor que siempre ha demostrado un gran carisma en pantalla y que borda a ese rico terrateniente ambicioso, solitario y poco acostumbrado al trato con mujeres, pese a que las desee como extensión de sus dominios.
Además, la puesta en escena destaca especialmente por esa rígida y demasiado formalista relación entre el matrimonio por poderes de los protagonistas.
Por último, como curiosidad, decir que el mayordomo de Heston está interpretado por un actor del que nadie conocerá su nombre, pero que identificaremos enseguida por su rol del sheik Ilderin en la oscarizada
 Allá por los años 50 se producían muchos filmes de Serie B de monstruitos y de ciencia-ficción, un tanto ingenuos y de bajísima calidad y el director Byron Haskin fue el encargado de dirigir y producir alguno de los antes mencionados. En el año 1954, contando con un mayor presupuesto en sus manos se encargó de dirigir esta más que curiosa película sobre unas hormigas gigantes que arrasan los cultivos de un rico propietario en la selva del Amazonas. Lo más curioso es la mezcla de cine catastrofista mezclado con aventuras y la del casamiento del rico propietario con la joven de buena familia americana, que constituye un drama matrimonial que sobra por completo en la trama, que aburre de sobremanera y resulta tedioso y que da parte a un romance algo bobo y ciertamente alargado hasta la aparición de la trama de las hormigas ya a mitad de metraje. No obstante, la segunda parte de la cinta en la que aparecen al fin las hormigas se torna muchísimo más entretenida y repleta de acción y suspense, razón por la cual el filme posee ahora mismo un 7 por mi parte.

En lo referente a las interpretaciones, Charlton Heston se encontraba en su mejor época como actor ya que ya había logrado reconocimiento popular y actoral e interpreta de buena forma a ese hombre rico y duro con un corazón cerrado que su encantadora esposa se encargará de abrir. Por otra parte, Eleanor Parker se encuentra a un buen nivel y destaca su buena química con Heston. En cuanto a los efectos especiales, no creo que estén anticuados a pesar de los años que han transcurrido desde entonces y hoy día cabría decir aún siguen siendo bastante buenos y creíbles, aunque las técnicas de las que se dispone en la actualidad permitan mayores avances.

En resumen, una interesante cinta que mezcla el drama y las aventuras de una extraña forma, siendo la primera parte la dramática y la segunda la de aventuras pero que por desgracia la primera aburre muchísimo debido a esa trama matrimonial fuera de lugar.

·LO MEJOR: la segunda mitad del metraje. Los efectos especiales. Las interpretaciones.

·LO PEOR: la trama del drama matrimonial está más que de sobra y solo me provoca aburrimiento.
 A medio camino entre película dramática, aventura y desastres naturales, su principal problema es que hay dos películas o partes muy diferenciadas en ella. El otro factor en contra, exógeno al fin, reside en la mella que el paso del tiempo (55 años) ha hecho en sus efectos visuales, hoy, lógicamente, muy superados.

La primera parte del film, fotografiado de manera elegantísima en un rico Technicolor no se diferencia mucho de otros clásicos de la década de los 50. Las escenas interiores están muy bien rodadas con estudiados encuadres, pequeños y ágiles travellings, etc.

Un propietario rico se casa por poderes con una mujer que no conoce y de la que sólo espera que le dé un heredero.
Él es duro, áspero, insensible, machista, nada condescendiente y, sobre todo, no soporta no ser el primero en todo, lo que le provocará un conflicto interno derivado de un cierto complejo.
Ella es bellísima, inteligente, ilustrada y, hasta cierto punto, sumisa; anhela ser una buena esposa y formar una familia. A lo largo del film luce varios vestidos, desde el blanco hasta el negro, pasando por un atrevido y moderno conjunto con corbata, en contraposición a su anticuado marido.
Radiante Eleanor Parker, desconozco si en alguna película ha aparecido más bella (admito sugerencias). Lo que sí es constatable es que forman una pareja de guapos estupenda.
Repentinamente aparece la marabunta (plaga de hormigas carnívoras), destrozando todo a su paso, convirtiéndose en un enemigo inexpugnable. Esta segunda parte, sin ser mala, está resuelta muy rápidamente.

