domingo, 30 de octubre de 2016


historia de la fotografia subacuática

En la década de los 1920, William Longley  estaba estudiando peces, y esto causo una intriga en él, ya que decidió fotografiarlos, en su hábitat natural con la toma de imágenes a color. Esto no había sido realizado previamente. El método utilizado por Longley consistía en fotografiar objetos estacionarios como corales, anémonas y abanicos de mar. Aun así, esto requería de una exposición de más de 10 segundos y las imágenes resultaban oscuras. Al no obtener el resultado deseado, Longley optó por utilizar polvo de magnesio, una substancia altamente explosiva, para iluminar con más claridad bajo el agua, y así poder obtener las imágenes con mayor iluminación y color. Una vez reveladas las imágenes, éstas presentaban a los peces de una manera sumamente clara y colorida.
Las primeras cámaras fotográficas para uso subacuático, y comercializadas para la venta, aparecieron hacia el año 1960. Se trataba de una pequeña cámara, que tenía como nombre calypshot  y en cuyo desarrollo y comercialización tuvo una participación imprescindible un hombre cuya vida ha estado siempre relacionada con el mundo submarino, Costeau . Era una cámara anfibia de construcción muy resistente, resistente a la inmersión en agua hasta 40 m, de visor independiente no réflex  y que producía error de paralaje  (i.e.,no se ve exactamente lo que se fotografía). Esto se conseguía gracias a unas juntas tóricas de estanqueidad, que impedían la penetración del agua por las zonas móviles y articuladas del cuerpo de la cámara y de los objetivos. Estas cámaras se mantuvieron a la venta, con distintas versiones modernizadas y bajo el nombre de serie “Nikonos” -que abarcó desde la serie I hasta la V- hasta el año 2002, en que dejó de fabricarse el último modelo de la saga, la Nikonos V  Aún actualmente se pueden encontrar estas cámaras en el mercado de segunda mano.

Aunque la Nikonos ha sido el emblema de las cámaras anfibias, no ha sido la única, y otras empresas también han fabricado cámaras de este tipo, como la motomarine  entre otras.
Con la aparición de la cámara reflex , se optó por una nueva solución. Construir cajas estancas (mediante juntas tóricas de estanqueidad) para introducir en ellas algunos modelos de cámaras réflex y poner en la superficie de la caja unos mandos que la atravesasen y nos permitiesen accionar los de la propia cámara fotográfica. Con esto se conseguían importantes avances en la realización de las fotografías, ya que además de la visión réflex (a través del propio objetivo de la cámara), se podían usar todos los automatismos que poseen estas cámaras y de los que carecían las cámaras anfibias. Esta es la forma en que se han venido realizando la mayoría de las fotografías subacuáticas, y aún se siguen haciendo actualmente, que se pueden ver publicadas en las revistas especializadas en temas submarinos.
Sin embargo, en los últimos años, la popularización de la fotografía digital y el submarinismo ha propiciado la aparición de una enorme cantidad de cámaras fotográficas digitales de formato compacto, para muchas de las cuales se vende como accesorio una pequeña caja estanca que permite su uso bajo el agua hasta las profundidades en que se suele practicar el buceo deportivo. La popularización de este sistema fotográfico nadie la pone en duda, debido en gran parte a las ventajas que presenta sobre la fotografía química . Entre ellas cabe citar:
- Capacidad de tarjeta de memoria frente a los 36 fotogramas;
- Visualización inmediata de la fotografía realizada en la pantalla TFT que poseen estas cámaras;
- Mejor respuestas en condiciones fotográficas de baja luminosidad, algo habitual bajo el agua, lo que permite realizar fotografías sin "flash" o "de ambiente

dificultades de la fotografía subacuática

Las dificultades fotográficas que plantea el medio subacuático a los fotografos son:
1. La elevada presión que experimentan los fotógrafos bajo el agua, hace que los equipos fotográficos deban ser no sólo estancos sino resistentes a la presión, o bien protegidos en el interior de cajas estancas especiales. Así, para la obtención de esas imágenes se precisan cámaras fotográficas con características especiales. Para utilizar cámaras fotográficas convencionales, las mismas se las protege colocándolas en en unas “cajas” especiales que permiten manejarlas sin que se mojen, pero debido a que estas cámaras no están diseñadas para tomar imágenes acuáticas, se debe tener precaución con los niveles de inmersión de la misma, ya que al al no estar diseñadas para ese tipo de captura de imagen, la cámara pueda sufrir daños irreparables debido a los niveles de presión experimentados bajo el agua.

2. La falta de luz del entorno subacuático conforme aumenta la profundidad y el efecto de filtrado selectivo de los colores al descender en la columna de agua, hace que habitualmente se deban emplear sofisticados equipos de iluminación para restaurar la coloración original de los sujetos fotografiados.
3. La difracción del agua, hace que los objetivos fotográficos aumenten su longitud focal con respecto a la que tienen en la fotografía subaérea; dificultando la buena toma de imágenes.

Fotografía Subacuática

La fotografía subacuática es la especialidad fotográfica desarrollada para poder realizar fotografías en inmersión. La fotografía subacuática es una modalidad muy practicada en el buceo deportivo y en el estudio de la biología marina. La Fedas , así como organizaciones internacionales de buceo como la CMAS  tienen especialidad competitiva en la toma de imágenes subacuáticas. En España, la FEDAS puso en marcha en 1999 un plan de enseñanza de la Fotografía subacuática con la formación en primer lugar de más de cuarenta instructores, repartidos por toda la geografía española. Estos instructores a su vez, junto a un equipo de personas pertenecientes al comité de imagen de FEDAS, han contribuido al desarrollo y creación de los diferentes niveles de enseñanza. Además, la fotografía subacuática se ha planteado por la FEDAS y otras organizaciones inetrnacionales de buceo deportivo, como una alternativa competitiva y "eco-amigable" a la tradicional pesca recreativa.

Pero más allá de su valor estético la fotografía subacuática es la mejor o incluso la única opción que tienen los científicos para documentar sus descubrimientos en ambientes marinos. Se trata, pues, de una especialidad fotográfica muy utilizada por diferentes ciencias entre las que cabe mencionar: arqueología subacuática  marina o de aguas continentales, ecologia, oceanografia.

Charles Ebbets


Ana Paula Sanz


Erika Babatz

Mexicana de nacimiento en una familia emparentada con la región de Hannover. Aprendió a mirar detrás de una cámara a la edad de diez años, pero no reparó en la importancia de lo que observaba hasta llegar a Brandenburgo. Estudió muchas cosas que apenas recuerda, y busca con denuedo olvidar otras que le impiden poseer la mirada limpia. Tal vez por eso fotografía el tiempo sólido de los deshechos. Habla un lenguaje propio denominado Babadeutsch.


  • Sus raíces se hunden tanto en México como en Alemania.
  • Su última serie, Bodegones berlineses, se compone de una serie de imágenes – fotografías y fotogramas - elaboradas a partir de la disposición en el estudio de elementos que se podrían calificar como detritus urbano, balones rotos, envases desechados, cámaras de bicicleta, frutas secas… con las que la autora juega para plasmar imágenes que recrean las piezas con reverencia compositiva.
  • Estas fotografías fueron realizadas con una cámara Hasselblad 500 CM y luz natural a lo largo de 12 meses en una habitación de la Manteuffelstraße, en Berlín. Se utilizó película Rollei Retro 100 -restos de fábrica de Agfa- y Rollei Retro 400S. Las copias están impresas a mano, también por Erika, en papel baritado ILFORD Multigrade IV – FB 1K de 255 g/m2 – 40,6 x 50,8 cm.
  • Exposiciones en solitario:
    • 2011 Bodegones berlineses. Galeria 3 Punts, Barcelona (Junio)
    • 2010 Bodegones berlineses - auf die Vergänglichkeit. Galería Utopia Parkway, Madrid
    • 2008 Vanitas der Entsorgung. Projektraum Ehegraben. Galerie Widmer + Theodoridis Contemporary, Zurich.