Es una película que sin ser una maravilla, resulta interesante, con cierto encanto, en la que destaca, y de qué manera, Eleanor Parker.
video
 Las aventuras en esta película, son secundarias, todo lo centra la relación romántica entre heston y eleonor parker, la cúal esta brillante, aunque no creible pero eso ya es culpa de los guionistas. Eso de hombre sólo que no vió una mujer en su vida, busca esposa, y una mujer de estados unidos, se va a la selva oyendo su ofrecimiento... Olvidandonos de esa tontería, la relación entre ambos, ocupa la primera parte de la película, de un corte muy clásico, a lo mogambo, la reina de áfrica, pero de menor valía.
En cuanto a la segunda parte de la película,  por fin hay acción, la temida marabunta, amenaza con comerse todo lo que el gran hombre creo... me recuerda a Moisés en los 10 mandamientos, pero en vez de ser él , el que inflige castigos ahora los sufre. El final es brillante, todo hay que decirlo y los 10 minutos finales son de una intensidad increible con una muy buena selección de planos y una grata banda sonora. A caballo entre el cine romántico, aventuras y desastres naturales aunque todo se centra en la hipnótica belleza de eleonor parker y la extraña relación que tiene con charlon heston, al que trata como a un niño.

lunes, 30 de enero de 2012

reportaje gráfico

la línea que separa la fotografía del reportaje gráfico, se distingue la finalidad inicial para la que fueron concebidas, realizadas y publicadas esas imágenes, y en segundo lugar, la lectura de las mismas, que como se verá ha ido variando, convirtiendose incluso en elemento fundamental para otros campos, como la sociología, la antropología o el arte. Como ejemplo pod´ria servirnos la serie a spanish village tomadas en deleitosa, extremadura. De smith, que se publicaron en la revista life en los años 50. también debe reseñarse que la calificación de una imagen o un autor como documentalista reportero o artista no implica una valoración cualitativa de ese trabajo. L a inclusión o mención de autores, unos ya reseñados y otros conocidos exculisviamente por sus trabajos periodisticos lo que no interfiere para que llevaran a cabo trabajos de otra índole, no debe llevar consigo el etiquetado de los mismos dentro de una práctica u otra. La prensa y la ilustración fueron, primero, la línea natural y más inmediata de la fotografia, la de la información gráfica, como una vía de formación para ser seguida por quienes empezaban después de subsistencia, incluso de escaparate para muchos de los grandes fotografos lo que también reportó una cierta calidad y enriquecimiento a este tipo de trabajos.
Es necesario incidir en esta cuestión en el particular caso de la fotografía contemporanea, hoy día inmersa en la misma línea difusa de otras composiciones,. lo que no debe llevarnos a engaño a impedirnos distinguir entre información documento y arte. De ahí que, por ejemplo nos encontremos casos en la historia como el de curtis, que aunque planteara realizar un trabajo de registro documental sobre los indios de américa del norte, hoy de gran valor etnólogico, sus imágenes se publicaron en los periódicos de la época. que se publica para denunciar la exterminación a la que este pueblo fué sometido.
Mann ray descubrió el radiograma, cuando positivabna unas copias de una sesión de fotografias de moda que estaba realizando para paul poriet, un célebre diseñador de parís de los años 20.
el reportaje gráfico siempre estuvo muy unido a la denuncia de una determinada situación. En sucesivas publicaciones, iré desgranando los mejores reportajes gráficos de la historia.

domingo, 29 de enero de 2012

fotos

esta foto de stepan rudik, se llevó el premio world press photo, aunque a sido acusada de estar manipulada.

viernes, 27 de enero de 2012

jean dewasne

(Lille, 1921) Pintor y escultor francés. En sus primeras obras, realizó una pintura de abstracciones geométricas. Sin embargo, hacia 1960, se orientó hacia la antiescultura y utilizó piezas de uso industrial. En los años ochenta realizó proyectos de carácter público. En 1988 realizó en París la que fue calificada como la pintura mural más grande del mundo. En 1991 realizó Lusine Peter Stuyvesant en Zevanaar (Países Bajos).

jueves, 26 de enero de 2012

Patología fotográfica - Esteban R. Leyton

Es fácil descifrar la enfermedad que se esconde detrás de la iconografía que nos presenta éste fotográfo, lo que no debe resultar tan sencillo es sintetizar estas patologías de manera tan directa y eficaz. Si quieres descubrir más sobre su trabajo aquí tienes su página  http://estebanrleyton.com/index.php?pag=photos&gallery_id=3 merece la pena.

el nido de las águilas

año 1968. 158 minutos. Inglaterra. director: brian hutton. guión y novela de alistair mclain. Interpretes: richard burton, clint eastwood, mary ure, patrick wimark, michael hordern, peter barckworth, derren nesbit.
cine bélico. Sinopsis: En plena Segunda Guera Mundial, John Smith (Richard Burton) encabeza un grupo de élite en una misión que debe infiltrarse en las líneas enemigas alemanas con el objetivo de rescatar a un general americano, prisionero de los nazis, antes de que divulgue los planes de la invasión aliada en Normandía.
 El productor Elliott Kastner había quedado muy contento con el resultado de “La espalda contra el muro” que un año antes había dirigido Brian G. Hutton por lo que fue de nuevo elegido para que adaptara otro de los grandes éxitos del escocés Alistair MacLean que por aquel entonces estaba en pleno auge tras dos éxitos como “Los cañones de Navarone” y “Estación Polar Zebra”.

En este caso con un importante presupuesto y dos estrellas de primer nivel como Richard Burton y Clint Eastwood podemos decir que el objetivo se cumplió con creces y aunque fuera marginada como casi siempre por los eruditos y expertos del cine al público le gustó bastante (en Estados Unidos y Reino Unido sigue siendo una película muy valorada).

Y coincido con otros usuarios que afirman que existen demasiadas fantasmadas. Por eso me quedo con la primera hora y media hasta después de la tertulia en el salón del castillo, a partir de ahí viene un desenfreno apasionante pero que es abusivo y termina por cansar un tanto. A Hutton se le fue el gatillo obviamente y nadie en su sano juicio podrá negarlo.

Además es curioso que a pesar de que dure dos horas y media la película no consigue profundizar en los personajes apenas nada por lo que su metraje a todas luces es excesivo.

Tampoco está nuestro querido Clint Eastwood muy bien la verdad (mil veces peor que un año después en “Los violentos de Kelly” del propio Hutton.) Eso sí Richard Burton está de cine y se come a Eastwood crudo. Algunos muy buenos secundarios pero desaprovechados.

Pero si por algo nos encanta esta película es desde luego por toda la puesta en escena; ver esos uniformes alpinos, paisajes nevados, aviones de camuflaje, castillos inexpugnables, teleféricos imposibles, dobles agentes, helicópteros nazis... Maravilloso el despliegue de detalles que impulsó para que unos informáticos enamorados de esta película realizaran el más famoso vídeo juego español: “Comandos”.

Y que decir de esa fantástica música del compositor británico Ron Goodwin que no tiene desperdicio. Soberbia.

Una de las grandes películas de acción de todos los tiempos muy influida por la década Bond de los años sesenta y que como este tipo de películas es ya imposible que podamos encontrarlas dentro de nuestras carteleras debemos reivindicar más que nada porque el cine de entretenimiento con calidad parece que es una utopía por lo que al menos siempre nos quedará el DVD.
 Confieso que soy aficionado al cine bélico. Me parece uno de los géneros más cinematográficos.
Esta película mezcla dos subgéneros: el de espionaje y el de los comandos. Por lo tanto, sigue a rajatabla las normas establecidas: paisaje desafiante –si es nevado o desértico, mejor que mejor–, traiciones y fuegos artificiales.
Problemas: un guión interesante pero servido en bruto, sin pulir; y también se pasan con la pólvora. La primera parte está muy bien: nos introducen con buen ritmo, hay una mujer misteriosa que al principio parece que está metida con calzador pero que luego tiene su justificación, el guión tiene giros sorpresivos... Pero a partir de la escena en el salón del castillo, en la que ya se empieza a trasroscar la tuerca, la dinamita empieza a fluir sin control, las balas sólo alcanzan a los nazis –incluso cuando Eastwood empuña dos ametralladoras a la vez, desequilibrado y con los ojos cerrados– y la planificación de la huida es tan impecable que mosquea. A pesar de todo, el ritmo de las persecuciones es bueno y hay tres o cuatro vuelcos de coches realmente espectaculares.