Panasonic Lumix DMC

Por su construcción, diseño y ergonomía esta Lumix  me recuerda a la Lx 100  que tuve la ocasión de analizar a fondo a principios del pasado mes de noviembre. Gracias al grip de la parte frontal la TZ70 ofrece un agarre fiable, y el tamaño del dial de selección de modo y los botones me parece muy correcto en una cámara de sus dimensiones. Aun así, los botones de encendido y conexión WiFi sí son bastante pequeños, lo que puede dificultar su uso a las personas con dedos gruesos. En cualquier caso, la ergonomía global de esta cámara me parece muy correcta.

El sensor de la TZ70 es una unidad CMOS de 12,1 megapíxeles y un tamaño de 1/2,33 pulgadas. A bote pronto puede parecer que esta cámara tiene poca resolución, pero lo cierto es que sus megapíxeles son los adecuados para un captador de este tamaño porque evitan que los fotodiodos sean excesivamente pequeños. De hecho, esta Lumix incorpora fotorreceptores con un tamaño 1,5 veces superior al de los integrados en el sensor  que es su predecesora.
Como veremos en el apartado de calidad de imagen, gracias a este equilibrio entre la resolución y el tamaño físico del captador la TZ70 arroja un resultado muy notable en las pruebas de sensibilidad ISO, lo que la coloca un peldaño por encima de algunas de sus competidoras al disparar en escenarios con poca luz ambiental.

Concurso Imágenes de Torrelavit

El domingo 30 de octubre de 2016, la Concejalía de Turismo del Ayuntamiento de Torrelavit, organiza la 10a Maratón Fotográfica Imágenes de Torrelavit.
1. Participantes:
Podrán participar tanto fotógrafos profesionales como aficionados al mundo de la fotografía. Los participantes quedan convocados el domingo 30 de octubre de 2016, entre las 9 y las 10:30 horas para formalizar la inscripción y a continuación empezar la maratón. A partir de las 10:30 horas no se aceptará ninguna inscripción.
Las inscripciones se realizaran el mismo día del concurso en el Casal de Cultura de Torrelavit. Se aceptará solo la modalidad de fotografía digital y será obligatorio realizar las fotografías en formato JPG. Se establecen dos categorías, infantil (hasta 14 años) y adultos. Se establece una categoría para la modalidad de Instagram. Las bases específicas para esta modalidad se pueden consultar en el apartado #TORRELAVITesmoltmes de nuestra página web (www.mftorrelavit.com).
2. Temas:
El mismo día del concurso se darán a conocer los 3 temas de concurso. Para la categoría infantil se establece un único tema y este se dará a conocer también el mismo día del concurso. Se podrán realizar tantas fotografías como se desee, no obstante, a la hora de la entrega de estas, el propio concursante tendrá que elegir las tres que presenta a concurso (una para cada tema). El en caso de la categoría infantil, teniendo en cuenta que solo existe un tema, el propio concursante deberá decidir la fotografía que presenta a concurso. Todas las fotografías deberán estar realizadas en el término municipal de Torrelavit.
3. Entrega:
Entre las 12 y las 14 horas, los participantes tendrán que entregar, en el mismo punto de inicio, las fotografías realizadas. La organización se encargará de hacer la copia de las fotografías. En el momento de la inscripción se tendrá que realizar una fotografía inicial y se tendrá en cuenta a la hora de la entrega, que las 3 fotografías presentadas a concurso, se han realizado después de esta. En caso de incumplimiento de este punto, el participante quedará automáticamente fuera de concurso.
4. Selección
Un jurado formado por fotógrafos profesionales, se encargará de elegir una fotografía ganadora para cada tema y la mejor serie de 3 fotografías realizadas por una misma persona. En la categoría infantil, el mismo jurado, será el encargado de elegir una fotografía como ganadora. El veredicto del jurado será inapelable. Todas las fotografías presentadas a concurso serán expuestas en el Casal de Cultura de Torrelavit entre el 18 de noviembre y el 16 de diciembre de 2016.
5. Premios
Se establece un único premio de 100€ para cada uno de los 3 temas del concurso. Se establece un premio de 300€ para la mejor serie de 3 fotografías. En la categoría infantil, se establece un único premio de una cámara digital a la mejor fotografía. Se establece un premio especial de 150€ a la mejor serie realizada por un concursante local. Se establece un premio especial de una cámara digital a la mejor fotografía infantil realizada por un concursante local. Se establece un premio especial de una impresora fotográfica, gentileza de “Centre Informàtic Penedès”
La entrega de premios se realizará el viernes 18 de noviembre a las 20h en el Casal de Cultura de Torrelavit, coincidiendo con la inauguración de la exposición.

6. Observaciones:
El Ayuntamiento de Torrelavit se hará cargo de los rebelados y ampliaciones de todas las fotografías para la exposición. La organización se reserva el derecho a no exponer las 3 fotografías de cada participante en caso de una alta participación, teniendo en cuenta el espacio donde tienen que ser expuestas. No obstante, si se da este caso, se expondrá siempre alguna de las fotografías de cada participante.
Las obras premiadas quedarán en poder del Ayuntamiento de Torrelavit. El autor cede los derechos de publicación y reproducción de estas. En todos los casos que sea posible, el Ayuntamiento de Torrelavit se compromete a nombrar el nombre del autor. Todas las obras expuestas serán publicadas en una web creada especialmente para este concurso. Todos los participantes ceden los derechos para esta publicación.
Las fotografías no premiadas podrán ser retiradas en el Casal de Cultura de Torrelavit a partir del 19 de diciembre de 2016, las obras no retiradas serán devueltas por correo ordinario a su propietario. Cualquier duda sobre estas bases y el concurso se podrá realizar utilizando el siguiente correo electrónico
info@mftorrelavit.com.
Cualquier imprevisto no contemplado en estas bases será resuelto por la organización. El hecho de participar supone la aceptación de las bases.

Kansas " Drastic Measures"

Kansas " Drastic Measures" 1983 Aor Usa
Temas:
1. Fight Fire with Fire
2. Everybody's My Friend
3. Mainstream
4. Andi
5.  Going Through the Motions
6. Get Rich
7.  Don't Take Your Love Away
8. End of the Age
9.  Incident on a Bridge

Formación:
Phil Ehart: Batería
Dave Hope: Bajo
Kerry Livgren: Guitarra, Teclado
Jhon Elefante: Cantante, Teclado
Rich Williams: Guitarra



En este trabajo los Kansas se quedaron sin su violinista, harto del poco protagonismo que le daba la banda y de las letras cristianas, este fué el último trabajo de Elefante, empezaron a perder ventas y tuvieron que recurrir de nuevo a Walsh.
Fight Fire with Fire es el hit del tema, un corte que sonó en todas las radios durante meses y que aún sobrevive en las radios americanas. El aor estaba en su punto álgido y se buscaban melodías pegadizas y repetitivas como la de este tema, poca música y todo orientado a un estribillo facilón que trata de enganchar al oyente.
Everybody's My Friend tiene un trabajo en los teclados muy típico de otras bandas como los Journey y los Survivor que acabó por influenciar el sonido de los Van Halen en su última etapa con Roth como cantante.
El mejor corte de todo el trabajo es Mainstream. Un tema que va de menos a más, que tiene un estribillo muy elaborado divido en dos partes con unos coros agudos en la parte central que le quedan muy bien, la participación del guitarrista es mínima, la del bajo testimonial, pero aún así te atrapa el tema.
Por esta época los Uriah Heep también se habían pasado al Aor, con los mismos resultados que los Kansas, tuvieron mucho éxito a nivel de ventas pero la crítica los vapuleo. Andi por ejemplo, es un tema que es Pop sin más. Una balada que en el plano musical no tiene absolutamente nada, es simplemente una letra cristiana construida con coros sin más.
Going Through the Motions es el único tema que en el plano musical tiene algo de chicha. Logran un tema de lo más atmosférico gracias a los teclados. Van creciendo en atmósfera poco a poco hasta alcanzar el climax final con un cambio de estribillo en el punto álgido del corte, cuando menos te lo esperas.
Como siempre con el resto de temas, nos queda una simple repitición de las ideas de siempre. Get Rich es exactamente igual que el anterior corte pero sin gancho ninguno.  Don't Take Your Love Away tiene un toque Aor tan pomposo que no funciona.
End of the Edge tira de teclados para recrear una atmósfera algo más densa pero que no termina por atrapar al oyente en ningún momento. Finalizamos con Incident of a Bridge, donde entra en juego el teclado y un riff de guitarra.... no abunda en este trabajo los solos ni riffs de guitarra, demasiado blando.
Como todos los álbumes de los Kansas de los ochenta, presenta las mismas virtudes y las mismas carencias. Si buscas melodías muy bien elaboradas y que simplemente te enganchen durante una temporada para luego olvidarte rapidamente de ellas, este y todos los álbumes de Kansas de los ochenta, son tus trabajos. En cambio si buscas algo elaborado o simplemente buscas la magia creativa de los Kansas de los setenta, hay que decir que se evaporó hace muchísimo tiempo.
La etapa de Jhon Elefante finalizaba con este trabajo, es un cantante cristiano que supo rentabilizar su paso por una gran banda. Volvería Walsh en el siguiente trabajo y tratarían de convencernos de que volvían por la puerta grande, pero eso ya es otra historia que os contaré mañana.