Conclusión: un buen entretenimiento para una tarde ociosa de domingo, pero se podría haber mejorado mucho simplemente acortando metraje, dosificando las explosiones y depurando el guión. Aunque si no has visto "Los cañones de Navarone", yo te la recomendaría como preferible opción.

Una curiosidad: tuvieron que pagarle un plus a Eastwood para que aceptara salir por detrás de Richard Burton en los créditos.

Durante la segunda guerra mundial, un comando de élite trata de liberar de las garras de la Gestapo a un supuesto general americano. Sólamente el teniente americano Schaffer (Eastwood) y el mayor Smith (Burton), junto con Mary Ellison (Mary Ure) y Heidi (una provocativa Ingrid Pitt) consiguen salir ilesos. Es un film de un tiempo trepidante, aunque sin embargo es bastante superficial e inverosimil, con lo cual pierde el efecto emocional.

Eso sí, entretenida 100 %. No se hace pesada en ningún momento a pesar de sus más de dos horas y media de duración.

Las escenas de acción fueron filmadas de forma espectacular (en especial la del teleférico) por Arthur Ibbetson y H.A.R. Thompson.

La película se salva gracias a las buenas interpretaciones de Eastwood y Burton. Allistair MacLean (Los cañones de Navarone) adaptó su propia novela para el cine.

Excelente música heróica de Ron Goodwin (La batalla de Inglaterra) y decorados (fue filmada en un castillo de verdad del S. XVI)

Si algún día quisieron ver una mezcla de James Bond y El hombre sin nombre en los alpes bávaros durante el tercer Reich, está es su peli.

No sobran escenas en ningún momento. Pura acción de la buena y entretenimiento asegurado.
Película trepidante, espectacular, llena de sorpresivas revelaciones sobre espías que son lo que parecen y otros que resultan ser dobles agentes. Asalto a una impresionante fortaleza llena de soldados nazis (y algún jefazo entre ellos), que mueren como chinches merced a las ametralladoras que manejan con singular maestría Richard Burton y Clint Eastwood (principalmente), y a los mortíferos explosivos que no se sabe de qué saco extraen, pero que nunca se acaban. No ya como los míticos héroes griegos, sino como invencibles James Bonds por duplicado...aunque sin el erotismo que suele acompañar a las películas del famoso 007. Estupenda película para los que disfrutan con fantasiosas aventuras, pero inverosímil y -sobre todo- larguísima para los que nos complacen más otros géneros.
. Brian G. Hutton cuenta desde un principio con varias cosas a su favor, el paisaje nevado, la buena ambientación, los dos protagonistas estelares, el argumento y su forma narrativa, nada de eso se le reprocha, pero más tarde, cuando la cinta pasa la hora y vemos que sus planes resultan impecables realmente desafían al espectador, incluso los vemos intactos, demasiadas explosiones, y el guión lleno de altibajos, esto es todo lo que puedo decir en contra.
Cuando un filme demora más de 2 horas, este tiempo debe justificarse. Los 155 minutos de esta magnifica cinta lo están. Una pelicula donde se entremezclan la acción, los paisajes hermosos, como esas imagenes tan bien logradas de los alpes bávaros, y la sensualidad (si, la recientemente fallecida Ingrid Pitt está de campanillas). La trama es tildada muchas veces de inverosimil en ciertos pasajes, pero el cine es un mundo de fantasía, por lo que podemos obviar el detalle. Excelente dirección de Brian G. Hutton (que tuvo un accidente durante el rodaje). La dirección de la Segunda Unidad, en manos del eficiente ex-cowboy Yakima Canutt. Un buen elenco y entretención a todo trapo. La musica de Ron Goodwin muy bien y la fotografía espectacular.
 Este film que sin duda es la mejor cinta y la mas conocida del director Brian G. Hutton mezcla géneros que es como se desarrolla esta trama. Entre el suspense la acción y el thriller, esta película nos ofrece una de los primeras actuaciones del grandioso Clint Eastwood.
video
 No es que me flipe en demasía el cine bélico. Pero hay que reconocerle sus méritos a esta película. Cómo dije anteriormente, le sobra metraje, y no es nada creible. En cuanto a los pros, entretiene, buenas actuaciones, escenarios muy cuidados, vueltas y revueltas en el guión, mezcla de espionaje y cine belico de acción cien por cien. La huída dura 1 hora exacta, y es imposible apartar los ojos de la pantalla. El final te sorprende muchísimo. Creo que sin quererlo esta peli sobrepasa el género bélico, para ser una de las pioneras del cine de acción américano, que se basarón en esta genial película, para sacar ideas de lo que llamamos cine de evasión.

la mirada en la fotografía

Es aquella ley en que toda persona, animal o cosa, dentro del recuadro fotográfico debe de tener más espacio libre hacia su parte frontal que lo que ocupa su parte trasera, independientemente de la amplitud de lo abarcado en el encuadre de la toma. Incluso podemos recortar el borde del recuadro fotográfico, la parte del elemento gráfico en cuestión por su parte posterior, si este se encuentra en un plano cercano a la cámara o es de dimensiones muy grandes.

Siguiendo la pauta de estas leyes, concederemos mas o menos espacio a nuestro objetivo principal, (el individuo, personaje o plano) según la importancia del campo que tengamos delante, siempre que sea directamente proporcional entre el valor de lo mostrado y el espacio que nos ocupa.

miércoles, 25 de enero de 2012

eve arnold

Eve Arnold fue una periodista y fotógrafa americana (nacida el 21 de abril 1912 en Filadelfia, Pensilvania, vivió en Londres desde 1960 y falleció el 4 de enero de 2012) considerada una de las más importantes del siglo XX. Tuvo una prolífica carrera documentando a gente ordinaria y famosa (Marilyn Monroe, Yves Saint Laurent, Malcolm X, Jerry Falwell, como ejemplo). Trató con igual maestría el color y el blanco y negro.

  • Nació en Filadelfia, hija de inmigrantes judíos rusos, y comenzó a hacer fotografías en 1946 cuando un novio le regaló una cámara de fotos. Dos años después empezó a estudiar fotografía con Alexei Brodovitch, entonces director artístico del Harper's Bazaar, en la New York City's New School for Social Research.
  • Su primer trabajo fue fotografiar con su Rolleicord una muestra de moda en Harlem, y fue publicado en la revista inglesa Picture Post.
  • Se incorporó a la Agencia Magnum en 1951, siendo la primera mujer en hacerlo, y se convirtió en miembro de pleno derecho en 1957.
  • En la década de los años cincuenta, realizó en los Estados Unidos de Norteamérica diversos reportajes fotográficos sobre mujeres pertenecientes a los más diversos sectores sociales, y de las cuales pretendía ofrecer una imagen "sin retoques". En este contexto nacieron las series de fotos de Marlene Dietrich y Marilyn Monroe. No idealizaba a estas famosas estrellas, sino que las captaba en actitudes mucho más normales.
  • En 1961 se trasladó a Londres, donde vive hasta estos días, excepto las temporadas que viajó como fotorreportera por la antigua Unión Soviética, Afganistán, Egipto y China.
  • Trató el Movimiento de Derechos Civiles Americano, trabajó en la fotografía fija de más de 40 películas de cine, estuvo en la plantilla de la revista en color del Sunday Times durante 10 años y publicó 14 libros.
  • Ha obtenido diversos premios, el último el Lifetime Achievement Award de 2010 en los Sony World Photography Awards.
  • Con sus 98 años, vivía en Londres, en un asilo de ancianos. Hace un par de años se le preguntó por la fotografía y dijo: "Eso se acabó. No puedo sostener ya una  cámara". Pasaba la mayor parte de su tiempo leyendo a escritores como Dostoievski, Thomas Mann y Tolstoi.