Kansas " Leftoverture"

Kansas " Leftoverture" 1976 Usa Rock
Temas:
1. Carry on Wayward Son
2. The Wall
3. Whats on my Mind
4. Miracles Out of Nowhere
5. Opus Insert
6. Questions of My Childhood
7. Cheyenne Anthem
8.  Opus Magnum


Formación:
Steve Walsh: Cantante, Piano
Kerry Livgren: Guitarra, teclados
Robby Steinhardt: Violín, Viola, Voces
Dave Hope: Bajo
Phil Ehart: Batería


Entramos ya en la época dorada de la banda, seguramente este sea una de sus obras maestras. Grabado en Loiusiana durante un año, este fué el primer gran éxito para la banda, con este trabajo logró escalar hasta el quinto puesto en los charts del Billboard.
Se podría decir que en este trabajo los Kansas pierden por completo esas referencias del Rock progresivo europeo que los hacían diferentes para centrarse en un sonido más comercial, mucho más americano, podríamos compararlo con los Boston y los Styx.
Personalmente me parece menos ambicioso en el plano musical pero aún así, hay que admitir que esos tintes Aor están tan bien ejecutados que podríamos decir que las melodías más que pegadizas, son realmente adictivas.
Carry on Wayward Son es uno de los mejores temas de los Kansas, uno de los hits que jamás faltan en sus conciertos. El éxito lo alcanza gracias a unos coros esplendidos y unos solos muy rockeros, sencillos pero que transmiten.
De todas formas es uno de esos temas que conoce todo el mundo y que transcienden los generos musicales para convertirse en parte de la cultura popular, ese es el mérito de los Kansas.  The Wall es un corte donde los Kansas nos ofrecen un trabajo de piano y violín mucho más comedido que en anteriores trabajos, más orientado hacia el Aor, es decir, perdiendo por completo todo lo que su música tenía de progresivo.
Whats on my Mind viene a demostrar la nueva máxima de la banda. Los teclados, piano y violín pierden fuerza, con lo cual, le dan carpetazo definitivamente a la etapa progresivo. No es que fueran unos genios, pero si unos músicos muy habilodosos. Trabajan la melodía y sobre todo la guitarra cobra protagonista, unos riffs y solos siempre lentos que recuerdan a Eric Clapton.
Miracles Out of Nowhere es uno de los pocos temas que tiene cierta orquestación como en los viejos tiempos, pero sin esa creatividad que les caracterizó. Enseguida se arrancan con acústicas y nos brindan una melodía que recuerda a los Jethro Tull solo que con más chispa y energía. Exceptuando el primer tema que es un auténtico hit, el resto de temas de este trabajo, tienen melodías muy logradas, pero no consiguen transmitir como los anteriores álbumes.
Otro de los puntales de este trabajo es Opus Insert. Melodía pegadiza y siempre orientada hacia el Aor, buenos arreglos por parte del teclado y las acústicas, brindando una nueva melodía que sono día y noche en las radios. Me recuerda a otras bandas como Journey, Toto, Saga, Triumph, Styx, Foreigner... por ahí van los tiros.
Questions of my Childhood es de lo poco progresivo que contiene este trabajo, pero es un progresivo que siempre acaba orientado hacia el Aor. Quizás lo más significativo de este trabajo es que los violínes pierden todo su protagonismo, para centrarse unicamente en las melodías. Cheyenne Anthem es un corte que tira de teclados, porque aunque los violines desaparezcan, el teclado como solista pierde todo y se limita tan solo a mero acompañante y la melodía siempre las llevan las acústicas.
Finaliza el álbum con un tema como Magnus Opus, un corte de ocho minutos dividido en cuatro secciones muy diferentes, algún momento brillante hay. A nivel de ventas, este fué el mejor álbum de los Kansas, creativamente está muy alejado de sus dos primeros trabajos.
https://www.youtube.com/watch?v=R_tRtG4mLgc&index=8&list=PLy3Eml1H1Si2RUo4aUPOpQY_NJxFsJUSs
álbum completo

Kansas " Kansas "

Kansas " Kansas " Usa 1974 Rock
Temas:
1- Can I Tell You
2- Bring it Back
3- Lonely Wind
4-Belexes
5-Journey from Mariabronn
6- The Pilgramage
7- Aperçu
8-Death of Mother Nature Suite

Formación:
Phil Ehart: Batería
Dave Hope: Bajo
 Kerry Livgren:  Guitarra, Piano
 Robin Steinhardt:  Violín, Cantante
 Steve Walsh:  Piano, Cantante
 Rich Willians:  Violín, Guitarra
 Jay Siegel: The Tokens: Cantante en Lonely Wind


Aprovechando que los Kansas van a editar un nuevo álbum después de 16 años de silencio, vamos a repasar toda su discografía. Kansas es una banda creada en Topeka ( Kansas) en 1973. Durante toda su trayectoria han abarcado diferentes estilos musicales: Rock, Aor, Boogie, Progresivo..etc.
La banda fué fundada por el bajista Dave Hope. En los setenta lograron una popularidad enorme gracias al tema Dust in the Wind, pero no nos adelentemos a los acontecimientos. Estamos en los años de progresivo de la banda.
Arrancaron con buen pie su carrera discográfica, debutando con este álbum de título homónimo en la posición 174 del Billboard.  21 años después este álbum consiguió el oro. Cant Tell You es el primer tema de esta enorme banda, se les nota la influencia de los Genesis y el toque progresivo.
Mi tema favorito de todo el plástico es Bring it Back, tiene algo de Boogie Rock que recuerda a los primeros tres álbumes de los Deep Purple, otra de las grandes influencias de la banda. Me gusta mucho la labor de percusionista, le da una mezcla de estilos de lo más interesante, pero sobre todo el piano y los violines son los que marcan el devenir del tema.
Lonely Wind  es la balada del álbum. Siempre fué una banda con un gran gusto compositivo, también los podríamos comparar con los Uriah Heep y los Magnum.... en menor medida con los Marillion. Esta es una balada que tuvo impacto en su época, recuerda mucho a las baladas de los Eagles, ese Pop- Rock sin pulir y tirando de elegancia con el piano.
El mejor riff de la guitarra se lo lleva el tema Lonely Wind, un riff portentoso que recuerda muchísimo a los de Blackmore, combinándolo con los violines y el órgano Hammond, imponiendo un ritmo más veloz, trepidante y sobre todo con mucha garra, ellos también han influenciado a las futuras bandas de Folk.
 En Belexes, simplemente se luce cada músico con su aportación. Este es uno de los álbumes más importantes de la historia del progresivo, bandas como los canadienses Saga, han sido influenciados de forma crucial por los maestros Kansas. Esa alternación entre teclado y guitarra, recuerda muchísimo a los Deep Purple, pero los Kansas le dan una atmósfera mucho más clásica y atmosférica, porque están a su vez influenciados por la música clásica.
 Después del tema instrumental toca Journey from Mariabronn, con una base rítmica de jazz, de la que la banda Camel se haría eco. Rozando el Krautrock y recordando a los Eloy alemanes, un tema denso del que también tomaron nota las bandas de rock progresivo andaluz como los Storm.
 Algo más terrenal es el tema The Pilgramage. Un delicioso mediotiempo melódico con momentos de Jazz Fussion en la base rítmica, para arrancarse con un Booggie Rock con un estribillo muy pegadizo que recuerda a los Led Zeppelin.
Aperçu es un tema compuesto por Steve Walsh, tiene absolutamente de todo. Son nueve minutos de duración y esos instrumentos de viento te llevan directamente a soñar con los Jethro Tull. De nuevo apuestan por el jazz en las partes más lentas para remontar el vuelo con un estribillo con mucha elegancia y clase que despide sus primeros efluvios rockeros... sencillamente, al alcance de muy pocos la calidad extraterrestre que atesora esta banda. Death of Mother Nature Suite es uno de los cortes que le marca el camino al siguiente trabajo, con unos coros de música negra logrados y mucha más presencia de la guitarra, más rockero. Una obra maestra, nunca entendí como a los Kansas no se les reconoce como una de las mejores bandas de Rock de la historia.