martes, 24 de enero de 2012

porque es mejor una cámara analógica que una digital

Para muchos, las cámaras analógicas están al borde de la extinción, más bien se trata de una muerte lenta… ¿estás seguro de ello? Todavía hoy en día son muchos los fotógrafos profesionales que siguen llevando una réflex analógica en el maletín, no por puro capricho sino porque son parte de ellos y todavía tienen buenas razones para usarlas… y ninguna de ellas las podría entender un recién iniciado al mundo de la fotografía que hizo sus pinitos con una compacta digital para acabar abrazando una DSLR. Ni siquiera se plantea el debate de lo moderno vs. lo arcaico.
 A día de hoy, ya nada diferencia una réflex analógica de una réflex digital, estas últimas han llegado incluso a superar las primeras en cuanto a la óptica… sí señores, podemos decir que el sensor digital superó de forma definitiva a la emulsión fotográfica, al menos en cuanto a definición se refiere. Película vs. sensor CCD o CMOS, todo lo demás es común a ambas generaciones pero… hay algo, tal vez, que se perdió por el camino, algo que lo digital no ha superado todavía… la magia que se inicia con la toma de la fotografía y termina con el revelado. Ahí van cinco razones por las que una cámara réflex analógica sigue encandilando a los fotógrafos…
 la foto: en una réflex digital se visualiza la foto al instante una vez tomada, pero en una cámara analógica pasa exactamente al revés ya que hay un proceso de previsualización de la foto antes de tomarla. Se forma en la mente del fotógrafo una imagen mental de la foto tal como la captura su imaginación. El ojo tenía una relación más íntima con la cámara, le tenía respeto a la cámara.
 La película desprende magia en sí mismo: en una réflex digital todas las fotos tienen la misma granularidad digital. En cambio una cámara réflex analógica tiene esa esencia modulada que hace que cada foto sea única… esto se palpa, con ciertos años de experiencia pero se palpa. Es una especie de atmosfera que envuelve e irradia las fotos. Las fotografías digitales han perdido esa esencia y parecen más frías al tacto
 Fotos en blanco y negro: parece ser que ésta es una batalla pérdida para las réflex digitales ya que no superan a las analógicas, dicen que la escala de grises es para la fotografía analógica. Lo digital impreso no tiene las posibilidades que ofrece una película, y más si la ampliamos y positivando los negativos, proyectando la luz a través de una ampliadora. Intensidad de luz vs. tonos de grises… Puede, pero hoy en día todas las técnicas analógicas se han pasado a lo digital, con lo que el uso adecuado de filtros deberían ofrecer una respuesta convincente a los acérrimos defensores del blanco y negro analógico.
sin la comodidad de las digitales, y todos los avances que eso conlleva... las analógicas tienen su encanto, sobre todo para que el que quiere hacer fotografías artísticas. Este tema me recuerda mucho al porque la gente sigue comprando vinilos. Poner un cd... bueno eso ya esta anticuado, pagar por una canción en internet, que es el fúturo, pues vale es lo que hay... pero muchos prefieren aún el ritual de poner la aguja, y que suene el vinilo. Con el tema de las analógicas pasa lo mismo.

lunes, 23 de enero de 2012

retrato

La semblanza es como el retrato. Seres vivos, hombres o cosas por el hombre, cosas naturales. Refleja/expone una imagen que reúne las características de alguien.
Retrato. Recupera y refleja las características de alguien. Es la representación de las características de una persona. Proviene de la puntura que buscaba trascender en la historia (hombre). La Fotografía/pintura, marca su dependencia y le deja el cambio el poder pintar libremente.
En la Fotografía de Retrato, podemos usar filtros para eliminar defectos, aunque unos autores quieren ir más allá: buscar la esencia del hombre; no con la intención de sacar la del agrado, sino recuperar lo que son en realidad. Sólo nosotros podemos sacar la fotografía familiar, pues no somos desconocidos al núcleo, mostrándolo tal como es. 
ORÍGENES DEL RETRATO
Arte contemporáneo de momificar a las personas. El pensamiento mágico es el que nos permite hablar sobre la imagen.  
Autores del Retrato:
ð     Felix Nadar
ð     Diane Arbus 
Retrato es pues, un estatus social (Joan Costa, “Civilización de la Imagen”)
quizás uno de los retratos, más famosos de todos los tiempos. el del ernesto guevara de la serna, che.

domingo, 22 de enero de 2012

gustave caillebotte

Pintor y coleccionista francés. Arquitecto naval de profesión, fue también un prolífico pintor de temas contemporáneos, vistas urbanas y campestres, bodegones y barcos. Participó en cinco exposiciones de los impresionistas pero es más conocido como mecenas que como pintor, aunque su París, día lluvioso se convirtió en una obra muy apreciada y reproducida. Adquirió obras de los demás pintores impresionistas y a su muerte legó al Estado su colección compuesta por sesenta y cinco cuadros. Contra la oposición de varios artistas académicos, representantes del gusto de la Ecole des Beaux-Arts y del Salón Oficial, y tras grandes polémicas, fueron aceptados treinta y ocho cuadros que constituyeron el núcleo del Museo de Luxemburgo. Fueron transferidas al Louvre en 1928 y actualmente se encuentran en le Museo de Orsay.
Pocos  pintores, por no decir ninguno, contribuyeron tanto al fenómeno impresionista como Gustave Caillebotte (1848-1894), y, sin embargo, este nombre aparece siempre en una segunda fila, por detrás de outsiders como Monet, Renoir, Degas, y compañía. A su obra pictórica, importantísima aunque quizás no al mismo nivel que la de los célebres pintores citado.

Pero vamos a dejar un poco al margen esta labor de mecenas y centrarnos en la carrera pictórica de Caillebotte. Más joven que la mayoría de sus colegas impresionistas, no participa en la primera exposición de 1874, pero, no obstante, sí lo hace en la de 1877, causando estupor entre críticos y compañeros. Su obra resultaba extraña: mientras que el dibujo y las composiciones resultaban muy similares a la pintura académica e incluso obsoleta del Salón, sus colores y pinceladas tenían una vocación claramente impresionista.
En su primera obra maestra, Los acuchilladores (1876, París, Museo d'Orsay) Caillebotte reúne un enfoque casi fotográfico con una composición marcada por una extraña y vertiginosa perspectiva, característica constante en sus primeras obras. Esta obra ejemplifica como ninguna otra obra el estupor que Caillebotte podía causar entre los asistentes a las primeras exposiciones impresionistas. Zola, quien apreciaba bastante a Caillebotte, la describía como "una pintura antiartística, limpia, helada y burguesa, a fuerza de exactitud." No es de extrañar que los mayores aplausos a esta obra vinieran de los sectores conservadores del salón, lo que quizás no agradó demasiado al artista.
El Puente de Europa (1876, Ginebra, Museé du Petit-Palais) y, sobre todo, París, tiempo de lluvia (1877, The Art Institute of Chicago) mantienen las características de la pintura anterior, y convierten el Paris de Haussmann en el escenario favorito de las personalísimas perspectivas de Caillebotte.
A partir del año siguiente, Caillebotte comienza a alejarse del estilo serio y frío del Salón para crear su propio estilo plenamente impresionista. Esto resulta evidente en las diferentes versiones del Hombre en el balcón , en los que la originalidad de la perspectiva atrapa al espectador, atrayéndolo a mirar más allá del hombre -en apariencia el protagonista de la pintura- para centrarse en la grandiosidad del espacio exterior.

El la década de 1880 la carrera de Caillebotte da un giro radical al trasladarse a una casa frente a Argenteuil, a orillas del Sena, donde comienza su afición por los veleros y las regatas.
Las obras de este periodo se caracterizan por una moderación en las perspectivas, menos forzadas que en la mayoría de pinturas urbanas de París, aunque continúa con las composiciones inusuales, ya sea por extraños puntos de vista o por estar en apariencia arbitrariamente cortadas. Las bellas imágenes de veleros que pinta Caillebotte tienen una clara influencia en las que Monet representara unos años antes.

 un vistazo por la enorme trayectoria de este gran pintor, completamente infravalorado.