https://www.youtube.com/watch?v=3DlMXdZe9UA
álbum completo

Coz " Duro"


Coz " Duro"1982 Rock España
Temas:
1. Bate de Beisbol
2. Las manos quietas
3. Juego para ganar
4. Contra la pared
5. Apuesto lo que quieras
6. Va a ser un placer
7. Nada que Aprender
8. Contraataque
9. Por Verte
10. Mr Money

Formación:
Juan Marquez: Bajo, Cantante
Cutu: Batería
Eduardo Pinilla: Guitarra


Esta es la época mas importante de los Coz. En 1982 producidos por Vicente Romero graban en Londres el plástico Duro. Un álbum grabado para el sello CBS. El álbum no tiene ningún éxito y poco después obtienen la carta de libertad del sello para firmar con quién quieran o puedan. En 1984 Coz decidió montar su propio sello discográfico, Cable Records.
Que el álbum no obtuviese buenas ventas no significa que el trabajo sea malo, mas bien todo lo contrario, para mi gusto es el mejor trabajo de los Coz. Este plástico es mucho mas rockero que los dos anteriores y musicalmente también tiene mas calidad.
Bate de beisbol es un tema de rock duro y veloz donde lo que mas destaca es el trabajo de la guitarra, en lineas generales este es un trabajo donde Eduardo Penilla hace un trabajo genial. Las manos quietas es un tema con unos riffs espaciados y muy alegres. Fijaos en la construcción del solo, está muy bien elaborado y hay que destacar una vez mas, la calidad de los solos de guitarra de todo el trabajo, pese a la candidez de las letras.
Juega para Ganar tiene un riff melódico a mediotiempo que lleva al tema en volandas. Está claro de donde lo sacaron, de los Thin Lizzy. La banda de Phil Lynnot también influenció mucho a Los Suaves en sus inicios. Es un rock melódico acelerado muy agradable de escuchar. Apuesta lo que quieras es un tema que te recordará y mucho al primer trabajo de Barón Rojo, todas las bandas de Rock and Roll de nuestro país estaban apostando por la mismas influencias.
Va a ser un placer es la mejor letra que compusieron los Coz en toda su carrera y uno de sus emblemas. Es un mediotiempo con influencia de los AC/DC, con mucho feeling en los riffs que de nuevo vuelven a recordar a los Barón Rojo, pena que la producción sea tan floja.
Nada que aprender es un tema pensado para la juventud de aquella época que no tiene nada que ver con la juventud de hoy en dia. Me gusta la melodía que hay en las guitarras y la distorsión en el riff rítmico, le echan muchas ganas y apuestan por los coros para darle un toque mas agresivo al tema.
Contraataque es un rock con alma de Punk, todo muy inglés, melódico y bailable y de nuevo con los riffs melódicos de los Thin Lizzy. Es un buen álbum pero a mi me falta un tema diferenciador, son todos demasiado similares.
Por Verte es un nuevo rock acelerado que también puede recordar al primer álbum de los Panzer y es que aunque se haya olvidado injustamente el legado de los Coz y siempre se hable del Barón o de Leño, lo cierto es que Coz también puso su granito de arena en la evolución de rock en nuestro país y tiene mérito, pues fueron años duros. Mr Money es la única balada del plástico, algo candida pero ahí queda el esfuerzo.  No hay un temazo en este plástico pero ningún tema que baje el listón tampoco, para mi gusto es su álbum mas completo.
https://www.youtube.com/watch?v=icyK44ht1ts
álbum completo

Marie Stillman

El movimiento artístico conocido como prerrafaelita, que quiso recuperar la esencia del arte gótico, estuvo protagonizado e impulsado en su gran mayoría por pintores. Las mujeres fueron sus musas e inspiradoras de los grandes lienzos que legaron a la historia del arte. Pero algunas de aquellas hermosas modelos fueron también grandes pintoras. Una de ellas fue Marie Stillman, una mujer de belleza perfecta que se convirtió en una gran artista prerrafaelita.
 Marie Euphrosyne Spartali nació el 10 de marzo de 1844 en Londres. Marie era la hija 


pequeña de Michael Spartali y Eufrosina, una familia de origen griego muy acomodada. En su hogar, su padre organizaba veladas culturales con nombres destacados de las letras y el arte. Marie pronto destacó como una hermosa muchacha con una belleza que no dejaba impasible a nadie. Junto a sus primas, María Zambaco y Aglaia Coronio, eran conocidas como las tres gracias griegas por su hermosura. Muchos quedaron prendados de Marie hasta el punto de afirmar, como lo hizo el poeta Algernon Charles Swinburne, que era “tan hermosa que querría sentarme a llorar”.

Leonor Fini

Nació en la Buenos Aires, hija de Malvina Braun Dubich y Herminio Fini. a Su padre la familia materna impidio en todo momento que se relacionara con leonor.
En 1909 se mudaron a Trieste a vivir con su tío Ernesto Braun. El padre amenazó raptarla y la madre la vestía de varón para disimularla.
En 1924 se trasladó a Milán  y luego a París  para realizar su vocación de artista.
En la capital francesa, París , entró en contacto con otros artistas como Paul elard, henri cartier Bresson, Max Ernst , Henri (que la fotografió desnuda en 1933), Ernst(que fue su amante), Bataille, Picasso, Mandiargues, Salvador Dalí,  Fue amiga de Cocteau o María Felix.


También se dedicó al diseño de vestuario y decorados para obras de teatro. Diseñó el envase del perfume "Shocking" para la diseñadora italiana Elsa Schiaperlli
En la década de los años 70 escribió tres novelas (Rogomelec, Moumour, Contes pour enfants velu y Oneiropompe).
Fini fue también una destacada ilustradora en obras de Edgar Allan Poe, Marcel Aymé,  o el marques de Sade  (« Histoire de Juliette», 1945).
Tuvo muestras retrospectivas en Bélgica (1965), Tokio (1972) y París (1986).
Muchas de sus últimas pinturas juegan con las fantasías eróticas y la muerte.

amor en su punto

2013 Irlanda. 87 minutos. romántica. Director: Teresa de Pelegrí, Dominic Harari. Guión: Teresa de Pelegrí, música: ray harman. fotografía: Andreu Rebés. Productora: Coproducción Irlanda-España-Francia-Estados Unidos; Tornasol Films / Parallel Films / Haut&CourtDistribution / Fox International. Reparto: richard coyle, leonor watling, ginés garcía millán, simon delaney, lorcan cranitch, bronagh gallagher, ger ryan, david wilmot.
Sinopsis:
Oliver (Richard Coyle) es un conocido periodista gastronómico de Dublín en plena crisis sentimental. A pesar de que su columna sobre el buen comer y la búsqueda del alma gemela es un éxito en Irlanda, su vida amorosa es un desastre: todas sus relaciones acaban en fracaso. Cuando su última pareja lo abandona, conoce a Bibiana (Leonor Watling), una comisaria de arte española por la que Oliver se siente atraído desde el primer momento, a pesar de que no tienen nada en común. A ella la van las buenas causas, a él la buena comida. Mientras que ella es audaz en el amor y se lanza de cabeza a relaciones imposibles, a él le aterran los compromisos.

Si alguien espera una comedia realmente divertida y/o imaginativa, lo mejor será que no opte por "Amor en su punto", donde el humor brilla por su ausencia. Ésta es una película a ratos agradable, otros extremadamente vulgar y, en general, poco novedosa con un guión poco sorprendente (y a menudo exagerado) y un reparto que no parece esforzarse demasiado (Richard Coyle y Leonor Watling están bien, a secas, y entre los secundarios sólo destaca Ger Ryan, emotiva y creíble como la madre del protagonista pese a que tanto su papel como el del padre estén ya tan vistos).


La gran novedad de este film es su trato del vegetarianismo, convertido en tema central del film, tanto por su relación con los personajes como por su impacto en la trama. Por desgracia, se recurre a los tópicos de siempre, según los cuales la dieta vegetariana consiste en quedarse siempre con hambre, devorar verduras frías y tofu, fumar, ir a la India y formar grupos radicales. En realidad, no queda claro si el tema se trata para reírse de él o para defenderlo, pero lo cierto es que es de agradecer que una simple comedia romántica se centre en un tema nada desarrollado (de hecho, no puedo pensar ahora mismo en film alguno que tenga el vegetarianismo como tema central) e interesante. Del mismo modo, la defensa de los animales está tratada con el debido respeto, contrastando la visión anticuada de él con la visión liberal de ella.


Al margen de ello, todo está visto: típico comedia romántica con enredos y desenredos donde la comida juega un gran papel. No obstante, al contrario que otros films "alimenticios" varias escenas de éste dan más ganas de vomitar que de comer, lo cual es sin duda paradógico. La alemana "Deliciosa Marta" y su remake estadounidense "Sin reservas" aportan placeres mucho mayores para este tipo de film. No obstante, por su inclusión del interesante tema del vegetarianismo e invitar a debatir sobre el mismo, se trata de una película que, si bien no es en absoluto destacable, tampoco es por completo innecesaria.

En cuanto a humor, sólo me reí en una ocasión, con un chiste tonto que cuenta la protagonista: "¿Cuál es la diferencia entre un tomate y una patata? Que ambos son rojos. Salvo la patata". Imaginad la poca gracia del resto.
 https://www.youtube.com/watch?v=LI1cMfZo68M
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Agustina de Aragón

1950 españa 126 minutod. director: juan de orduña. guión: Juan de orduña, vicente escrivá. música: Juan quintero. Fotografia: Theodore. productora: Cifesa. Reparto: aurora bautista, fernando rey, virgilio teixeiran, eduardo fajardo, manuel luna, josé bódalo, fernando fernández de Córdoba, guillermo marín, maria asquerino, manuel arbó, fernando aguirre, juan espantelaón, raúl cancio, anival vela, nicolás perchicot, pablo álvarez, juan vázquez, maria cañete, valeriano andres, eugenio domingo, fernando norgueras, fernando sancho, antonio plana, francisco pierra, josé orjas, pilar muñoz, arturo marín, josé jaspe, rosaria garcia ortega, felix fernández, adriano dominguez, alfonso de córdoba.
Sinopsis: Durante el asedio de las tropas francesas de Napoleón a la ciudad de Zaragoza, Agustina, joven prometida a punto de contraer matrimonio, se ve implicada en un asunto secreto del Estado. Encendida de patriotismo, decidida y valiente, se pone al frente de los aragoneses, a los que estimula y anima con su valor y su patriotismo. Agustina rompe con su prometido al enterarse de que se ha vendido a los franceses y se enamora de un bravo baturro llamado Juan. Animados por Agustina, figura inmortal en la historia de España, los aragoneses logran arrojar a los franceses de su territorio y obtener la victoria para ellos y para su patria


 'Agustina de Aragón' es, fue y será una película patriótica, una superproducción filmada en tiempos franquistas que sirvió cómo objeto para que el pueblo se enorgulleciese de su nación y apoyara aún más a la dictadura fascista. Vista en este nuevo milenio no deja de ser una película historíca, biográfica, llena de figuras que resaltan por encima de las demás a modo de héroes y heroinas. Una película que quiere dejar bien claro quienes fueron los buenos (los españoles) y quienes los malos (los franceses). Una película con dosis de tristeza y alegría a partes iguales, que también cuenta con alguna escena de acción y violencia y que hasta puede sacarte una sonrisa o risa en algún que otra situación.


Las escenas constan de poco realismo y gracias a sus inexpresivos actores consiguen hacerlas aún menos creíbles, causado en parte por la poca experiencia de los "millares" (así los vende la publicidad de la película) de extras que aparecen en sus escenas épicas y bélicas. El montaje es penoso, la dirección normalita y la música cumple sin más. La mayor pega esque la película llega a cansar en muchos ratos y no debido a su duración, ya que esta no es nada exagerada, sino debido a su ritmo irregular.


En resumen, una "superproducción" española, patriota, histórica y épica que es mejor mirarla cómo si fuera una película sin más y no con todo lo que acarrae detrás de su producción. Una película aburrida y emocionante a partes iguales.
https://www.youtube.com/watch?v=icIN88Tsb84
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la ciudad quemada

1976 españa drama histórico 156 minutos. director: Antoni Ribas. Guión: Andoni Ribas. Música: Manuel Valls. Fotografía: Teodoro Escamilla. Reparto:  ángela Molina, Xabier Elorriaga, José Luis López Vázquez, Núria Espert, Francisco Casares, Adolfo Marsillach, Teresa Gimpera, Jeanninne Mestre, Pau Garsaball, Mary Santpere, Joan Manuel Serrat, José Vivó, Rafael Anglada, Joan Borrás, Alfred Lucchetti.
Sinopsis: Película que narra los acontecimientos históricos que se produjeron en Barcelona entre los años 1899 y 1909. Desde el regreso de los soldados de la guerra de Cuba hasta la rebelión popular conocida como 'La Semana Trágica'.
La acción se desarrolla entre los años 1899 y 1909. La entrada a un nuevo siglo y las diferencias sociales cada vez más agudas entre unos pocos y la clase política apoyada por la burguesía no sin alejarse de la monarquía que espera ansiosamente la coronación del Rey Alfonso XIII, están entre los acontecimientos que resurgieron entre el fin de la Guerra de Cuba a los hechos que desencadenaron la terrible “Setmana Trágica” de Barcelona (acaecida entre el 26 de julio y 2 de agosto de 1909) por la negación de alistar a filas a miles de soldados en el Norte de África y la falta de recursos que padecía el país; unos días que la capital catalana se llenó de barricadas, los conventos fueron saqueados, incendiados y profanados. Algunos de los instigadores, entre ellos un pedagogo partidario de instaurar un modelo estudiantil laico, Francesc Ferrer Guàrdia, fueron ejecutados.


En ése marco histórico conocemos a Josep (Xabier Elorriaga), de orígenes humildes, regresa de Cuba con Frederic (Francisco Casares), un hombre de negocios indiano que, tras un incidente en las caballerizas de la masia de verano propiedad de su hermano el señor Palau (Pau Garsaball) es presentado a su familia. Las hijas Remei (Jeannine Mestre) i Roser (Ángela Molina) quedan prendidas por el huésped, pero Josep decide casarse con Remei. A poco a poco tendrá un papel decisivo e importante en los Palau pero no dejará de lado su orgullo obrero. En el panorama político Francesc Cambó (Adolfo Marsillach) clama derechos para los ciudadanos con el fin de mantener elevada su posición. Mientras tanto Alejandro Lerroux (Alfred Luchetti), también movido por sus intereses, anuncia su llegada a Barcelona para ganarse adeptos entre el Pueblo.


El realizador catalán Antoni Ribas (Barcelona 1935-2007) más que un cineasta era todo un historiador que no siempre disfrutó de las subvenciones reportadas en el desarrollo de sus producciones épicas pero muy bien documentadas. Prueba de ello se demuestra en películas como el reportaje “Catalans Universals” (1980) que nos ofrecia una mirada a personalidades del mundo del Arte como Joan Miró o Salvador Dalí, en la Medicina; el doctor Ignasi Barraquer o en la Escena; la soprano Montserrat Caballé. Pero sus films históricos son los más característicos en su carrera; “Victoria! La Gran Aventura d´un Poble” (1983) sobre la llegada del Dictador Miguel Primo de Ribera; “Dalí” (1990) en que el hijo de Anthony Quinn, Lorenzo interpretaba al pintor surrelista; luego llegaron “Terra de Canons” (2000), cinta que le llevó muchos años de rodaje, y problemas con la Generalitat y nuevamente con Lorenzo, y ésta vez al lado de su padre. Posteriormente realizaría “Centenari” (2002) sobre la corrupción en el mundo del fútbol.
https://www.youtube.com/watch?v=oA7rSdJDYFk 
película completa en castellano

dragon rapide

1986 España 96 minutos. director: Jaime Camino. Guión: Jaime Camino. Música: Xavier Montsalvage. fotografia: Juan Amorós. productora: coproducción españa italia tibidabo films.  Reparto:  juan diego, vicky peña, manuel de blas, pedro díaz del corral, francisco casares, santiago ramos, laura garcía lorca, miguel molina, josé luis pellicena, saturno cerra, eduardo MacGregor, ramón durán, carlos lucena, alberto fernández, maria lasala, jorge Bosso.
Sinopsis: España, Segunda República. En julio de 1936, Francisco Franco, Capitán General de las Canarias, tiene que trasladarse, en secreto, a Marruecos para ponerse al frente de las tropas sublevadas, con el fin de derribar el Gobierno del Frente Popular. El Dragon Rapide, un avión británico, será clave en el desarrollo de la operación.


 Tiene más de documental que de película comercial, y por ello la veo especialmente recomendable para jóvenes o adultos desinformados. Siempre es mucho más ameno y eficaz aprender con imágenes; partiendo de este resumen tan bien trabajado, seguro que les será más fácil profundizar por su cuenta.

Se centra en el proceso de preparación de la sublevación militar. Hubiera sido de agradecer que éste fuera el primer capítulo de una serie más completa sobre la dictadura española. Sería interesantísima. Lástima que en España no tengamos suficientemente desarrolladas las industrias del cine y televisión como para acometer con seguridad proyectos de tal magnitud.


Destacan una buena documentación y la mayoría de los actores, sobre todo Juan Diego, que interpreta a un Franco creíble (¡quién lo hubiera dicho!) sin caer en la parodia; de hecho, creo que el Franco real habría resultado demasiado cómico como para protagonizar un drama histórico.
Lo peor es, sin duda, la música.

¡Qué diferente podría haber sido todo si "el general Franquito" (como era conocido entre sus propios colegas militares) finalmente no se hubiera decidido a intervenir en la operación!
Me hizo mucha gracia ver una "especulación" sobre lo cizañera que pudo llegar a ser Carmen Polo. Tampoco olvidaré nunca las risas al ver a Franco desembarcar en la playa a hombros de un subordinado para no mojarse.
https://www.youtube.com/watch?v=xbvYj6qZ_BQ
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el rey pasmado

1991 españa 110 minutos. drama histórico. director: imanol uribe. guión: joan potau. música: jose nieto. fotografia: hans burmann. productora: aiete films. reparto: gabino diego, juan diego, javier gurruchaga, fernando fernán gómez, maría barranco, joaquim de almeida, eusebio poncela, laura del sol, anne roussel, carmen elías, alejandra grepi, enma cohen, josé soriano, christine dejoux, enrique san francisco, josé maría tasso.
Sinopsis: España, reinado de Felipe IV (1621-1665). Se inspira en una novela del escritor Gonzalo Torrente Ballester. El Rey (Gabino Diego) se queda estupefacto al contemplar el cuerpo desnudo de Marfisa (Laura del Sol), la prostituta más bella de la Villa y Corte. Después pretende ver también desnuda a la Reina (Anne Roussel). A pesar de la oposición y el escándalo de la Iglesia, el Rey no parará hasta ver cumplidos sus deseos.


 Gabino Diego interpreta, en esta cinta de Imanol Uribe, a un monarca español jovial y bobalicón. Es Fernando IV, un veinteañero al que poco importa la Batalla de Flandes, o la llegada de las fragatas de las Indias Occidentales a Trafalgar, pues acaba de descubrir a la mujer, hablando genéricamente. Concretando un poco más, con la ayuda del Conde de la Peña Andrada, un grandioso Eusebio Poncela, ha caído en los brazos del pecado por primera vez, quedando pasmado ante la belleza de la puta Marfisa, para desgracia de un sector importante de la Iglesia de aquel entonces, en el que destaca el padre Villaescusa.


‘El rey pasmado’ es una película fresca, alegre y divertida, cargada de escenas ingeniosas, que esconde detrás de tanto puterío cortesano, y no cortesano, de tanta teología, tanto de unos (Almeida) como de otros (Juan Diego), una feroz crítica, con un sútil tono irónico, a la Iglesia más rancia de todos los tiempos. Esa Iglesia que representa magistralmente el personaje de Juan Diego. Esa Iglesia inquisidora que imperó durante gran parte de la Edad Media. Es una historia que habla acerca de las monarquías absolutas que anduvieron por nuestro Reino en tiempos pasados. Una historia de religión, monarquía y tradición. De cómo, casi siempre, iban de la mano unas con otras. Privando de la libertad, tanto moral como terrenal, a los hombres (y ya no digo a las sumisas mujeres). Pero ahí está el prendado de Gabino. Con esa cara de tontorrón, abobado por el sexo, deseoso de intimar con su Reina. Dispuesto a romper con la tradición y el orden imperante. Abocado hacia el libertinaje. Iluso, aún quedaban (¿quedan?) años de sumisión ante la Ley Divina. Recomendable.
https://www.youtube.com/watch?v=Zl0_jwHzCOY
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Todo es silencio

España 2012 119 minutos. drama. Director: jose luis cuerda. guión: manuel rivas. música: sergio moure. fotografía: hans burman. productora: milou films. Reparto: quim guitiérrez, miguel ángel silvestre, celia freijeiro, xoque carvajal, axel fernández, carolina cao, sergio gonzález, chete lera.
Sinopsis: Años 70. En Noitía, un pueblo de la costa atlántica gallega, viven Fins y Brinco, dos adolescentes que mantienen una relación de amistosa rivalidad en medio de la cual se encuentra Leda, una chica algo mayor que ellos. La joven elige a Fins y lo arrastra en la búsqueda de los tesoros que los naufragios arrojan a las playas. Su relación se interrumpe bruscamente cuando Fins se va del pueblo, tras la muerte de su padre mientras pescaba con dinamita. Cuando veinte años después, Fins vuelve convertido en policía, comprueba que todo ha cambiado en Noitía: el tradicional contrabando de tabaco ha sido sustituido por el narcotráfico, que está bajo el control del cacique local, cuyo lugarteniente es Brinco, que, además, ha tenido un hijo con Leda. Fins someterá a la pareja a una vigilancia, en la que se entremezclan el cumplimiento del deber con viejos sentimientos.

 Esperaba bastante más de esta película y no sólo porque sea una obra del mismo hombre que firmó: Amanece que no es poco, El bosque animado, La lengua de las mariposas e incluso Los girasoles ciegos; también porque había sido elegida para inaugurar (fuera de concurso) la 57 edición de la Seminci. Me ha decepcionado y me ha resultado imprecisa y deslavazada; y bien que lo siento porque me caen bien José Luis Cuerda y Juan Diego (la única interpretación creíble).


"Todo es silencio" se queda en el intento de trasladarnos una historia con muchas posibilidades: la infancia de tres amigos gallegos que evolucionarán de distinta manera en función de la proximidad o alejamiento de Noitía, el pueblecito costero que ha reconvertido con el paso de los años su delictiva actividad de contrabando de tabaco para entrar en el magro negocio del narcotráfico.
Los mejores momentos, para mi gusto, tienen lugar en la primera parte, cuando la cámara del director se sitúa en los ojos de los niños. El salto de veinte años desequilibra el film, que se convierte en un batiburrillo en el que, por momentos, chapotean los actores, consiguiendo que los espectadores se alejen de una realidad digerible.
El guión del buen escritor Manuel Rivas, basado en su propia novela, no ayuda a desfacer ningún entuerto, más bien todo lo contrario. Incluso me atrevería, irresponsablemente, desde mi lógico desconocimiento de aficionado, a añadir que tal vez sea el desencadenante de un proyecto fallido.
https://www.youtube.com/watch?v=3HM-vzq7usw
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Estambul 65

1965 España 117 minutos. acción. Director: Antonio Isasi. Guión: Antonio Isasi, Giovanni Simonelli. Música: Georges Garvarentz. Fotografía: Juan Gelpí. Productora: Coproducción España-Francia-Italia; Isasi P.C. / Edition et Diffusion Cinématographique (E.D.I.C.) / Compagnia Cinematografica Mondiale (CCM) Reparto: Horst Buccholz, Sylva Koscina, Mario Adorf, Perrette Pradier, ángel Picazo, Klaus Kinski, Álvaro de Luna.
Sinopsis:  Kelly es una bella agente del FBI que investiga la desaparición del profesor Pensdergast, director de una importante investigación del gobierno norteamericano sobre la energía nuclear. En el transcurso de la investigación, Kelly conoce a Tony, un joven aventurero que, movido por la belleza de la joven y la recompensa de un millón de dólares le ayudará a encontrar al profesor.


 Kelly es una bella agente del FBI que investiga la desaparición del profesor Pensdergast, director de una importante investigación del gobierno norteamericano sobre la energía nuclear. En el transcurso de la investigación, Kelly conoce a Tony, un joven aventurero que, movido por la belleza de la joven y la recompensa de un millón de dólares le ayudará a encontrar al profesor. Pues sí, esta es una película de espías, española y con mucho, mucho éxito de público en todo el mundo. Eso sí, está rodada con un elenco internacional y un planteamiento que recuerda (y seguro que fue algo buscado) a una película norteamericana. La historia y la estética están obviamente influenciadas por los primeras películas de James Bond, especialmente por "Desde Rusia con amor" (1963), con la que comparte escenario en la ciudad turca de Estambul, pero eso sí, no es una copia y ni mucho menos una mala copia barata. Toda la cinta respira una estupenda dirección, un buen guión y un sentido del humor paródico verdaderamente original para la época y mucho más para el cine español, de entonces y de ahora.


A destacar la actuación del alemán Horst Buchholz (Tony Mecenas en la película) que con sus rasgos latinos llegó a triunfar en el cine italiano, pasando también por magnificas películas de Hollywood como "Uno, dos, tres" o "Los siete magníficos".

Como dato malo, que no tuviera personajes protagonistas españoles, actores españoles no, eso sí tenía, me refiero a que el protagonista fuera un agente secreto español, pero... la película es de 1965 y recordemos cual era la situación politica en España.
https://www.youtube.com/watch?v=hPaTG97RIKs 
película completa en español 

La isla Misteriosa y el capitán Nemo

1973 España 120 minutos. aventuras. director: juan antonio bardem. Guión: novela de julio verne. música: gianni fierrio. fotografia: enzo serafín. productora: Co-producción España-Francia-Italia-Camerún; Albina Productions / Cameroons Development / Cité Films / Copercines / Cooperativa Cinematográfica / Filmes Cinematografica / ORTF. Reparto:  Omar Sharif, Ambroise Bia, Jess Hahn, Philippe Nicaud, Gérard Tichy, Gabriele Tintin, Rafael Bardem Jr.
Sinopsis:
En el año 1865, durante el sitio de Richmond (Virginia), cinco prisioneros se evaden en globo y son arrastrados por un terrible huracán hasta una isla, situada a más de seis mil millas de distancia
 De la fantástica novela de Julio Verne (1828-1905) ha surgido esta maravillosa producción, una película de dos horas y una serie de televisión de seis horas de duración, que recrea con todo detalle la inenarrable aventura vivida por estos hombres en los más exóticos y recónditos paisajes de nuestra tierra.

Todo ello mezclando con la desbordante fantasía del genial novelista, precursor en sus días de los más fabulosos inventos, que posteriormente la humanidad ha ido convirtiendo en realidad.

Una doble adaptación de "La Isla Misteriosa" que se hizo para el cine y como serie de televisión con Omar Shariff para el 1973.

El capitán Nemo, comandante del submarino Nautilus, es el protagonista de la novela de Julio Verne, "Veinte Mil Leguas de Viaje Submarino" y uno de los personajes de "La Isla Misteriosa".


El capitán Nemo es un hombre culto y un gran ingeniero, que recorre los mares en un afán de investigación científica (las exploraciones del submarino Nautilus), de justicia (ayuda a los revolucionarios griegos en su lucha de emancipación respecto a Turquía), y de venganza (se dedica a hundir navíos que lleven la bandera de Inglaterra).

Nemo es un personaje sombrío y misterioso, que esconde su verdadera identidad tras un nombre que alude al episodio de La Odisea. Vive obsesionado por un misterioso pasado y ha renunciado a vivir en sociedad. “Rompí con la sociedad por razones que solo yo se apreciar”, nos dice en uno de los pasajes de “Veinte Mil Leguas de Viaje Submarino”, la obra de Verne.

El capitán Nemo ataca a los buques de guerra, representa a la vez al ser humano que siempre va en busca de su ideal, y al que va tras la venganza contra el mundo exterior.


Nemo encuentra la muerte en el hundimiento del Nautilus, tras la destrucción de la isla Lincoln, al final de La isla misteriosa. Se llega a saber que su origen es indio, y que en el pasado era el príncipe de Dakkar, el hijo de un rajá, que odiaba al Reino Unido, al cual su vieja patria le debía su servidumbre.

Sediento de independencia, había abandonado su país junto con otros fieles amigos con el objetivo de surcar los mares y encontrar la libertad que nunca habían tenido.
 https://www.youtube.com/watch?v=SJtte0wF52k
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El maestro de Esgrima

1992 España 84 minutos. director: Pedro Olea. Guión: Pedro Olea. Música: Jose Nieto. Fotografia: Alfredo Mayo. Productora: altube Films. drama histórico. Reparto: Assumpta serna, omero antonutti, joaquim de almeida, josé luis lópez vázquez, miguel rellán, alberto closas, elisa matilla, ramón goyanes, juan jesús valverde, francisco vidal, tomás repila, marcos tizón, miguel ángel salomón, sonsolores benedicto.
Sinopsis: Madrid, año 1868. Una revolución, la Gloriosa, pone fin al reinado de Isabel II de Borbón (1843-1868), hija de Fernando VII (1814-1833). Son tiempos convulsos en la Villa y Corte, las conspiraciones y la lucha por el poder dominan la vida política. Don Jaime de Astarloa, el mejor maestro de esgrima de la ciudad, permanece al margen de las intrigas. Para él, sólo existe un motivo por el que merece la pena batirse: el honor. La aparición en escena de Adela Otero, bella mujer y hábil esgrimista, será la estocada final a su forma de vida.


 Historia negra ambientada en los convulsos días finales del reinado isabelino; días en los que ya no está de moda la esgrima (el honor, la elegancia, la cordura); días en que sólo queda un hombre honrado en Madrid: Don Jaime Astarloa. Yo soy él por muchísimas razones: porque no me fío de la política; porque no tengo vicios (salvo el cine y el fútbol); porque muchas veces me siento como el único chico honrado que queda al dar mi opinión... ¡y porque tengo un "florete" muy grande (je, je)! También yo sigo manteniendo el mundo a distancia con mi acero (esta vez sin segundas metáforas), y, sobre todo, a los necios que no han sabido ver en esta historia más que algo simple (¿pero quién cojones ha extendido esa idea de que las complicaciones implican calidad?); y tampoco sería capaz de evitar mandar al carajo estos principios de los que me estoy enorgulleciendo ante una mujer como Adela.
Todos los actores están bien, aunque fallan un poco el físico de Antonutti (siempre me lo imaginé algo más enjuto de rostro) y ese ligero acentillo de Assumpta.


¡Qué tensión sexual!; ¡qué reconstrucción de época (y no me refiero exclusivamente al vestuario, sino a toda la figuración y demás detalles característicos perfectamente reconocibles)!; ¡qué fotografía!; ¡qué duelos!; ¡qué música!... Garci debería estudiar esta película y aprender cómo se ruedan las tertulias en los cafés.
Y encima tiene un toque a lo "Seven" con esa visita a la morgue y cuando nos encontramos a un Cárceles torturado. En este punto conviene aclarar, para no restar méritos, que esta película es varios años anterior a la de Fincher.


Fue seleccionada para representar a España en los Oscar, pero no pasó la criba. La verdad, me pareció injusto, pues "Indochina" era muchísimo peor.

PD: Les recomiendo la novela de Pérez-Reverte. Marcó mi adolescencia. Estoy de acuerdo en que, hasta la fecha, ésta es la mejor adaptación de una obra suya.
https://www.youtube.com/watch?v=nLBY02rPc1A
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acero puro

2011 Usa 126 minutos. Director: Shawn Levy. Guión: Leslie Bohem. Música: Danny Elfman. Fotografía: Mauro Fiore. Reparto: Hugh Jackman, Dakota Goyo, Evangeline Lilly, Anthony Mackie, Kevin Durand, Hope Davis, James Rebhorn, Marco Ruggeri, Karl Yune, Olga Fonda, Jhon Gatins.
Sinopsis: En un futuro no muy lejano el boxeo es robótico: en los combates ya no se enfrentan seres humanos, sino robots humanoides, sofisticadas máquinas diseñadas para luchar. Charlie Kenton, un antiguo púgil que casi llegó a alcanzar la gloria, está pasando una mala racha como promotor de combates. Un día, encuentra un viejo robot desechado y, al comprobar que es un gran boxeador, decide entrenarlo.

 Telefilm de amplio presupuesto con estupendos efectos visuales.
No se como será el relato del gran Matheson en el que se basa, pero la peli es la típica sensiblera de perdedor padre ausente hasta que ha de hacerse cargo de su hijo, entonces el hijo le hará ser buen padre, mejor persona y le enseñará a triunfar en su trabajo (es que los niños se las saben todas)

Es el argumento típico de un telefilm.... aunque en este caso, el padre se dedica a la lucha de robots, pero eso no es lo importante, lo importante es el niño que acapara la cámara, consiguiendo que sea uno de los más repelentes que recuerdo, especialmente con ese empeño de que un niño ajeno al mundo de los robots sepa repararlos, intercambiarles piezas y manejarlos mucho mejor que personas que llevan toda la vida dedicadas a ello (y por si no resultaba ya cansino, luego se pone a bailar)


La pena es que el principio prometía, una mezcla estupenda de ambientes, peleas de robots futuristas pero tratadas de forma realista, en la que el público no ha renunciado a los espectáculos de siempre, simplemente los ha ido variando, así el cruel enfrentamiento entre un robot y un toro parece prometer que la película será más oscura de lo que en realidad es.
El diseño de los robots es excelente, resultan extremadamente realistas, no cantan a falsos como suele ocurrir con los efectos digitales, realmente estupendos.


Pero a partir de la secuencia inicial todo va cuesta abajo, el guión se pone en modo "lo de siempre da dinero, busquemos la lágrima fácil". La película es totalmente previsible, un saqueo de otros films como Campeón o Rocky, además de telefilms sensibleros, dada su mediocre dirección.

Acero Puro es una película infantiloide, con niño abofeteable, un Hugh Jackman presente para lucir músculo y una Evangeline Lilly que hace lo propio con sus piernas (aunque menos), con todos y cada uno de los tópicos de las películas familiares, mezclada con el cine de peleas y unos robots realmente bien realizados que son, con diferencia, lo mejor de la película. Para fans de este tipo de cine.
https://www.youtube.com/watch?v=zKtpo3jR7tU
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El barbero de Sevilla

1938 España 90 minutos. musical. director: Benito Perojo. Guión: Benito Perojo. Música: Walter Sieber. Fotografia: Bruno Mondi. Productora: Coproducción España-Alemania; Fabrikation Deutscher Filme (F.D.F.) GmbH / Hispano Filmproduktion. Reparto: Miguel Ligero, Estrellita Castro, Roberto Rey
Sinopsis:
Fígaro, el barbero más famoso de Sevilla, debe impedir la boda entre Rosina y Bartolo, para ayudar al Conde de Almaviva. Adaptación de la obra de Beaumarchais.


En una plaza pública en las afueras de la casa del viejo doctor Bartolo, una banda de música y un pobre estudiante llamado Lindoro están dando una serenata, sin resultado, ante la ventana de Rosina (Ecco ridente in cielo - "Aquí, riendo en el cielo"). Rosina es una pupila del doctor y éste quiere casarse con ella. Lindoro, quien en realidad es el joven Conde Almaviva disfrazado, espera conseguir que la bella Rosina le ame por sí mismo y no por sus títulos o su dinero. Almaviva paga a los músicos cuando se marchan, quedando él entristecido y solo.
Fígaro, que presume de ser el barbero más famoso de Sevilla y de que eso le abre todas las puertas, se acerca cantando Aprovechando que Fígaro fue en el pasado sirviente del Conde, éste le pide ayuda para encontrarse con Rosina, ofreciéndole dinero en caso de que logre arreglarlo. (: All'idea di quel metallo - "A la idea de aquel metal"). Fígaro aconseja al Conde que se disfrace de soldado borracho, para que le sirva de pretexto para que el doctor Bartolo le dé alojamiento en su casa amparándose en la obligación legal que recaía sobre los ciudadanos de acoger a las tropas cuando éstas se desplazaban. Fígaro es generosamente recompensado por esta sugerencia.

Conforme la sirviente del Dr Bartolo, Berta, intenta abandonar la casa, se encuentra con el Conde disfrazado de soldado ebrio. Temiendo a este borracho, Berta se apresura a acudir donde Bartolo en busca de protección e intenta alejar al supuesto borracho, pero no lo logra. El Conde consigue unas palabras con Rosina, susurrándole que es Lindoro y entregándole una carta. El vigilante Bartolo sospecha y exige saber qué es esa pieza de papel en las manos de Rosina, pero ella le engaña entregándole la lista de la lavandería. Bartolo y el Conde empiezan a discutir y, cuando Basilio, Fígaro y Berta aparecen, el ruido atrae la atención del oficial de la guardia y sus hombres. Bartolo cree que el Conde ha sido arrestado, pero Almaviva sólo tiene que mencionar su nombre al oficial para quedar en libertad. Bartolo y Basilio están asombrados, y Rosina se burla de ellos. (Final: Fredda ed immobile - "Fría e inconmovible").
https://www.youtube.com/watch?v=7C4zErPh8P0
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